SUBROSA - Strega

I'm not entirely sure about the current status of Salt Lake City's sludgy Romantic Doomers SubRosa. They are back together for at least a couple of North American live appearances. Are there plans beyond that or will singer Rebecca Vernon go back to her own project The Keening and the rest of the band continue as The Otolith? Will maybe all these things continue existing beside each other?

What I know is that Profoud Lore Records took this moment of attention as an opportunity to reissue the band's three studio albums released by them. And thankfully SubRosa also got I hate Records on board for a re-release of their label debut, which so far had been a blind spot on my musical map.

SUBROSA - Strega (red vinyl LP) (2008/2026)

"Strega" comes on red vinyl with a lyric sheet and really nothing to complain about concerning the physical copy. This is nice. If you had been missing out on this one as a fan - this edition gives you no reason to keep it that way!

Musically the album is quite different than what the band would do on later releases. I already knew that despite playing super heavy, often bleak, yet beautiful Doom Metal with two violins SubRosa has never actually been inspired by My Dying Bride, which would be such an obvious assumption.

Listening to "Strega" now however really drives home who was the real main inspiration behind Vernon and Sarah Pendleton founding this group. And it's not only PJ Harvey, but also Polly Jean Harvey. Most of the eleven songs are still short, there's only one violin yet, the bass sound isn't as crushing as it would become on the following works. The dry guitar riffs in the centre, Rebecca's vocals, the stripped-down, yet effective production... Everything points heavily into this direction. And a piece like "Black Joan" maybe even drives the similarity almost a little too far.

But yes, all in all that's pretty damn cool. This is nowhere close to the magnitude of "More Constant Than The Gods" or "For This We Fought The Battle Of Ages". It's not a perfect album - but it doesn't need to be.

"Strega" shows SubRosa at an intriguing point of their evolution, from which they could have easily developed into a much more chart-compatible Indie Rock direction - and probably still have become an exceptionally great band. But the seed for what they would actually become is also there, especially in tunes like the title track or the instrumental epilogue "Cradles".

What else to say? I'm just really happy to own this now.

NEPTUNIAN MAXIMALISM - Nāgabhūtam

"Among the Gods

At the Sight of the One

Who Has Become a Serpent

They Are Afraid"

NEPTUNIAN MAXIMALISM - Nāgabhūtaṃ (marble orange vinyl LP) (2026)

The Belgian Drone collective Neptunian Maximalism had been in turbulence lately. Personal misbehaviour of one member and the following cracks in friendship and consequently the band's line-up lead to them cancelling various shows, including their performances as support act for Blood Incantation where Insect Ark stepped in instead. Even though I cannot know what they had planned to play on those shows, I assume it would still have been a part of the touring cycle for the Blackened Raga Drone Doom Metal of "Le Sacre Du Soleil Invaincu".

With that chapter being closed prematurely the ensemble around guitarist / multi-instrumentalist Guillaume Cazalet returned to the eve, both in space and time, by playing a fully improvisational show in their homeground of Le Botonique in Brussels, with a quartet line-up reminiscent to the "Éons" era, with two drummers and colossal saxophone maximalist Jean Jacques Duerinckx returning to the fold. It's indeed almost the same cast as back in 2018, with only one of the percussionists being replaced by a new guest member.
This incarnation of the band is even officially called the Neptunian Maximalism Éons Quartet in the credits on Bandcamp.

"Nāgabhūtaṃ" (a combined Hindi word which roughly translates to "to become a serpent") is a deliberate step away from the Metal aesthetics of the last album, back to Neptunian Maximalism's original brand of a wildly pulsating sonic ritual, which is in equal parts made of the Black Magick inversion of Spiritual Free Jazz, Tribal Drone, Psychedelic Rock and Doom Metal, without ever fully actually becoming one of those influences.

