Nach Subrosa möchte ich hier noch ein paar Minuten bei bezaubernder Musik bleiben, ehe ich mich im nächsten Review ganz schlimmem Krach zuwende.
Doch nun wird es erstmal für zwei Singleseiten lang ganz schöngeistig und mystisch.
THE MYSTERY OF THE BULGARIAN VOICES feat. LISA GERRARD- Pora Sotunda (7") (2017)
The Mystery Of The Bulgarian Voices heißt alternativ auch Le Mystère des Voix Bulgares. Beides bezeichnet den Frauenchor des Bulgarischen Staatsfernsehens.
Seit den Fünfziger Jahren greift dieser Chor die vielfältige bulgarische Volksmusik und andere Weltmusik auf und arbeitet mit für unsere normalen Hörgewohnheiten ungewöhnlichen Gesangstechniken und (teils dissonanten) Harmonien.
Und wie komme ich dazu, mir eine Single dieses Chors (mit instrumentaler Begleitung) zu kaufen?
Schuld ist natürlich der Trailer des wenig an Genres gebundenen Qualitätslabels Prophecy Productions. In diesem hört man u.a. kurz ein Musikstück, welches ich sofort als das prägende Sample in Juno Reactors "God Is God" wiedererkannte.
Später taucht dann u.a. nach Kate Bush auch noch ausgerechnet Lisa Gerrard auf, um zu erzählen, wie sie von dem Chor als das Höchste was menschliche Stimmen leisten können beeinflusst wurde.
Und dann singt sie auch noch als Gast auf "Pora Sotunda"!
Da konnte ich dann nicht mehr widerstehen.
Sowohl für den ethnopoppigeren Track mit Gerrard als auch für die sich noch mehr auf den Chorgesang konzentrierende B-Seite "Ganka", ist ihre Band Dead Can Dance dann auch wenig überraschend die naheliegende Go-to-Referenz.
Als weiterer Bezugspunkt zumindest für die aus mitteleuropäischer Sicht ungewöhnlichen Gesangsarrangements können auch Björks Inuit-Chöre herhalten, auch wenn diesen natürlich die spezielle osteuropäisch-asiatische Prägung der bulgarischen Stimmen fehlt.
Auf jeden Fall ist es große, direkt auf die Seele zielende Weltmusik, berührende Stimmkunst, musikalisch passend verpackt, die unbedingt Appetit auf mehr macht.
[EDIT: Since this is still regularily getting views, please also consider reading my last post regarding Tau Cross - or the one before that when the BS was very fresh.]
Ok, let's start directly with the obvious question: Is this second album better than the self-titled debut from 2015?
And let me not answer that question with: Fuck you, man! What do I know?
TAU CROSS - Pillar Of Fire (2LP) (2017)
So the crust super power Tau Cross, led by ex-Amebix mastermind Robb "The Baron" Miller and relentlessly driven forward by Voivod drummer Michel "Away" Langewin is back, this time with a shitload of fourteen tracks on two LPs.
That goes at least for the record version and the digital download. With fan favorite "Hangmans Hyll" and "Stonecracker" the previous album lacked two songs on the vinyl version and it seems like Relapse Records is compensating for this now, because this time it's the CD version that misses three tracks, among those one of my personal highlights, the hymn "We Are The Terror", so I advise at least to check those additional songs out on bandcampif you're a CD listener. The running orders are also different, but I changed my download to match the vinyl, so I can't really judge what's better.
The gatefold is crested with great artwork, more than unmistakebly by Costin Chioreanu, and also includes a lyric sheet.
Speaking of the lyrics, Miller shines again with great verses, which are simple yet deep at the same time, worldy and mystical, clearly political, but symbolic enough to remain timeless.
If you know his past work and the first album, of course this doesn't came as a surprise at all. Neither does the musical direction. Everything on "Pillar Of Fire" is kind of more of the same, but rightfully with a capital MORE - and this is not in the slightest a negative criticism, because obviously the established formula is fucking awesome, so there's absolutely no need for drastic modifications.
