KAYO DOT - Every Rock, Every Half-Truth Under Reason

Looking at my long to-do list of reviews, it's time to tackle one of its oldest entries, with an album which is hardly made to be consumed on a daily basis. I even actively avoided listening to it for several weeks for two reasons:

1. I wasn't attending Prophecy Fest this year, which in itself is ok, because it's only on my live music calendar every couple of years anyway. The one main regret I had however was not to finally see Kayo Dot performing there. And I just didn't want to remind myself of that by listening to their recent album.

2. In September the (luckily rare) case of me getting sick for a longer while occured. The virus, which in hindsight could actually have been my personal corona premiere (I didn't test, because it just didn't start how I imagined that to feel), didn't hinder me listening to music in general. This album though just scared me too much - seriously not a good companion in that state.

KAYO DOT - Every Rock, Every Half-Truth Under Reason (2CD Mediabook) (2025)

Toby Driver isn't exactly known for taking the path of least resistance when it comes to his art. Most of his catalogue, be it solo, in other projects or with his main project Kayo Dot demands the listener's attention and commitment. So as a fan you're always prepared for a new release not to be easy. But especially following the nostalgic anniversary move of assembling the whole original cast of the 2003 hit album "Choirs Of The Eye" for this new recording, "Every Rock, Every Half-Truth Under Reason" immediately starts off remarkably disturbing with the demon-driven voice of lyricist Jason Byron. 

And it remains an hour-long nightmare, a mental sleep paralysis theatre, in which you're exposed to unsettling poetry from a traumatized mind. You're locked in a hypnotising freeze frame of depressive psychosis, no matter if the message is uttered by Byron's dazing vocal presence or the - mostly - clearer voice of Driver, lost in the winding enormity of the up to twenty-three minutes long tracks.

Similar to the work of Sumac this album can be understood as a radical deconstruction of Extreme Metal, taking its core ideas, yet recontextualizing them in a different abstract way. Kayo Dot however take this practice much further. "Every Rock" feels almost shapeless and technically rarely shows "Metal" or even general Rock music aspects: riffs, licks, leads, melodies? Don't bother searching for those! I'm not saying, there's absolutely nothing reminiscent to them, but their occurrences - just like any tangible rhythmic ideas with actual drumming - are dwarfed by the parts of whooshing, howling, wailing and droning layers of guitars, synths, strings, wind and percussion instruments, melting together to a stream of Dark Ambient and Noise, which seldom emphasizes one single performance, yet always relies on its overwhelming total effect.

Yet if you listen closely, you will also find an impressive amount of delicate and virtuous, even proggy details hidden in this Experimental Avant-Garde horror soundtrack.
The exclusive second disc of the beautiful 2CD mediabook edition actually includes instrumental versions of three of the five tracks, and listening to a piece like "Closet Door In The Room Where She Dies" without the "distracting" vocals actually makes you listen much deeper and provides the possibility to interpret the music in different emotional contexts. It really is its own distinct - slightly easier - experience, which is equally as worthwhile as the original album versions.

As a further bonus the rather short (as in: not even seven minutes long) "Augoeides" is a relatively more regular Avant Prog song, which wouldn't quiet fit on the actual album, but probably has the closest stylistic proximity to the actual sound of "Choir Of The Eye", which the band is still celebrating with this release after all.

Speaking of that the beautiful extensive booklet doesn't only contain lyrics and credits, but also liner notes from each of the involved musicians remembering the early days of Kayo Dot - including Toby Driver's explanation of the band name's origin, which is rooted in a somewhat random personal childhood memory.
To loosen up between all the text you get several live galleries of all the different line-ups in which the band played through the years before coming full circle.

Not owning them I cannot fairly judge the other (regular digipak and vinyl) versions of "Every Rock, Every Half-Truth Under Reason", but for me it was very obvious that I had to have this variant. The book and bonus material are definitely worth it.

A strange (even for Kayo Dot standards), surely exhausting but also rewarding and ultimately brilliant work of - weirdly enough still somehow Extreme Metal Blackened Doom Whatever - art!

KAYO DOT - Moss Grew On The Swords And Plowshares Alike

Nee Ohlsen, das Ding musst Du jetzt einfach mal schreiben! Denn die Erfahrung zeigt, dass es nichts bringt, neue Alben von Toby Driver ewig auf ein Review warten zu lassen; erhellender als das, was mir jetzt gerade durch den Kopf geht, wird es ohnehin nicht werden.

Oder anders ausgedrückt: Egal, welche Form die Musik auch annimmt - sie bleibt stets so singulär, dass man ihr mit Worten kaum habhaft werden kann.
Kayo Dots neues Album bildet da keine Ausnahme, sondern vielmehr ein besonders paradoxes Beispiel, da es viel mehr nostalgische Einflüsse als sonst aufnimmt und dem Rezensenten doch nie den Gefallen tun, wie eine direkte Hommage an auch nur einen davon zu klingen.
 