It is a return to the group's primordial roots, but not a rerun. While all elements, from the deep Northern Asian overtone singing to the powerful baritone sax blasts and the daringly chaotic syncopated drums feel familiar, there are subtle new tweaks like Cazalet playing the toy synth instrument Otamatone instead of flute or brass instruments. Mainly however it's the growth and experience of the musicians during the past dozen years, which leads to a slightly different constellation of everything coming together. We're watching the same stars, yet from another angle.

With a running time of forty-two minutes "Nāgabhūtaṃ" channels a similar otherworldy energy as "Éons" did, but it distills the celestial flow into a more purposefully focussed - yet still imposing and cathartic - result.

The packaging of the marbled orange vinyl (released by I, Voidhanger Records) does the cosmic meditation justice with a great front cover artwork by Daniele Valeriani and an inlay featuring various photographs of this remarkable performance.

So far no flaw has been detected by me. The ridiculously noisy escalation in the final eleventh movement of "Devānām madhye nāgabhūtaṃ dṛṣṭvā te bibhyati" is truly earned at that point. This is Neptunian Maximalism at their best, defying their internal crisis and affirming their position at the spear head of contemporary timeless Drone. Yet another masterpiece!

TORI AMOS - In Times Of Dragons

Ok, da ich ich mich mit dem Kirchenkonzert von Amanda Palmer eh gerade in die Rubrik singende Dame am Klavier begeben habe, ist jetzt vielleicht auch der richtige Zeitpunkt, um endlich die aktuell überfälligste Rezension aus meiner To-do-Liste anzugehen.

Tori Amos befindet sich momentan ja in einer umstrittenen Phase, was die Rezeption ihrer Liveshows angeht; in erster Linie geht es dabei um den Umgang damit, dass sie ihren früheren Stimmumfang einfach nicht mehr über ein ganzes Konzert abrufen kann.

Ich hatte mit ihrem Wechsel zu einer oft tieferen, rauchigeren Lage und dem größeren Fokus auf instrumentale Improvisationen weder 2023 in der Laeiszhalle noch auf dem brillianten "Diving Deep Live"-Album ein Problem.

Auf der aktuellen Tour allerdings bin ich nicht gewesen. Manche Konzertbesucher loben die neuen Arrangements ihrer Songs und die Einbindung von Backgroundsängerinnen, andere finden die Interpretationen zu lahm und eben jene Backgroundsängerinnen zu sehr im Vordergrund. Vielleicht ist es ja auch Tagesform, denn was ich an aktuellen Livevideos gesehen habe, stützt tatsächlich sowohl mal den einen, als auch den anderen Standpunkt.

Ich kann und will mich zu Tori Amos live 2026 also nicht positionieren. Doch wie sieht's im Studio aus?  

TORI AMOS - In Times Of Dragons (clear vinyl 2LP) (2026)

Im Vergleich zum letzten Album "Ocean To Ocean" (2021) ist "In Times Of Dragons" sowohl opulenter als auch sparsamer geraten. War der Vorgänger mit elf Songs relativ kompakt für Toris Verhältnisse, so bewegt sich das neue Werk mit siebzehn Stücken im vertrauteren, fast schon zu großzügigen  Rahmen. Man könnte das Album also leicht um die zwei oder drei im Vergleich schwächsten oder am ehesten schon einmal dagewesenen Lieder kürzen, ohne dass es sich wirklich anfühlen würde, als ob etwas fehlte.

Sparsamer als zuletzt sind die Arrangements ausgefallen. Nein, dieses Album wirkt alles andere als klein. Und ja, hier und da wird mit orchestralen Klängen und Synthies zusätzlich verdichtet. Insgesamt jedoch klingt dieses Album noch mehr nach Band und beschränkt sich großenteils auf das perfekt aufeinander eingespielte Team aus Tori Amos selbst an Klavier, Cembalo, Keyboard, Bassist Jon Evans, Drummer Matt Chamberlain und Gitarrist Mark Hawley. Auch die Chöre und Harmoniegesänge wurden wie eh und je komplett von Tori eingesungen. Die einzige prominente Präsenz jenseits dieser Besetzung ist Toris Tochter Natashya Hawley, die in mehreren Stücken als Duettpartnerin auftaucht.