That means you can expect a rough ride through a diverse collection of songs, which all share a level of aggressive urgency and subtle eeriness, as well as an undeniable catchiness.
Post punk, hardcore, thrash are the words, put together in a manner that doesn't make any prisoners. On several songs like the title track there's also that dark folk influence again, which felt a little underrepresented on the recent tour, where I saw themin Hamburg.
Tau Cross live 2017
The main spectacle on top of all that however is Robb Miller's voice. His gargling inhumane organ remains as unique as unexplainable and ensures that there's just nothing else out there like Tau Cross.
Has "Pillar Of Fire" any weaknesses?
It's probably too long to fully digest and appreciate it at the first listen, but that's not a bad thing.
There are a few passages though, which have me on the edge. I've never been a punk kid, so especially during the first couple of tracks there are some riffs which feel a little shallow and worn out. There are also some instances where Miller goes for a cleaner vocal approach and... damn, there's no proper english word for "knödeln" I guess... well, just say he sounds a bit off.
But in both of those cases there's no further harm done, because either the weaker riffs are redeemed by killer vocals or the other way around. And all of the rest of the album is ace anyway.
Which brings me back to the initial question.
"Pillar Of Fire" surely is on par with the debut album, maybe it's even slightly or significantly better. But I just don't know yet.
The chances that songs like "The Big House" or the fantastic "Killing The King" (love that merging of lead guitars and synth noises) will leave the same lasting impact on me as the modern classics "You People" or "We Control The Fear" are pretty high though.
But only some more time can surely tell.
So until this is settled I probably just have to spin and enjoy both Tau Cross works to the death. Lucky me.
Highlights:Killing The King, We Are The Terror, Deep State, The Big House, Bread And Circuses, Pillar Of Fire
Costin Chioreanu ist nicht nur ein Name, dessen korrekte Schreibweise ich nach wie vor immer mal wieder nachschauen muss, sondern ein Künstler, den ich hier meistens im Zusammenhang mit Albumcovern wie z.B. Seven Impales "Contrapasso" erwähne, oder weil seine Arbeit in Form von Postern und Filmen (z.B. für Auftritte von Paradise Lost und My Dying Bride) zum festen Inventar des Roadburn-Festivals gehört.
Und dann war da natürlich noch sein Düstermusiksoloalbum "The Quest For A Morning Star", welches es auf den mehr als respektablen vierten Platz in meinen persönlichen Jahrescharts 2016 geschafft hat.
Da war es für mich keine große Frage, neulich in Tilburg seine neu erschienene EP mitzunehmen.
COSTIN CHIOREANU - There Is A Place Called Home (12" EP) (2017)
Auf "There Is A Place called Home" verarbeitet Chioreanu Erinnerungen an einen idyllischen Ort in Rumänien, an dem er wichtige Teile seiner Kindheit verbracht hat. Die Illustrationen im Gatefold und großformatigen Booklet beziehen sich auf Ereignisse von dort, wie Begegnungen mit Wildtieren im Wald oder Sternenbeobachtungen mit seinem Großvater, und sind wie gewohnt außerordentlich kreativ umgesetzt.
Die Musik bildet den Soundtrack dazu. Es sind drei von Synthesizern und Gitarren dominierte, cineastische Ambient-Tracks, die das melancholische Element der Erinnerung mit einer sehr puren, kindlichen Sicht auf Schönheit, Freude, aber auch ein wenig Grusel und Mysterium verbinden.
Von den Mitteln her ist diese EP mit "The Quest For A Morning Star"
vergleichbar, der ganz finstere blackmetallische Ansatz wäre hier aber
natürlich fehl am Platze. Und "There Is A Place Called Home" bleibt
während seiner kompletten fünfundzwanzig Minuten Laufzeit rein
instrumental.
Es ist ein kleineres, intimeres Werk geworden, welches dafür aber in sich kohärenter bleibt. Ob es für mich einen ähnlichen Stellenwert wie die letzte Veröffentlichung erreichen kann, muss die Zeit zeigen. Dafür fehlt mir noch der Abstand.