KAYO DOT - Moss Grew On The Swords And Plowshares Alike (CD) (2021)

Die Nostalgie beginnt schon damit, dass ein Kayo Dot-Werk eigentlich gar nicht geplant war. Stattdessen hatte mit Toby Driver, Jason Byron und Greg Massi die Besetzung der Vorgängerband Maudlin Of The Well eigentlich im Sinn gehabt, zum fünfundzwanzigsten Jubiläum einige Reunionskonzerte zu spielen. Wir alle wissen, warum daraus nichts wurde.
Und so spielte man als alternative Feierlichkeit sozusagen ein neues Album ein, nur eben unter dem Banner von Kayo Dot, für das Besetzungswechsel ja ohnehin an der Tagesordnung sind.

Und so ist "Moss Grew On The Swords And Plowshares Alike" mit seiner Metalheaviness, dem großen Anteil extremen Gesangs und den allegorischen Fantasytexten Byrons klar eine Reminszenz an die ältere Gruppe bzw. die Anfänge von Kayo Dot.

Wer Toby Driver auf sozialen Medien folgt, der weiß zudem, dass er in den letzten Jahren, spätestens seit seinem Job als Tourmusiker von Myrkur im Vorprogramm von Epica vermehrt seine Begeisterung für "europäischen Metal", der so in den Staaten nie wirklich Fuß gefasst hat, teilt. Und von der Musik, die wohl in seine Definition des Begriffs passt, deutet sich auf diesem Album vieles an.
So kommt die Band z.B. hier dem Pink Floyd Gothic von Tiamat nahe (an anderer Stelle aber ebenso deren noch metal-orientierterer "Clouds"-Phase), dort der Stimmexzentrik von King Diamond.

Viele Gesangsmelodien und die stets präsenten Keyboardsounds spielen mit der Idee von europäischem Kitsch, gehen diesem durch die tiefe Einbettung in die abstrakte Advantgarde Kayo Dots dann aber letztendlich doch geschickt aus dem Weg. Das Epische, was sowohl Power Metal als auch symphonischer Black Metal stets so gerne wollen, und auch die düstere Melancholie, an deren überzeugender Umsetzung Gothic Rock so viel häufiger scheitert als ihm lieb ist - Kayo Dot scheinen sie keinerlei Mühe zu bereiten. Und dass, obwohl sie in einem so myriadenfach kaleidoskopierten und immer wieder um die Ecke gedachten Umfeld bestehen müssen.

Eines zumindest macht die Band mir diesmal einfach: So breit gefächert und unkonventionell "Moss Grew On The Swords And Plowshares Alike" auch aufgestellt sein mag, es ist noch deutlich mehr als sein Vorgänger "Blasphemy" stets als Metal - welcher Form auch immer - klassifizierbar. 
Es ist ein Metal, der bisweilen durchaus überraschend catchy ist, aber auch wie z.B. in "The Necklace" wie das Zusammentreffen einer dissonanten Advantgarde-Black-Metal-Gruppe mit Ambient- und Jazzmusikern klingen kann, bei dem das Monitorsystem kaputt ist und niemand den anderen hört. Was aber trotzdem absolut großartig klingt!

Dass der finale, majestätisch  schwarzböse Longtrack "Epipsychidion" in einen ausgiebigen Dröhnrausch mündet, wirkt in der aktuellen Musiklandschaft zwischen Sunn O))) als etabliertem Kulturgut und den Eskapaden von Labels wie I, Voidhanger Records, Sentient Ruin Laboratories und natürlich auch Kayo Dots Heimat Prophecy Records schon beinahe wie der konservativste Move des gesamten Albums.

Und so bleibt vieles in der Theorie diffus und widersinnig, kommt in der Praxis aber zu einem Gesamtwerk zusammen, welches sich herausnimmt, trotz aller gewollten Sperrigkeit und der Unmöglichkeit, es in irgendeiner Ecke außer dem Genre Toby Driver festzunageln, doch viel viel zugänglicher und packender zu sein, als es eigentlich sein dürfte.

Brilliant!

TOBY DRIVER & NICK HUDSON - Black Feather Under Your Tongue

Imagine you are on a short trip from freshly brexited UK to New York to see one of only a handful of reunion shows of Mr. Bungle! What do you do on the day after? Stay in bed with a headache? Visit Liberty Island?

Nick Hudson (most prominently known for filming a fan throwing his dead friend's ashes on stage at said show) had other plans. He entered a studio together with Toby Driver (a Brooklyn local mentioned here and there in this blog from time to time) and they recorded an improvised dark ambient record, which has been released digitally on bandcamp a couple of days later.

TOBY DRIVER & NICK HUDSON - Black Feather Under Your Tongue (download) (2020)

All four tracks (average length about eleven minutes) feature Driver on guitar and Hudson on either piano or vocals.