"Southern girls know what it means

When the patriarchy menacingly says:

You shush yourself down down

You put a finger on those beautiful lips

Whe both know what they're good for, don't we?"

Der Opener "Shush" macht lyrisch keine Gefangenen, sondern erlegt den rückständigen Zeitgeist gezielt schon innerhalb der ersten Zeilen. Das über sechsminütige, getragen schwere Stück stimmt perfekt auf den ernsten, oft düsteren Ton ein, der große Teile der gesamten Trackliste bestimmt. "I knew a girl who wrote Silent All These Years. Where is she?" fragt die Sängerin am Ende des Stücks in Bezug auf ihr 1992er Debüt "Little Earthquakes".

"Where am I? Where am I?" fährt sie im folgenden Titelstück gleich darauf fort. Schon hier sollte klar sein, dass "In Times Of Dragons" ein Konzeptalbum ist, vergleichbar mit dem amerikanischen Stimmungsbild ihrer Reise in "Scarlet's Walk" (2002) oder ihrem Rollenspiel auf "American Doll Posse" (2007). Mal in deutlichen Worten wie eben zitiert, mal in Metaphern und Allegorien besucht die Künstlerin verschiedene - auch im Gatefold des Doppelalbums fotografisch festgehaltene - Charaktere wie die Hohepriesterin, die Tochter,  die Gasoline Girls oder die Handlager, und formt daraus ihren Spiegel der amerikanischen Gegenwart. Es ist also ein Werk über den Kampf der demokratischen Freiheit gegen faschistische Tyrannei.

Schwere Kost, aber notwendig, gerade von Künstlern mit Amos' Erfahrung, die es sich sicherlich bequemer machen können. Zum Glück geht die Sängerin aber nicht diesen Weg, sondern sieht sich selbst nicht als Verwalterin und Wiederverwerterin ihres eigenen Erbes, sondern als Chronistin der Gegenwart. Dies ist natürlich eine Haltung, die bei vielen Musikern, welche einfach zu out of touch sind, zu eher peinlichen Resultaten führen kann. Tori Amos jedoch wächst mit dem Anspruch ihres Konzepts und liefert nicht nur großartige Poesie voller intimer bis überweltlicher Menschlichkeit, sondern eine musikalische Umsetzung, die dermaßen stark ist, dass ich mich kaum traue, einzelne Lieder herauszustellen.
Denn wenn ich die tiefe balladeske Schönheit der "Flood" erwähnte, den dramatischen Puls des "Angelshark", die den Himmel öffnende Ode an "St. Theresa" oder die cinematische alpine Weite der "23 Peaks", warum dann nicht auch die Achtziger-Vibes von "Pyrite", den Western-Upbeat von "Fanny Faudrey" ode das traumhafte Leuchten des "Strawberry Moon"?

Die Dichte an Material, welches sich vor nichts im Katalog verstecken muss, ist beeindruckend. Natürlich klingt Tori Amos 2026 anders als das Mädchen, welches "Silent All Those Years" sang. Das kreative Feuer brennt anders, aber es lodert unermüdlich. Ob man persönlich dieses Album nun als das beste seit "Native Invader", "Scarlet's Walk", gar "From the Choirgirl Hotel" oder doch nur "Ocean To Ocean" einstuft, ist unnütze Formsache. Es ist nicht perfekt, aber doch eine verdammt starke Sammlung von Songs, die ihr qualitativ wie quantitativ gewaltiges Repertoire noh weiter bereichert.

Die Dinge, die mich ein wenig stören, tun dies auch nicht einmal in einzelnen Songs, sondern nur durch ihre Häufung. So ist die zunehmende Angewohnheit, einzelne Zeilen durch vielfache Wiederholung besonders zu betonen, im einzelnen Stück stets angemessen. In der Masse nervt es aber schon ein bisschen.
Ähnlich verhält es sich mit dem bereits im Opener vorgegebenen düsteren Midtempo, welches zwar zu fantastischen Songs führt, die allerdings im Vergleich zu den leichteren, spielerischeren, hoffnungsvolleren Tracks ein etwas unausgeglichenes Übergewicht haben. Ist dies jedoch wirklich eine Kritik? Die Zeiten sind schließlich finster.