Unzweifelhaft aber ist das Werk in seiner Gesamtheit ein erstaunlich gut nachfühlbarer Blick eines kleinen Jungen auf eine überwältigend große, geheimnisvolle Welt.
Costin Chioreanu besitzt eine große Gabe und sehr individuelle Sprache, um Träume und Erinnerungen in Bild und Ton umzusetzen. Diese EP (erhältlich auf Vinyl oder digital) ist ein wunderbares Zeugnis davon.
Comparability just isn't one of music's greatest strenghts.
Yes, if you have three bands trying to sound like Slayer you probably can match them against each other. But other than that the moods, intentions and overall experiences of most works or concerts are just too vastly different. Which is good. But it makes "best of" lists a pain in the ass and me always feeling like unfairly dismissing a shitload of artists. If you could see my whole TOP 40+ albums here, I'd possibly have almost the same love for rank 35 as I do for rank 15.
As always the postulate for every recording to possibly appear here is that I have to own it in physical form. I don't need to stress that all this is super highly subjective, right?
Yes, I'm going with the obvious choice here. A decidedly challenging, exciting, bold and daring album for an artist so late in his career. Love the jazz ensemble! That was my main impression from the start, a few days before that fateful Monday. Would "Blackstar" also be in the top spot, if Bowie was still alive and well? - The question is obsolete, because without his passing this unsparing album dedicated to farewell and death simply wouldn't have happened.
"The Seer", "To Be Kind" and now "The Glowing Man". Michael Gira finishes a singular album trilogy of enormous scope and depth with the probably most epic incarnation of the Swans. Subsequently this form of the band is being laid to rest now. Luckily this gigantic album remains for eternity.
Blunt, bleak and breathtakingly beautiful. Crushing riffs and raging violins paint a dystopian masterpiece. Even though every song is a monument in its own right the closing track "Troubled Cells" stands out as especially heart-breaking. Especially given the technical problems at their show in Hamburg I can't wait for the complete performance of the album at Roadburn 2017.
Costin Chioreano is best known in the metal scene as a very busy cover and poster artist. Indeed in this very list there are two more albums (7&8) featuring his work. But this is him as a musical solo artist. Probably the most obscure album here, this collection of dark ambient soundscapes with black metal influences just keeps moving me on a profound level. It's not wholly within the realm of the explainable, but "The Quest For A Morning Star" already feels like a timeless classic.
How about an epic sci-fi space story told through an enormous concept album of brilliant brutal blackened thrash metal? With "Terminal Redux" the canadian Voivod / Death / Slayer worshippers released nothing less than one of the greatest thrash records of all time. If you dig this album and also lean towards ultra-technical death metal with strong classic Cynic influences, I highly recommend Obscura's "Acróasis" as well.
Support of Haken (whose crazy 80s trip "Affinity" also deserves a more than honorable mention here) on their US tour, Thank You Scientist share
and even improve their positivity. With a funky brass section and true soul
singer Salvatore Sarrano this seven-headed party monster establishes an
all-over-the-place, yet highly accessible and addictive brand of prog
metal jazz fusion.
What a creative, explosive advantgarde metal prog rock psychedelic jazz fusion extravaganza! Weird, wild, captivating, dark, saxophony and fun. Just how I like my prog. Yes, the description in parts reads similar to Thank You Scientist. This stuff is totally different though, but I guess you could view both albums as good or evil twin of each other.
Blues. Blast beats. Emotions. Virtuosity. Doom. "Nights In White
Satin". Piano. Death Metal. More blast beats... On "Winter" anything can
happen at any given time. An album which broadens the spectrum of prog
metal with almost every song, yet somehow manages to stay consistent.
The icing on the cake is stunning singer Cammie Gilbert.
Carrying the hypnotic darkness and bold experimental spirit of Pink Floyd "live in Pompeji" into the everyday-is-doomsday present of fucked up 2016, the swedish masters of cramming every square centimeter of club stages with effects and instruments on "Infernal Machine" suck you into an ever flowing maelstrom of pumping, menacing psychedelic rock.