"Black Ecstasy" is a dark meandering of the two instruments, mellow yet suspenseful, strings and keys both pending between minimalistic soundtrack vibes and baroque beauty. The piano also reminds me a lot of Tori Amos' most "classical" instrumentals.

Even if you don't know either Nick or Toby you probably have guessed by now that they are quite experimental musicians.

And if you didn't know that Nick is a Diamanda Galas super fan, after listening to "First Was The Word Was The Virus" you'll have no doubt. While Toby provides a backdrop of slow johnzornish / kayodotian doom jazz, Nick sings wordless in his low and middle register, whispers, staccato-breathes, does all kinds of weird spooky noises. And the two are communicating so good in this one - it's marvellous.

Of course (and here the Bungle circle closes) you can also attribute a good part of the vocal performance to the influence of mighty Mike Patton, and this is all the more true for the third track "When I Saw The Star", where the singing meditates on a couple of actual lyrical verses and Nick goes into a crooning style somewhere between Patton and Brandon Perry (Dead Can Dance). Meanwhile Toby Driver mixes his typical relaxed Dot advantgarde with passages akin to certain Asian post rock artists.

In the last track "Martial Hauntology" the piano finally returns for the most minimalistic jam, a laid back drone for anyone who feels that the new Bohren & der Club of Gore is way too wild.


But seriously: "Black Feather Under Your Tongue" is a great recording, which sets its own special mood and has just the right playing time not to overstay its welcome.

So far I've always enjoyed seeing the musical chemistry of these two guys together on stage and it's more than nice to hear this impression backed up with this album.

KAYO DOT - Blasphemy / Purity

I've taken my sweet little time with this one. I didn't buy "Blasphemy" immediately  when it came out, but meditated a couple of months about what to order along with it ("Ash And Dust" by Year Of The Cobra it was) and which version to choose.

As exciting as it is that Kayo Dot has been signed by the artist-friendly and known for its high-quality releases label Prophecy Productions, it also means that there are several simpler (CD digipak) and more luxurious (60€ complete box) variations available, including the Prophecy signature product, which I ended up with: the two CD artbook, which in this case includes a bonus EP called Purity".

When I finally got the album I had so much other stuff on my plate, that I voluntarily approached it slowly with only a couple of runs in a week, until my head was clear enough to fully immerse in it.

In order to be able to review it however I also had to read twenty-two book pages of text, which may not sound like a task at all. But with a heavy eyesight irritation, which lasted more than a week following the last concert I had visited, a vision test at the wrong time resulting in a pair of new glasses, which made reading almost impossible... well, you get it; I had some very special circumstances. (Luckily now I'm sitting here after a second test, with my old glasses, and that eye shit is good again.)

But enough about Kayo Dot, let's finally talk about me!

KAYO DOT - Blasphemy / Purity (2CD book) (2019)

Let's start right off the bat with an ultimately useless statement: "Blasphemy" is easily the most metal album Toby Driver has released both solo and with Kayo Dot since "Hubardo" in 2013.

So what's useless about that observation? It doesn't really tell you anything, because even though Driver's writing is recognizable in a heartbeat, neither does the new album sound exactly like anything the band has done before, nor does it mean that "Blasphemy" has any deeper similarity to any particular metal band or metal style out there.

This starts with the instrumentation, in which keyboards and electronic sound design are on equal terms with guitars, while a bass guitar is almost completely missing, and goes on with Driver's categorical refusal to just for once go with the big easy hook or the straight banging beat and rhythm. Instead his formula is bound to long winding melodies and complex pulses, which don't necessarily reveal themselves to the listener on the first or second encounter.

That being said, once this album has taken hold on you, it nestles extremely comfortably in your brain. I'd even file it under Driver's earwormiest works.

But ok, especially you Kayo Dot newbies want something tangible, a firm categorization.
How about post everything art metal? Come on, what the fuck do I know?
Of course there are moments when other artists come to mind (I personally have epiphanies of Solefald, Thought Industry, Björk and Steven Wilson or RPWL prog rock), but none of these stretch wide enough to be useful as a comparison which works for the whole album.

But what I can definitely carve into stone about "Blasphemy" is that it's a one-of-a-kind, highly adventurous, atmospheric, engaging and at times also fun experience with lots of details to discover.

Also: That unconventional trumpet solo in "Turbine, Hook And Haul" rules.


But back to my initial point: What makes "Blasphemy" feel metal may partly be the production by Randall Dunn, but first and foremost it's the joy with which Toby Driver and his carefully selected band endulge in the theatrics of the sci-fi/fantasy story on which the album is based.

This includes Driver and his companion since "Hubardo", Ron Varod, both doing some pretty heroic guitar shredding, as well as Driver going quite crazy with his voice. It's nothing new that he has a wide range from falsetto over "the thoughtful goth" and spoken words to aggressive metal, but on his last handful of releases he mostly stayed consistent in one style.