Letztendlich gilt aber die alte Regel: Egal welche Kritikpunkte man an einem Tori Amos-Album findet, sie bleiben stets relativ. Denn schlecht kann sie nach wie vor einfach nicht. Ganz im Gegenteil: "In Times Of Dragons" beweist eindrucksvoll, dass sie noch viel zu sagen hat und die Klaviatur ihres Bösendorfer noch längst nicht ausgespielt ist.

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AMANDA PALMER live in der St.-Gertrud-Kirche, Hamburg (08. August 2026)

Wird es allmählich zur Gewohnheit? Nach der Wintereinbruchsshow von Marissa Nadler und dem Tribut an La Monte Youngs "Composition 1960 #7" während des Roadburn Festivals war Amanda Palmers gestriger Auftritt bereits mein drittes Kirchenkonzert innerhalb eines Jahres.

Obwohl ich mich ansonsten so gut wie niemals in dieser Gegend aufhalte, war die St.-Getrud-Kirche am Kuhmühlenteich östlich der Außenalster mit dem Auto leicht zu finden. Ich hatte mich ja auch vorbereitet und wusste genau, welche Straßen - inklusive jener direkt am Ziel - ich auf Parkplatzsuche abfahren musste. Ok, Quatsch. Durch die Vollsperrung einer Zufahrtsstraße war es auf einmal super kompliziert geworden, den Weg zum Gotteshaus zu finden. Zunächst einmal brauchte ich Ewigkeiten, um überhaupt in die Nähe zu kommen, bin sonstwohin abgeschweift und sogar einmal - "Scheiße, das wär's gewesen!" - direkt an dem richtigen Rechtsabbieger vorbeigerauscht. Einfach umkehren konnte man dort leider nicht. Ich befand mich also wieder auf einer Umfahrung jakobswegschen Ausmaßes, als ich - immerhin auch nur einen Kilometer entfernt - spontan eine sich auftuende Parklücke nutzte.

Natürlich sah ich nicht nur auf dem Fußweg zur Kirche zahlreiche mich höhnisch angrinsende  freie Parkplätze, sondern erst recht direkt vor der Kirche selbst. Vermutlich ist dieser Flecken momentan tatsächlich eine der isoliertesten Ecken Hamburgs. Under der Veranstalter Kampnagel hatte noch gewarnt, wegen Parkplatzmangels lieber gleich mit den Öffis anzureisen. Ähem.

Das war natürlich zurückblickend alles halb so wild - trotzdem begleitete mich das gesamte Konzert über eine gewisse Grundnervosität, da sich eine halbe Stunde vor Beginn der Show der Parkvorgang auf meiner easypark-App einfach selbstständig beendet hatte und ich natürlich nicht mal eben draußen nachschauen konnte, ob alles in Ordnung war und meine Kiste noch dort stand.

Und falls dich das alles einen Scheißdreck interessiert und Du einfach nur über Amanda Palmer lesen möchtest - tja, Du hättest den ganzen Sermon überspringen können!
Anderseits empfinde ich es auch nicht als ganz unpassend, einen Bericht zu dieser selbst gerne lange Geschichten erzählenden Künstlerin mit etwas Vorgeplänkel zu beginnen, bevor es zur Sache geht. War jetzt halt nur doof, dass ich nichts spannenderes oder relevanteres als diese Banalitäten anzubieten hatte. Sorry?

Die Bankreihen plus Extrabestuhlung an der Seite des neugotischen Kirchenschiffs hatten sich gut gefüllt, als sich nach einem orchestralen Intro vom Band aus Richtung Eingang der Klang einer einsamen Ukulele näherte. Amanda Palmer schritt im schwarzen Kleid durch den Mittelgang und begann schließlich ohne Mikrofon, sogleich die brilliante Akustik des Raums demonstrierend, Radioheads "Creep" zu singen. Sicherlich nicht die alleroriginellste Wahl eine Coverstücks, doch als sie die hohe Kanzel hinaufgestiegen war und inbrünstig laut mit unglaublich langgezogenen Noten den Refrain intonierte, war dies mehr als leicht zu entschuldigen.