Elin Larsson is a fireball of energy. And the Blues Pills
know how to make use of this more than ever. Knowing their
shit about music history the sound of the band is infused with some
serious 60s and 70s soul and gospel influences. Organ and mellotron are
other welcome additions to the sound of the retro rock shooting stars. (The vinyl quality however is *meh* as fuck, so better buy the CD version including a live DVD!)
Motorpsycho just being their legendary selfs once again. From the pop harmony of "Spin, Spin, Spin" to the "Big Black Dog" devouring everything, this is a masterpiece and lesson in dynamics. What a shame (but fully
understandable) that drummer extraordinaire Kenneth Kapstad has left the
band later this year to fully devote his attention to Spidergawd, whose third album "III" is also a must-listen for Psychonauts.
Here be another monster! I seriously have no idea whether Mono have just kept their stellar quality or outdone themselves with "Requiem For Hell". But one thing is for sure: in their field of dramatic instrumental post rock the japanese band is unrivaled. The eighteen minute title track is one of the mightiest musical behemoths unleashed this year.
Five epic hymns of heavy doom metal with majestic mournful lead vocals and royal Iron Maiden style twin guitars. Add some growling, sludge and dirty rock'n'roll here. Add some funeral doom
and post metal there. Write some thrilling lyrics and wrap it all in a
super badass cover artwork. There you have it: a masterpiece!
Years after "The Bad Wife" here's finally a new vital sign from the excentric and versatile Ex-Made Out Of Babies singer Julie Christmas, a collaborative album with Sweden's post metal force Cult Of Luna! You get everything you could wish for from both involved parties.
Wow, more prog in this list than I would have expected! While I put some others above this one for bringing more fresh twists to the genre in their overall approach, there's no way to ignore the sheer quality, creativity and joy of the traditional symphonic prog on The Neal Morse Band's giant concept album. Often reminiscent of Spock's Beard's "Snow" this is a fantastic - or dare I say truly *cough* astonishing? *wink* - work.
Originally an instrumental quartet playing a mixture of post rock, doom and ambient film score music, Sinistro have since partnered with singer / theater actress Patricia Andrade, who is now fully incorporated into the band. Her dramatic portuguese vocals leave a huge imprint on this heavy, mesmerizing record. The hauntingly beautiful "Relíquia" is a composition for the ages.
Does it take any convincing to love an album which ends with an autobiographical(!) song about Michael Jackson's chimpanzee Bubbles, followed by an instrumental called "There's No Underwear In Space?" Well, that's just a small taste of all the craziness and greatness on this collaboration between Primus mastermind Les Claypool and Yoko Ono's son Sean Lennon, who both played every single instrument (and also did the artwork) of this record.
Cloud-caressing shoegaze dreams meet piercing post black metal screams. Otherworldly beauty merges with harsh intensity. No matter how you put it, this Japanese influenced work of the French duo Alcest wasn't made to be described in inadequate mortal terms, but rather to be experienced. Feel the stream and float in its transcendency!
Mono's spiritual brothers from China strike and enlighten us
with this beautifully packed double LP. (Kudos Pelagic Records for
always implementing such unusual visual ideas!) This time almost fully
instrumental, Wang Wen sound as big, wide, poetic and colourful
as a Zhang Yimou movie, without trying to copy their previous
masterpiece "Eight Horses". A phenomenal band.
Ever imagined Captain Beefheart covering Voivod's"Nothingface"? I hope so, because that's really the closest description of the sound of Virus I can give you. There's just nothing like this unique, slightly disharmonic brand of weirdadelic progressive rock, which always seems to be laid back and hyperactive at the same time. Fabulous stuff!
The world isn't worthy of The Dillinger Escape Plan. So fuck the world! But of course the mathcore pioneers don't leave us without fustigating our weak little minds through one last sonic and emotional excess of brutalization. As Greg Puciato channels his inner Mike Patton again, "Dissociation" combines all the strenghts of the band's history with some welcome surprises.