On "Blasphemy" however he goes back to the days of using a huge chunk of his repertoire, going all over the place with a manifold of fantastic but also some decidedly weird choices like Kanye West in the methanol chamber on "An Eye For A Lie". On the other hand when the lead single "Blasphemy: A Prophecy" came out I wasn't the only one wondering if that was David Tibet on the microphone.

As mentioned "Blasphemy" is a concept story album. It's based on a novel by the same name by long-time collaborator Jason Byron, who during the past twenty years has been providing lyrics (and sometimes also death metal vocals) for Maudlin Of The Well, Kayo Dot and Toby Driver's solo album "Madonnawhore". Unsurprisingly he also wrote the complete lyrics for this album.

Besides the usual lyrics and band photographs the beautiful 2CD/book version of "Blasphemy" also contains the first two full chapters of the novel.

Byron depicts a dystopian civilisation which lives forced back into the highest regions of the world, its continents seperated by the deadly sulfuric fog called the Q'Sh, which can only be crossed under dangerous circumstances by airships.
I won't spoil anything about those two chapters, both from the perspectives of rather unlikeable characters you're not truly supposed to identify with, and the song lyrics, which depict later episodes of the novel, here. Not only because I don't want to, but also because I don't really feel I can. Byron's world-building is quite advanced (Rejoice, no Dream Theater "The Astonishing" half-assery here!) and challenging for a non-native reader - and even though I get most of it I couldn't succesfully retell it. Also the whole story isn't told completely on the album anyway. At least that's my guess.


Without a doubt the unique tone and oddities of both the story and its musical realization compliment each other to great effect and make some excellent concept album nerd food.



The bonus disc "Purity" is a remix EP, which contains six new tracks, formed by Mathew J. Serra aka Wet Math exclusively with sounds from the original album.

While I will never make up my mind about how I feel regarding this whole remix idea, the result in this case is enjoyable and interestingly sounds much more like a straight catchy verse-chorus thing than the source material. Well, the vocal sampling is silly sometimes - as it so often is in these kind of mixes -, but just as with "Blasphemy" you sometimes should probably just relax and have a littel bit of fun with it.


All in all this whole release - arrangements, performances, lyrics, concept, production, the artwork, layout and content of the physical release - is wholesome as fuck, but of course, as always with everything Kayo Dot, only a niche product for aficionados.

It shouldn't be, but hey, look at the world around you and the taste of its inhabitants! You see it, right? Let's be brutally honest: We only deserve mumble rap, Helene Fischer and Sabaton.

TOBY DRIVER, DEL JUDAS + BLURRED TWIN live auf der MS Stubnitz (04.12.2018)

Toby Driver

Hamburch, Digga! Wie bekommt man es Dir mal verklickert, dass Anwesenheitspflicht zur Bewusstseinsgymnastik und Horizonterweiterung besteht, wenn Kayo Dot-Kopf Toby Driver an der Elbe zu Gast ist? Muss sich immer erst der Ohlsen seine Wollmütze über die Ohren ziehen und achtzig Kilometer aus der Provinz angekarrt kommen, damit an Bord der MS Stubnitz ein dicker Mann in der ersten Reihe steht - bzw. die erste Reihe bildet?

Und dann auch noch an einem Dienstag. War ja klar, dass das wieder ein sehr exklusiver Genuss werden würde. Die Lage des Schiffs mitten im Nirgendwo hilft natürlich nicht an so einem Abend.

Zumindest kann man bequem direkt auf der anderen Straßenseite parken. Dachte ich. Ich war halt auch schon eine Weile nicht hier gewesen und der Parkplatz wurde zwischenzeitlich durch eine Häuserblockbaustelle okkupiert. Super, die gleichförmige Hässlichisierung des Hafens schreitet voran. Und geparkt habe ich dann weit, weit entfernt. Immerhin um diese Uhrzeit gebührenfrei.
Und man kann ja zukünftig auf ein paar Straßenrandstellflächen hoffen, wenn der ganze Architekturmurks da mal fertig ist.

Auf der Hinfahrt hatte ich mich mit dem "Arrival"-Soundtrack und Tori Amos' "Native Invader"  auf den Abend eingestimmt und wurde von der Künstlerin, die das Billing eröffnete, dann auch ganz passend abgeholt.

Blurred Twin

Eine Dame, ihre Stimme und ein Harmonium, das war alles, was es beim lokalen Support Blurred Twin zu sehen gab. Das hat vom Prinzip her schon ein bisschen was von einer sparsameren Anna von Hausswolff solo; das koffergroße Instrument ist halt doch ein bisschen handlicher als eine Pfeifenorgel. Wobei der Klang im Bauch der MS Stubnitz ja schon was klerikales hat.