Es sollte nicht das einzige Fremdmaterial des von hieran am Konzertflügel bestrittenen Abends bleiben. Und Stücke ihres eigenen Duos Dresden Dolls wie das mit brillianter Performancecomedy angereicherte "Coin-Operated Boy" zähle ich hier gar nicht mit.
So folgten später im Set noch ein Track vom Soundtrack zum Barbie-Film (Ich kann Amandas Aussage nur unterstreichen: "If you haven't seen it: It is not what you think it is!"), nämlich Billie Eilishs Ballade "What Was I Made for?" und zum Abschluss der Show - passend zur Location - Leonard Cohens Klassiker "Halleluhjah".

Davor gab es durchaus auch Momente, in denen man dachte, dass eine katholische Kirche dieses Programm wohl nicht hätte durchgehen lassen. Damit meine ich nicht nur gelegentliche explizite *räusper* Anzüglichkeiten, sondern vor allem ein neues, noch unveröffentliches Stück, in dem Palmer mit größtmöglicher Intensität zu kraftvoll gehämmertem Klavier forderte "Get Divorced!" (was in einem späteren Lied sogar als Reprise noch einmal auftauchte). Natürlich hat der Song Kontext, doch alleine in einer Kirche die Forderung zu stellen, sich scheiden zu lassen, fand ich ja schon erfrischend blasphemisch.

Die ersten - ich schätze mal - zwei Drittel der Show bestanden aus etablierten und leicht obskureren Überraschungen, wie einem mit erfreulich amerikaner-untypischen Akzent im Kabarett-Duktus vorgetragenen deutschprachigen Titel. Dazwischen hatte die Künstlerin natürlich einiges zu erzählen, allerdings nicht in dem Ausmaß, wie sie es auf ihrer noch stärker emotional aufgeladenen 2019er Tour zu "There Will Be No Intermission" getan hatte. Ich hatte die Gelegenheit, sie damals in Hamburg zu sehen, zwar leider nicht wahrnehmen können, hatte die damalige Tour aber zumindest in gleich zwei separaten Livestreams verfolgt.

Von jenem Album - nach wie vor dem einzigen, welches ich wirklich von ihr kenne - war leider gar kein Material in Amandas Setlist vertreten. Doch auch wenn ich z.B. zumindest das überragende "Drowning In The Sound" (oder "Death Thing" oder "The Ride"...) schon durchaus gerne gehört hätte, war dieses Konzert auch ohne jene vertrauten Töne von vorne bis hinten mitreißend und brilliant. Sowohl stimmlich als auch an den Tasten war ihre Darbietung tatsäch noch deutlich besser als ich erwartet hatte.
Einzig die immerhin für einige Lacher verantwortliche "Lightshow" (Saallicht geht zufällig an und aus) wäre definitiv noch ausbaufähig gewesen. 

Mein liebster Teil der Tragik und Humor balancierenden Show - und auch die beste, nur durch die beinahe ununterbrochene Abfolge von Songs erzählte Geschichte - war für mich jener Block am Ende, in dem sie eine ganze Reihe brandneuer Stücke präsentierte. Dafür dass diese noch work in progress waren, klangen sie schon verdammt ausgereift und versprechen jetzt schon ein sehr starkes Studioalbum - wann immer dieses auch aufgenommen werden wird.

Das Publikum bedankte sich für das kurzfristig lange nach Veröffentlichungen des offiziellen Programms des Kampnagel Sommerfestivals angesetzte Konzert mit lange anhaltenden Standing Ovations. Amanda Palmer, die aufgrund des Dramas rund um die Anschuldigungen gegenüber ihrem Ex-Mann mit sie nicht promotender Presse und in Amerika und Australien mit gecancelten Shows und Touren zu kämpfen hat, zeigte sich von diesem Ausgang der Veranstaltung sichtlich gerührt.