And here I am already feeling bad for not including enough psych rock jams in this list. So let there at least be a shout-out to the great works of Monarch, Sula Bassana and Causa Sui, before I conclude with this outstanding "double double album", which is meant to be played at 33 or 45 rpm. And its trippy magic works in both speeds!
Many more artist would have deserved to be mentioned here (like Kayo Dot, King Dude, Kendrick Lamar, Conan, A Dead Forest Index etc.) and of course there are countless more, who I would hold dear if I only knew them, or whose albums I should finally cross off my consideration / wish list and purchase. (I'm talking about you, Oranssi Pazuzu. Still not sure about Metallica.)
After fourteen years of absence the Austrian Virus of Death Metal return with a crisp riff-heavy record which concentrates (almost) all the strengths of their discography to nine irresistible bastards of old school death metal, Coroner grooves and all that unmistakable, unique disharmonic stuff. I included the album here, because this is very likely TOP 22 stuff, but it's just too early to tell, and I want to publish this post now.
Even though it felt strange to be so far away from the stage, this is the unrivaled number one here, because... come on: Laibach! In Ljubljana! With an orchestra! *checks lifetime experience*
The whole night with Toby Driver and Nick Hudson was a special experience, but the concert of these german Bohren worshippers rose to the most out-of-body magical heights.
Damn travelling day through Germany! Or was it the small location? Anyway, I didn't survive the whole drone experience in the first row this time. And another show with a perfect support act.
With the release of their debut in February Dool will soon explode in popularity, that's for sure. Their combination of gothic rock and The Devil's Blood metal is just too damn good.
My Dying Bride hatten ihr aktuelles Album ja neulich in Hamburg nicht auf Vinyl dabei. Da ihre Supportband aber alles andere als von schlechten Eltern war, fiel es mir ziemlich leicht, meine Einkaufspläne am Merchandisingtisch umzustellen.
OCEANS OF SLUMBER - Winter (2LP) (2016)
Noch dazu macht das Album der Texaner ja auch optisch mit seinem Cover von Costin Chioreanugut was her. Auf der Innenseite das Gatefolds befinden sich alle Songtexte. Die Musik findet auf drei Schallplatten-Seiten Platz, Seite D besteht aus einem Edging des Bandsymbols, in dem die Buchstaben OoS im Stil des Bandlogos untergebracht sind.
Neben dieser regulären Doppel-LP ist das Album auch als limitierte, goldene Touredition und natürlich auf CD zu haben.
Oceans Of Slumber brachten 2013 ihr eigenproduziertes Debüt "Aetherial" raus, doch "Winter" ist nach der Erweiterung der Band um Sängerin Cammie Gilbert, welche letztes Jahr mit einer halb aus Coversongs bestehenden EP eingeführt wurde, sicherlich das Album, welches bei den meisten Fans als eigentlicher Startschuss der Gruppe hängenbleiben wird.
Was auf diesem Album musikalisch alles passiert, ist schwer zu beschreiben, ohne ständig irreführende Fährten zu legen. Denn die meisten Vergleiche, die mir in den Sinn kommen, halten nur für wenige Augenblicke und gehen dann wieder in etwas vollkommen anderes über. Nehmen wir zum Beispiel den Song "Devout", der in fünf Minuten einen großen Teil der stilistischen Palette der Band auffährt: Während der ersten Takte muss ich an die Prog-Doomer Confessor denken, dann kommt ein Harmoniegesang, der auch auf Janelle Monaes "ArchAndroid" gepasst hätte, gefolgt von Nocturnus-Gitarrengeschredde, zu dem kräftig geknüppelt wird, was sich dann noch weiter in einen schwebenden Black-Metal-Blastbeat-Teil steigert... und zu dem Zeitpunkt ist ja erst ein Drittel des Songs um.