Zu  Gehör kamen im bedächtig dröhnenden Takt des Blasebalgs an- und abschwellende Düsterballaden, die ihre größten Momente hatten, wenn Kristin Theresa Drechsler zu operettenhaften Bojengesang in von Kate Bush begründeter Tradition anhob.

Sehr stimmungsvoll war das. Über die gesamte Länge allerdings auch ein bisschen gleichförmig. So im letzten Drittel hätte eine Klangvariation (z.B. in Form von einem anderen Instrument, Samples oder Effekteinsatz) das Set vielleicht noch eleganter vollenden können. 

Del Judas

Auch bei Del Judas stand im Anschluss nur eine Person auf der Bühne. Der Sänger / Gitarrist benutzte allerdings noch einen Backingtrack, der Bass, Drums und weitere Instrumente lieferte.

Ein bisschen schade ist es natürlich schon immer, wenn man eine komplette Band hört, aber nicht sieht. Denn der coole Mix aus Singer/Songwriter-Americana und New Wave / Postpunk, den man irgendwo zwischen Chris Isaak und King Dude einsortieren kann, hätte an sich schon eine weniger konservenhafte Aufführung verdient.

Anderseits verstehe ich ja durchaus, dass Geld gespart werden muss. Daher ja auch der auffällige Trend, Supportacts mit auf Tour zu nehmen, die sich personell mit dem Headliner überschneiden. So auch heute, denn Del Judas aka Charlie Schmid entpuppte sich anschließend auch als Livedrummer in Toby Drivers Quartett.

Toby Driver

Der Meister selbst musste diesmal nicht multitasken wie beim letzten Kayo Dot-Auftritt, sondern konzentrierte sich voll auf seine traumhaft schlingernde Gitarre und tiefenentspannten Gesang. Nur in einer Passage übernahm er in Manier von David Bowie zu "Low"-Zeiten das Keyboard.

Jenes spielte ansonsten sein britischer Tourpartner der letzten Europarundreise 2016  Nick Hudson von The Acadamy Of The Sun. Außerdem dabei - und für die oftmals barocke Atmosphäre der Stücke vom neuen Album "They Are the Shield" unerlässlich - war Violinist Timba Harris.

Zusammen erzeugten sie eine frische Variation jenes für Driver typisch langsam mäandernden Sounds, der das Kunststück fertigbringt, einen gleichzeitig intelektuell zu stimulieren und doch in ganz ferne Nebelwelten zu entrücken. Ein dichteres akustisches Ambiente lässt sich kaum aufbauen.

Gespielt wurden ausschließlich Songs der letzten beiden Soloalben, mit deutlichem Schwerpunkt auf "They Are The Shield", welches ohne Zweifel einen Höhepunkt in seinem Schaffen darstellt und mir nun, da ich es mir vom Merchstand mitgenommen habe, natürlich Gewissensbisse bei der Erstellung meiner Best-of-2018-Liste bereitet, weil es für mich eigentlich zu spät kommt, um es dort noch einzureihen. Hrmpf.


Wie auch immer, es war wieder einmal ein fantastischer Ausflug ins Reich des außerkörperlichen Zeitstillstands. Wunderbar.

Blurred Twin:

 

 

 

 

 

Del Judas:

 

 

 

Toby Driver:

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

KAYO DOT live auf der MS Stubnitz, Hamburg (23.08.2016)

Kayo Dot

Tja, Herr Driver, da haben Sie doch mächtig mit meiner Erwartungshaltung gefickt!

Mit dem synthielastigen Album "Plastic House On Base Of Sky" im Gepäck, sowie der kürzlichen Interviewaussage, mit Metal aktuell eher nichts am Hut zu haben, war ich ja doch eher auf klarere Töne eingestellt.

Doch da Kayo Dot in den vergangenen Tagen Doom- und Krachfestivals, u.a. mit Neurosis gespielt hatten, haben die drei Herren ihr Programm an Bord der MS Stubnitz einfach mal nach Tageslaune modifiziert.

So waren die rhythmisch anspruchsvollen neuen Stücke zwar durchaus mit am Start, entwickelten aber durch den ungleich stärkeren Fokus auf Bass und Gitarre eine ganz andere Dynamik als im Studio.
Dem letzten, mir aus Tilburg und dem Hafenklang bekannten Programm, welches ja auch dank des diesmal nicht mitgereisten Saxophons von einer entrückt schwebenden Jazzstimmung durchzogen war, kam der Abend noch am nächsten, als Kayo Dot den Epos "The Mortality Of Doves" von "Coffins On Io" zelebrierten.

Ansonsten gab sich die Band insgesamt aber sperriger, fragmentarischer und schwieriger zugänglich, indem sie ihren Fluss in Doom/Noise-Zwischenspiele abstürzen ließ oder auch mal den Blasthammer auspackte. Generell ist dies bei John Zorn-Schüler Toby Driver ja nichts neues, sondern eher back to the roots, aber die Form, in der es ausbrach, war schon unerwartet.