Es war ihr zu gönnen. Große Gefühle, große greifbare Kunst.

Ach ja, mein Auto war natürlich noch genau dort, wo ich es abgestellt hatte. Für die Rückfahrt bin ich einfach geradeaus gefahren, bis mir etwas bekannt vorkam - und das war wahrscheinlich die kürzeste mögliche Route. So leicht kann es manchmal gehen.

MONOVOTH - To Live In the Breath of Worship

Diesmal nicht wie die ersten beiden Alben auf Kassette (also kein Futter für meine spezielle Rubrik hier), aber immerhin nach Monaten überhaupt endlich auf physischem Tonträger zu haben, macht das neueste Werk von Monovoth genau dort weiter, wo "Pleroma Mortem Est" aufhörte - die Zeichen stehen also auf exzellenten Funeral Doom!

MONOVOTH - To Live In the Breath of Worship (CD) (2026)

Obwohl offiziell nach wie vor als Soloprojekt des argentinischen Multiinstrumentalisten Lucas Wyssbrod geführt, sind Monovoth auf "To Live In The Breath Of Worship" faktisch zumindest ein Duo, hat Drummer Martin Visconti doch einen kongenialen Anteil am Gelingen dieses Albums. Desweiteren reichen diverse Gastgitarristen einander die Axt, während auf zwei der vornehmlich instrumentalen sechs Tracks auch die düsteren Organe der Gastsänger Andrew Notsch bzw. Martin Passaro zu hören sind.

Bewährter Dreh- und Angelpunkt von Wyssbrods Musik bleibt zerschmetternde Todtraurigkeit, ausgedrückt im Wechselspiel großartiger Riffs so schwer wie zwei Meter frischer Erde über deinem Sarg und Leadgitarrenmeldodien von elementarer sakraler Schönheit.

Wie schon auf dem Vorgängeralbum werden die Grenzen des Subgenres Funeral Doom zwar ausgelotet, aber niemals wirklich verlassen, selbst wenn sich schwarzmetallische Tonfolgen einschleichen, wenn das Schlagzeug in "To Drown In The Tears Of God" antizyklisch schnell prügelt (ein perfektionierter Trick seit dem selbstbetitelten Debüt) oder man im Finale von "Beg & Burn" mit einem nietenbesetzten Stiefel schon die Schwelle zur reinen New Wave of British Heavy Metal überschritten hat.

Ich möchte schreiben, dass dieses Album mich uneingeschränkt in dunkles Verzücken versetzt, muss allerdings ehrlich gesagt zugeben, dass man die letzten zehn Minuten, die statt Doom Metal nur noch dröhnende Dark-Ambient-Klangkulisse sind, nicht unbedingt in jedem Durchlauf mitnehmen muss.

Bis dahin jedoch - und das ist immerhin eine absolut ausreichende  Dreiviertelstunde - herrschen Monovoth mit unentrinnbarer Begräbnisallherrlichkeit, die "To Live In The Breath Of Worship" zu einem meiner liebsten Metalalben des laufenden Jahres macht.  

Schwerter, Sax und Zauberei mit CAZAYOUX, CHRIS BISSETTE, JUSTIN K BROADRICK, LILI REFRAIN, SEX MAGICK WIZARDS und mehr

Ach komm, jetzt seid mal nicht zu streng! Es ist echt schwer, vier so unterschiedliche Veröffentlichungen in einer einigermaßen sinnvollen Überschrift zusammenzufassen. ;)

Hier also wieder einmal ein Sammelrezension von Zeug, welches entweder nur in diesem Internet existiert, oder von dem ich die physische Tonträgervariante einfach (noch) nicht besitze:

CAZAYOUX - Alpha Centauri (2026)

Gibt es in Deutschland noch irgendeine Supermarktkette, bei der man Polarknäcke bekommen kann? Als Freund kohlenhydratarmer Brote habe ich mich echt an das Zeug gewöhnt - und nun ist das Zeug überall aus den Regalen verschwunden, weil es anscheinend kein Großhändler mehr aus Schweden importiert. Ich hasse so etwas.