Oceans Of Slumber spielen einen Progressive Metal, der zu allen Seiten ähnlich offen klingt wie bei Haken, Leprous oder auch - Überrschung! - The Ocean,und doch etwas ganz anderes ist. Und innerhalb von "Winter" passieren auch in jedem Stück neue Dinge.
Zunächst einmal wird im achtminütigen Titeltrack der Rahmen gesteckt. Er beginnt als balladeske Nummer, in dem der soulig-bluesige Gesang Gilbertsim Vordergrund steht. Das wild wuselnde Schlagzeug sorgt jedoch von Beginn an für Spannung, welche schließlich in Shouts, Grunts, Kreischen, Death Metal und rasendem Black Metal eskaliert. Zum Ende hin ergänzen sich die verschiedenen Gesangsstimmen zu einem ritualistischen Arrangement, wie es ähnlich auf dem Debüt von Karyn Crisis' Gospel Of The Witchesvielfach zu hören ist. Allerdings bleibt dieLeadsängerin hier anders als Karyn Crisis immer bei ihrer "richtigen" Gesangsstimme und überlässt die groben Stimmbrutalitäten ihren Kollegen.
Als zweites folgt der Song "Devout", den ich ja vorhin schon anführte.
Danach geht es unerwartet entspannt ausgerechnet mit "Nights In White Satin" von The Moody Blues weiter. Ok, es artet also nicht alles in Geblaste aus, denkt man sich, ehe der proggige Instrumentalteil des Songs plötzlich doch wieder als schwarzmetallisch explodierendes Allerhöchstgeschwindigkeitsgeprügel interpretiert wird. Der Rezensent des Deaf Forever-Magazinsfühlt sich hier unangenehm an peinliche Coverversionen von *örgs*Crematory erinnert, ich hingegen sage: Nö, gekonnt ist gekonnt! Es ist einfach geil und auch stilistisch gar nicht so abwegig, wie man denken sollte.
Überhaupt erstaunt es, wie leicht zugänglich und trotz aller Extreme songdienlich diese Band zu Werke geht. Neben dem hervorragenden Leadgesang und den Gitarren ist es vor allem das sensationelle, rastlose wie eigenwillige Drumming von Dobber Beverly, welches dafür sorgt, das Oceans Of Slumber immer als sie selbst erkennbar bleiben.
Und nach diesen ersten drei Songs weiß man natürlich ohnehin wo der Hase läuft, so dass man sich nicht davon einlullen lässt, dass "Lullaby" zunächst ganz ohne Metal a capella beginnt. Während der zweiten Strophe des nach Tori Amos klingenden Liedes wird Cammie Gilbert dann auch schon vom Bass begleitet, ehe... ehe die erste Albumseite nach nur zwei Minuten ganz entspannt ausklingt. Huch.
Oceans Of Slumber live in Hamburg
Auf Seite B wird bald klar, dass man doch noch längst nicht alles über die Band weiß. Und dass die Tracklist des Albums eindeutig für das Schallplattenformat optimiert wurde.
Die drei Songs und zwei Instrumentals dieser Seite schalten ganz klar in einen ruhigeren Gang - kein Geknüppel, kein Gebrüll - und fühlen sich, obwohl es souveräne Stücke sind, doch wie eine zusammenhängende Suite an.
"Laid To Rest" ist ein kurzes Intro im Stil modernen Intrumentalpostrocks, Explosions In The Sky bzw. Mono extraleicht könnte man auch sagen.
"Suffer The Last Bridge" rattert zwar ordentlich mit der Doublebassdrum, ist insgesamt allerdings ein sehr straighter Midtempohardrocker. Der Song an sich ist durchaus gut, ein Album nur mit solchen Songs wären allerdings ein vollkommen anderes als "Winter" es ist. Nur das Radio würde dann vermutlich sehr laut wegen Airplay anklopfen.
Im "Good Life" bereitet uns die die Indianerflöte sehr stimmungsvoll auf die atmosphärischen folgenden Tracks vor.