Was die Performance leider etwas schwächte war die Trio-Besetzung. Es ist nachvollziehbar, dass der Chef neben Bass (oder wahlweise auch Gitarre) auch noch die Keyboards übernommen hat, da die Band für so eine Tour ja offensichtlich immer am Rande der Obdachlosigkeit operiert und so ein Flugticket gespart werden konnte. Und es ist auch beeindruckend, diese Musik überhaupt zu dritt darbieten zu können. Aber dies bedeutete auch, dass Driver oft mit der Koordination seiner Instrumente und Einstellungen zu tun hatte, was etwas auf Kosten der sonst gewohnten Souveränität ging. Anderseits war die Show dafür noch etwa waghalsiger und abseitiger...

Man merkt es wahrscheinlich: Ich kann mich gar nicht so recht zu einem finalen Urteil hinreißen lassen. Eine das Publikum mühelos mitreißende magische Klangmesse wie der Auftritt in Het Patronaat auf dem Roadburn war dies nicht. Dazu mangelte es vielleicht auch einfach an Zuhörern, auch wenn die Situation nicht ganz so dramatisch wie letztes Mal im März bei Toby Drivers Auftritt als Solokünstler war.

Eine das Musikverständnis herausfordernde, sehr interessante und das Gehirn massierende Erfahrung war es durchaus.

Und die MS Stubnitz ist als Location ja sowieso etwas ganz spezielles.

Dies gilt im übrigen auch für ihre Lage. Mal eben vor dem Konzert zu Fuß in der Nachbarschaft einen Burger zu essen, entpuppte sich als mal locker eine satte Stunde schluckende Aufgabenstellung. Immerhin kam jener Burger aber auch mit extra Salat und Kartoffelspalten - und schmeckte super.

Es ist also nicht alles hässliche Designerscheiße in der Hafen City.

KAYO DOT - Plastic House On Base Of Sky

Dienstag (also morgen) ist ja schon Konzert auf der MS Stubitz, also schalte ich mal den Rezensions-Turbo ein, um vorher noch ein paar Worte zum neuen Album von Kayo Dot loszuwerden.

KAYO DOT - Plastic House On Base Of Sky (LP) (2016)

Zum Schaffen des advantgardistischen new yorker Multiinstrumentalisten und Kayo Dot-Masterminds Toby Driver etwas zu schreiben, ist dummerweise eine eher undankbare Aufgabe für einen aus der Hüfte gefeuerten Schnellschuss. Zu wenig mit irgend etwas anderem vergleichbar ist seine Musik, und das, obwohl doch jede Veröffentlichung sich klar von der vorigen unterscheidet. Da stößt man bald auf das Magma-Dilemma, alles was man davon in Worte fassen kann, bereits in früheren Texten formuliert zu haben.
Zum Glück kamen Kayo Dot und Driver in diesem Blog bisher nur live vor, und dies hier ist meine erste Albumkritik. Ein paar Sätze sollten mir also noch einfallen.

Grundsätzlich greift "Plastic House On Base Of Sky" durchaus einige Tendenzen des Vorgängers "Coffins On Io" auf und spinnt diese noch konsequenter fort. Darauf, dass es einen gewissen Bezug gibt, könnte schon der Titel deuten: Ist Io doch ein Mond Jupiters und Phobos (wozu sich der aktuelle Albumtitel abkürzen lässt) ein langfristig auf seinen eigenen Absturz hin kreisender Mond des Mars.

(Vergleiche auch die beiden diese Angstmetapher nutzenden Alben "Phobos" von Voivod oder "The Monolith Of Phobos" von The Claypool Lennon Delirium! Wegen dieser Titelverwanschaft habe ich letztes Album nebenbei auch als kleinen Insider-Gag für mich selbst gemeinsam mit Kayo Dot bestellt. Leider verspätete sich das "Plastic House" aber auf Vinyl etwas, so dass die beiden nicht zusammen angekommen sind.)

Erneut hat Toby Driver - mit Unterstützung von Drummer Keith Abrams und einem ganzen Heer von weiteren Musikern an Streichern, Bläsern, Percussion, Saiten- und Tasteninstrumenten - ein Album geschaffen, welches sämtliches Gebrüll ausspart und irgendeinen Metal-Einfluss nur mit einem Höchstmaß an Fantasie an ganz wenigen Punkten einbildbar lässt.

Nein, die Klangästhetik deutet erneut in die achtziger Jahre, wofür vor allem die nach Zombi riechenden Keyboardsounds und der Gesang verantwortlich sind. Stimmlich verzichtet Driver auf lange Falsettpassagen und tendiert eher zur Berlin-Phase David Bowies, Brendan Perry (Dead Can Dance) oder teilweise auch zu Dave Gahan (Depeche Mode).