Der texanische Drummer Forrest Cazayoux ist mit seinem dritten Album leider zu Polarvinyl geworden. Die letzten beiden Alben wurden von mehreren Labels (u.a. Worst Bassist Records in Deutschland) vertrieben, so dass man sich daran gewöhnt hat, dass Cazayoux-Alben zum fairen Preis in Europa zu bekommen sind. Klar, man kann "Alpha Centauri" natürlich - genauso wie man das knäckeähnliche Backwerk im Schwedenshop importieren kann - direkt aus Übersee einkaufen. Das kostet allerding knusprige fünfzig Euro Versand. Und dann kommen wahrscheinlich noch Zoll und Servicegebühren obendrauf. Nee, in dem Fall muss der Download dann doch leider ausreichen.

Schade, denn abgesehen von ein paar nervigen Effekten auf dem Gesang des Titelsongs (der überwiegende Rest des Albums ist zum Ausgleich instrumental), haben Cazayoux und sein bis zu zehnköpfiges Big-Band-Ensemble hier wieder eine kurzweilige Wundertüte aus Latin Jazz, Fusion, Funk, Samba und hastenichtgesehen rausgehauen, in der sich keiner der Beteiligten an Gitarre, Percussions, Balafon, Saxophon, Trompete, Hammond usw. als Hauptdarsteller über dem Rest des Ensembles ins Rampenlicht drängelt. Mit ihren elektrifizierenden Grooves und sommersonnigen Vibes macht diese Musik einfach beste Laune auf hohem Niveau.

SEX MAGICK WIZARDS - Suola Ja Noaidi (release: Sept. 4th 2026)

Wir bleiben in der weiten Welt der Jazz Fusion, bewegen uns aber weiter in Richtung experimentellen Rocks, was anscheinend Norden ist, und in die Zukunft - denn das kommende Album der norwegischen Sex Magick Wizards erscheint tatsächlich erst Anfang September.

Das Quartett vermischt krachenden Psychedelic bis Noise Rock mit Avantgarde-Improvisationen in einer ähnlichen Intensität, wie man sie von The Verge und Kanaan, den anderen Bands von Drummonster Ingvald André Vassbø, kennt.

Das herausstechendste Merkmal ihrer lauten und abenteuerlustigen Musik, die manchmal wirkt, als seien die Ideen eines Jörg Schneider-Projekts zu "richtigen" Songs weiterverarbeitet worden, scheint mir allerdings der unter allen Bandmitgliedern aufgeteilte Gesang zu sein, der neben Narration und exzentrischem Punkgeschrei auch mit intensiver Insbrunst vorgetragenen Joik umfasst. Dieser folkloristische Einfluss ist tatsächlich kein Wunder, handelt es sich bei "Suola Ja Noaidi" doch um ein Konzeptwerk über die Geschichte der von Norwegen bis Russland heimischen Sámi.

Musikalisch bringt jener aus Banausensicht oft grob zwischen Kehlkopfgesang und Jodeln verortbare Gesang eine Note von rekontextualisiertem Spiritual Jazz der Marke "The Creator Has A Masterplan" (Pharoah Sanders) hinein und unterstreicht deutlich die Eigenständigkeit der Sex Magick Wizards. Wildes Zeug!

MÖRK BORG Heresy Supreme Original Soundtrack (2026)

Ok, Leute. Ich habe es hier bisher bescheiden im Hintergrund gehalten, aber natürlich ist diese Seite auch ein Gaming-Blog! Muss ja, oder?

Ernsthaft weiß ich überhaupt nicht mehr, wie viele Jahrzehnte es her ist, dass ich irgendetwas gezockt (sagt man das noch?) habe. Mein letztes Spiel könnte Final Fantasy VII gewesen sein - und zwar das Original, und nicht das Remake (oder Remake des Remakes, falls es das schon gibt). Dass sich der Soundtrack zu einem Action Adventure in meine Musiksammlung verirrt, kann also nicht daran liegen, dass ich das Game auf Steam entdeckt habe. Auf jener Seite bin ich jüngst zum ersten Mal in meinem Leben gewesen.