"Sunlight" und "Turpentine" sind beides Lieder, die auch von einem ruhigen Album von The Mars Volta stammen könnten, was nicht nur an ihren Harmonien zwischen Leadgitarren und Oooohooohoo-Gesängen liegt. Das erste Stück hat dabei noch leichte Doom- und Postrock-Vibes, während "Turpentine" die bluesigen Americana-Wurzeln der Band offenlegt, ehe es sich sanft zur Ruhe jazzt.
Eine sehr starke Seite - und komplett anders als das erste Drittel des Albums!
Auf Seite C schließt sich der Kreis. Sie beginnt ohne Vorgeplänkel ganz unvermittelt mit "Apologue", das sich bald zum finsterfiesesten Albumtrack mit den deathmetallischsten Deathmetalpassagen mausert. Ein feierliches Riff- und Dreschfest - und natürlich noch einiges mehr als nur das.
Kurz entspannen mit "How Tall The Trees", ehe es mit "... This Road" ins Epische Finale geht.
In der ersten Minute klingt Cammie Gilbert hier vom Klavier begleitet tatsächlich wie Amy Lee von Evanescence. Pop wird die Nummer allerdings nicht, sondern düsterer Prog, in dem ich etwas Psychotic Waltz, aber auch Steven Wilson zur "Raven That Refused To Sing"-Zeit vernehmen kann. Sehr groß!
"Grace" ist der dreiminütige Epilog des Albums, eine reine Klavierkomposition, eingespielt vom Schlagzeuger, wie man anhand einiger sehr flitzefingeriger Stellen schon fast ahnen könnte. Nicht einfach nur ein kleiner Nachkeks, sondern tatsächlich ein auch für sich stehend funktionierendes Stück.
Überhaupt gilt: Sämtliche dreizehn Tracks, auch jene, die im Grunde nur Zwischenspiele sind, könnten auch für sich alleine bestehen. Und doch gewinnen sie alle noch durch die Einbettung in das Album als Ganzes.
Oceans Of Slumber spielen auf "Winter" ihre heterogene und doch nachvollziehbare, ganz eigene Version von Progressive Metal und legen in diesem Bereich für alle kommenden Veröffentlichungen des Jahres eine gewaltige Messlatte vor.
Die Produktion ist auch 1a, da kann ich absolut nicht meckern.
Klar, bald kommt die neue Haken, welche schon einen weiten Anlauf nimmt. Gut möglich, dass den Briten der Sprung über die Texaner gelingt. Meine Hand würde ich dafür aber nicht ins Feuer legen.
Die Medienlandschaft - und zum Teil auch die von ihr oft verzerrt abgebildete Realität - ist unglaublich atemlos geworden. Wir stürzen von einer (mal echten, mal gefühlten) Katastrophe in die nächste. Kann man dieses Dauerfeuer überhaupt noch rational verarbeiten?
Jetzt einmal ganz ehrlich und im Ernst:
Wer in Deutschland erinnert sich noch daran, dass sich gerade erst am 30. Oktober 2015 eines der größten Veranstaltungsunglücke (also nicht Terroranschläge) der europäischen Geschichte, mit drei Mal so vielen Todesopfern wie bei der Love Parade in Duisburg ereignet hat, in dessen Folge der Ministerpräsident und das Kabinett des EU-Mitgliedstaates Rumänien zurückgetreten sind?
Jenseits dieser politischen Dimension waren der Brand und die Massenpanik im Club Colectiv für die Metalszene Bukarests natürlich vor allem eine persönliche Tragödie, denn bei 63 Toten und weit über hundert Verletzten ist ja jeder zumindest indirekt im Bekanntenkreis betroffen.
Der rumänische Künstler Costin Chioreanuist den meisten Metalfans wahrscheinlich am ehesten als aktuell sehr angesagter Zeichner und Layouter von Albumcovern und Konzertplakaten ein Begriff. Zu seinen bekanntesten Werken dürften die Cover der letzten Alben von At The Gates und Arch Enemy, aber auch diverse Arbeiten für Grave zählen. Außerdem hat er zahlreiche abgefahrene Poster für das Roadburn Festival zu verantworten, die mich auch dazu bewogen haben, ihn sozialmedial zu verfolgen.