Das Charisma jener Referenzen - oder auch des ähnlichen Vorbildern huldigenden Martin Byrialsen von Liserstille - erreicht er dabei zwar nicht ganz, doch es ist eine sehr solide Darbietung, die sich harmonisch in die extrem anspruchsvolle Musik einbettet und den Zugang zu dieser dabei sogar etwas erleichtert.
Doch ich mache mir nichts vor: Jener Zugang dürfte den allermeisten Musikhörern wohl ewig verschlossen bleiben und kann selbst dann noch eine Herausforderung sein, wenn man mit der Abgefahrenheit von Gruppen wie den norwegischen Hirnverknotern Virus keine Probleme hat.

Kayo Dot auf dem Roadburn Festival 2015

Toby Driver mäandert gerne scheinbar ziellos und endlos umher, was Alben wie "Blue Lambency Downward" oder auch "Coffins" (das mich im Vergleich zu den Livedarbietungen in Tilburg und Hamburg vor allem durch den zu dumpfen Vinylklang tatsächlich ein bisschen enttäuschte) zu Herausforderungen macht, denen ich mich nicht immer mit gleichem Erfolg stellen kann.

Deswegen hat mich auch erstaunt, wie leicht es mir nun fällt, in "Plastic House On Base Of Sky" einzutauchen, obwohl dieses Album bis auf den reduzierten Abschluss "Brittle Urchin" durchgehend so klingt, als würden jeweils zwei verschiedene Instrumentals gleichzeitig abgespielt. Es ist so, als lägen zwei halbtransparente Partituren schräg übereinander; jedem Melodieansatz scheint ein Konterpunkt gegenüberzustehen, in jeden Rhythmus spreizt eine zweite Rhythmussektion hinein. Doch so breakbeatig verstolpert dies auch zunächst erscheinen mag - gerade die starke rhythmische Komponente, welche Driver mit seinem wellenförmigen Musikverständnis in der Vergangenheit auch mal vernachlässigt hat, gibt einem Halt in diesem vielschichtigen Gewabere aus Synthwave, Gothic, Klassik und was immer sonst in dieser Suppe vermengt ist.

Und so schaffen Kayo Dot hier das scheinbar Unmögliche, nämlich ein Album, welches beides ist:

Zum einen in seiner Konzeption vollkommen verkopft, aufgebaut wie eine vierdimensionale Zwiebel in detailüberladenen Schichten, die zu entschlüsseln einem vollkommen das Gehirn verknoten kann.

Zum anderen ein ganz entspannt betrachtbares Stimmungsbild, in welchem man sich schwerelos verlieren kann, und das nebenbei auch einen ganz exzellenten Soundtrack für die Nachtfahrt auf der Autobahn abgibt.


Moment... Vielleicht mache ich gerade den Fehler, den man bei Toby Drivers Musik idealerweise immer vermeiden sollte: Ich denke viel zu viel darüber nach.



Denn vielleicht...

ist "Plastic House On Base Of Sky" im Grunde...

einfach nur sehr guter Jazz.

Highlights: Rings Of Earth, All The Pain In The Wide World

my ROADBURN After-Afterburner: KAYO DOT + BOTANIST live at the Hafenklang, Hamburg (13.04.2015)

See you next year (hopefully), Oisterwijk!

Wow! Monday morning and four full festival days of Roadburn (plus the warm up on Wednesday) madness were behind me.

I had managed to to see a respectable portion of my ambitious running order. Actually I had posted my planned schedule on facebook before the festival. Now I've added some markings.
circled RED: I want to see this!

circled PINK: Also interesting, but how without splitting myself up?

GREEN:  the shows I actually saw (Or at least parts of it. But of most shows I had in fact seen all or more than two thirds.)

 

 

 

Not bad, eh?

But as I already mentioned in my review of Saturday, I still wanted to see Kayo Dot and Botanist on their stop in Hamburg. I was leaving at ten in the morning, doors open was ten hours later.
Of course the drive doesn't even take close to that long, but in post-Roadburn-condition it comes pretty easy to add a little extra time at lunch or power-nap breaks.

Speaking about lunch: After I had had a traditional swedish meal at IKEA Hengelo, I killed some time in the neighbouring MediaMarkt and was really impressed about the size of their vinyl department compared to those of the MediaMarkts in Northern Germany.
Browsing through the records had a touch of a flea market feel, because most of them were stored in cardboard boxes, due to construction works. Those works included some really devastating noise, far more crushing than almost everything I had "endured" the week before. That speaks for the sound guys in Tilburg - and shows you that it can always get more brutal.

Though I was seriously tempted by Herbie Hancock and some others, I didn't buy any record.

Yes, you know why...