Nein, ich bin natürlich über eine der beteiligten Musikerinnen hierauf aufmerksam geworden. Die großartige Lili Refrain hat eine Soundtrack-EP mit den drei Stücken, die sie zu dem Projekt beigesteuert hat, veröffentlicht. Im Vergleich zu ihrer ebenfalls erst dieses Jahr rausgebrachten "Nagalite"-EP sind diese sehr viel gitarrenlastiger und verbinden ihren msytisch magischen Dead Can Dance-Gesang mit ihren Metalwurzeln. Sehr geiles Zeug, nach etwas über zehn Minuten aber leider auch schon sehr schnell wieder vorbei.

Der komplette Soundtrack ist mit 21 Tracks wesentlich umfangreicher. Er beginnt und endet mit den Stücken von Lili Refrain, die auch im Gesamtzusammenhang Highlights bleiben. Doch zwischen "Heresy Supreme" und "Seventh Psalm" bekommen wir noch je einen Track der der Doom Metal-Band Bong Coffin, des Black-Metal-Soloprojekts Eldur und der Noiserocker Cani Dei Portici - und massenhaft Kompositionen von Chris Bisette, die von fett röttelnden Basslinien und Gitarrenriffs dominiert sein, düster herumdoomen oder den Gothic-Charme des Diablo-Dorfs (ja, das Spiel kenne ich auch noch) heraufbeschwören können. Dabei wechselt die Ästhetik auch stark zwischen direktem Liveband-Sound und der Tradition klassischer Computerspiele.

Was ich natürlich nicht weiß, ist wie genau all diese Musik im Spiel eingesetzt wird. Da es von den meisten Titeln die Varianten "A" und "B" gibt, unter denen sich jedoch sehr unterschiedliche Stimmungen verbergen, gehe ich mal davon aus, dass dies die Hintergrundmusik verschiedener Levelabschnitte ist, die zum Hack'n'Slay (oder was immer so tut) in Endloseschleife gespielt wird. Es gibt hier dementsprechend auch kaum vollende Songs, sondern eher Aneinanderreihungen geiler Parts, die irgendwann schnell ausfaden. Das bedeutet für den anderthalb Stunden langen Sountrack als Ganzes, dass man sich kaum gezielt hinsetzen wird, nur um sich auf diese Musik zu konzentrieren. Dann entstehen nämlich durchaus hier und da Längen.

Ist man aber beschäftigt, braucht einen Soundtrack nebenbei - und einem ist nach düsterer Atmosphäre und derben Metalriffs, dann funktioniert dieser Scheiß ganz hervorragend.

JUSTIN BROADRICK - Solo Guitar, 1997 (2026)

Auch der letzte Release in diesem Reigen hat Soundtrack-Charakter, allerdings auf ganz andere Weise. Was wir in diesen vierzig, bis auf wenige Ausnahmen nur bis ein oder zwei Minuten kurzen Tracks erleben, ist wahrscheinlich einfach ein natürlicher Teil von Justin Broadricks (Godflesh, Jesu, Final) Songwritingprozess. Eine fragmentarische Sammlung von Gitarrenideen, von denen ich mich nicht wundern würde, wenn die eine oder andere es irgendwo in fertige Songs seiner zahlreichen Projekte geschafft hätten.

Der Verdacht der Resteverwertung liegt hier nahe, doch tatsächlich bilden diese extrem reduzierten Aufnahmen aus dem Jahr 1997 erstaunlich gut als vollwertiges, experimentelles Ambient-Album mit Shoegaze-Einschlag. Wer Alben wie Emma Ruth Rundle's "Electric Guitar One" mag oder einfach ein Fan von Broadricks enorm produktivem Schaffen ist, der macht auch hier nichts verkehrt.