Chioreanu ist zudem Musiker, u.a. in der Band Bloodway, und hat mit Hilfe des Labels Advantgarde Music nun kurzfristig ein Album unter seinem eigenen Namen herausgebracht, dessen Einnahmen Opfern des 30. Oktobers zu Gute kommen.
COSTIN CHIOREANU & SPECIAL GUESTS - The Quest For A Morning Star(2016)
Die sieben Tracks dieses Albums sind im Zeitraum der vergangenen fünf Jahre entstanden und waren eigentlich nie für Veröffentlichung in dieser Form vorgesehen.
Es handelt sich um die Soundtracks zu Ausstellungen und Kunstfilmen Chioreanus, die er teilweise gemeinsam mit befreundeten Gastmusikern, teilweise alleine (Gitarre, Bass, Piano, Effekte) eingespielt hat.
Musikalisch handelt es sich um ein Album, das ich gar nicht in allzu viele Kleinteile zerpflücken kann und mag. "The Quest For A Morning Star" lebt ohnehin viel mehr von seiner extrem schwermütigen Stimmung als von griffiger stilistischer Einsortierbarkeit.
Grob kann man die Musik wohl am ehesten dem als Horror-Soundtrack tauglichen, experimentellen Dark Ambient zuordnen. Das eröffnet zunächst einmal Vergleiche zu entsprechenden Phasen von Ulver oder auch zu den "Black Aria"-Solowerken von Glenn Danzig.
Zumindest vom Gefühl her sind sicherlich auch Spuren von Urfaust oder Elend auszumachen.
Der gesamte Fluss der Stücke erinnert mich irgendwie auch an die Advantgardisten John Zorn und Toby Driver bzw. dessen Band Kayo Dot, auch wenn es hier weitaus weniger jazzig zugeht, sondern eher im getragen repetiven Stil langsamer Dead Can Dance-Kompositionen, vor allem wenn das Keyboard die Führung übernimmt.
Steht eher die Gitarre im Vordergrund, dann muss ich in ruhigeren Passagen an Earth und The Mars Volta denken. An anderen Stellen könnte auch Justin Broadrick im Jesu-Modus seine Finger im Spiel gehabt haben.
Zum Vergleich mit Sunn O))) fehlt eigentlich das mächtige Gedröhne, anderseits sind da aber auch ein paar ganz offene Black Metal-Anleihen, die der Adapation des Genres durch Sunn O)))s "Black One" nicht unähnlich sind.
Und dann ist da natürlich der mir vor allem durch seine Kooperationen mit den Dronedoomern vertraute Gurgelsprecher Attila Csihar, der im einzigen nicht rein instrumentalen Track "Outside The Great Circle" zu Wort kommt.
Zu den größten Gefühlen holt "The Quest For A Morning Star" aus, sobald die Geige mit der todtraurigen Schönheit von My Dying Bride erklingt.
Mit mehrmaligem Hören könnte ich dieses Namedropping vermutlich noch länger fortführen. Oft sind es entweder nur Momente oder generell der Charakter der Stücke, die mich an andere Künstler erinnern, kopiert wirkt es auf mich jedoch nie.
Dafür, dass das Material über so einen langen Zeitraum mit unterschiedlichen Besetzungen entstanden ist und manchmal auch viele sehr unterschiedliche Klangfarben aufeinander folgen, ist das Album erstaunlich homogen geraten.
Vor allem aber ist es wirklich sehr tief und bewegend.
Weder leicht zu fassen noch in Worten zu vermitteln, aber ein zeitloses, großes, persönliches Stück epischer, düsterer und wundervoller Musik.
Die CD ist kommt im sehr schön aufgemachten, handnummerierten, dvd-formatigen Digipack inklusive diverser Bilder des Künstlers. Es ist also auch optisch eine hervorragende Veröffentlichung.