Botanist, Bongripper, SubRosa,
Fields Of the Nephilim, Bast,
Kayo Dot, The Osiris Club, White Hills,
Virus, Slomatics, Napalm Death, Bell Witch, Zombi,
Bell Witch, A Storm Of Light, The Mount Fuji Doomjazz Corporation, King Bong,
Vattnet Viskar, Spidergawd, Goblin, 2 x King Dude

All great stuff, some nice special editions... hard to choose favorites.

White Hills are stuck in my head almost 24/7, both Bell Witch albums are absolutely stellar doom masterpieces for the ages, Virus and The Osiris Club are fantastically freaky. Everything here is praiseworthy, even the free King Bong promo CD-R.

I got the Spidergawd 7" the day after they had played, and luckily among the few of the 200 hand-numbered pieces there was still my year of birth number 77.

This picture still misses: one Roadburn cap, one free The Heads poster and one Kayo Dot download card.

And the big B for Botanist wasn't purchased at Roadburn, but in Hamburg.

Hamburg

I still arrived early, parked my car at the Fischmarkt and walked to St. Pauli Landungsbrücken with my medium format camera. As soon as I had put in my film roll and before I had taken a picture, I was approached my two guys interviewing people around the harbour.
What do you like especially about the harbour? Why do you shoot photographs here? -  I hadn't been there for years and I just happened to be there, because the Hafenklang club is in that area... Man, this encounter was too complicated for me right now.

Ate a little fish in the Haifisch-Bar and then it was finally time to wait for doors open at the Hafenklang, where Kayo Dot were announced not quite in their recent line up...

one, two, three, four, four, four... wait

Even though the Hafenklang is only connected with memories of great concerts for me, I must admit that it was a harsh step back into reality from Roadburn into the dim lighted club (no useful live photos this time), waiting for the room to fill up with people, which unfortunately didn't happen in the scale this package deserved.

Monday in Hamburg, relatively obscure bands... There must have been around thirty paying fans. Certainly a whole different kind of gig that what both bands had experienced in Het Patronaat on Saturday.


But they both delivered great performances, starting with Botanist and their strangly entangling black metal on hammered dulcimers and harmonium (plus bass and drums).

With those massive string instruments on stage, the also unusual green-brown Sunn O))) hoods and the roughly four meters tall singer croaking with his face hidden behind a black veil Botanist already looked like no other band out there. Musically the familiar raw darkness, blastness and occasional bumpiness of black metal contrasted with a trancendent, ethereal quality, which in itself varied between crystalline clarity and dreamy haziness, like magical pollen that educes hallucinations...

I liked it immediately. But even as I stood there enjoying the music, I wasn't really sure if it was more the quirkiness and bravery of this whole concept (of plants destroying mankind and reclaiming Earth) or the actual qualtity of its delivery which drew me into this.
After the show I bought the "Flora" record and it still grows on me. So now I know for sure that the music actually is very good.

Botanist is a band capable of unique unheard grandiosity, enwrought with a very weird underlying humour. A good combination if you ask me.

Kayo Dot, successor of Maudlin Of The Well, has seen a great variety of personnel and musical styles over the years - and it has never been a group that's easy to grab or to describe. Not even close.
But no matter where Toby Driver drove his ship - ambient waves, orchestral deeps, infernal black storms, falsetto singing or bellowing -, it has always been music which demands the listener's attention to fully experience all of its compositional flow and jazzy sensibility.

As always the current album "Coffins On Io", which built a good portion of the live set, introduces some new ingredients. There is a strong pop appeal, which does not mean, this would have any chance of bringing a big commercial breakthrough. No, it's sounding as if someone had taught pop bands of the eighties how to play smooth jazz. Accessible, yet still very advantgarde.

All this translates wonderfully into the live setting. So many different states of mind and emotion, all expressed with so much musical passion and highest instrumental prowess. It's useless to highlight one of the four musicins, as they all were constantly on top of their game and having their special spots. Yet I have to mention that whenever the keyboardist switched to saxophon, that was when it couldn't get any better.

Between the songs it got akwardly silent after the applause. I hope the band didn't get that wrong. It was Monday, we were only thirty people - and people were just too stunned to chatter.

The only real flaw of this concert was that after half of the set I just couldn't stand on my feet anymore. The rest however was fantastic.




So that was it! Six days of live music action and just a one hour drive home ahead of me.
This was one of the biggest musical marathons I've ever gone through. And it was all worth it!

I haven't drawn comparisons to my previous Roadburn experiences yet, because it's just pointless. Maybe the Afterburner of 2014 was stronger, but to say that would unneccessarily diminish the performances of White Hills, Bongripper, Goblin, Bast and The Osiris Club.
There also was no band like Magma this time, but hey - there is no other band like Magma.
And on the other hand: There is no other band like this year's Fields Of The Nephilim either.

So each Roadburn is its own unique thing. What indeed got better from 2012 to 2014 to this year is that I personally watched more and more of the great artists performing there each time.

And I can't wait to see what Roadburn-Walter pulls out of his hat for 2016.

So see you in Tilburg then!