Most posts are in german, yet sometimes I switch to english. The title of this blog changes from time to time.
If the title is displayed in Comic Sans, please refresh the site! That's unless you really dig Comic Sans of course.
Interested in me reviewing your music? Please read this!

2018-09-21

PSICOMAGIA - Psicomagia

Ok, das hier wird jetzt nicht super detailliert in die Tiefe gehen. Aber ohne eine laute Empfehlung abzugeben, kann ich diese Neupressung einfach nicht ins Regal wandern lassen.

Dass ich die musikalische und ästhetische Ausrichtung von El Paraiso Records sehr mag, sollte inzwischen bekannt sein. Ich besitze nun auch immerhin genug Platten des Labels, um einen eigenen Abschnitt im Regal zu rechtfertigen. Diese Ehre teilt sonst keine Plattenfirma, aber das tolle einheitliche Design schreit einfach danach.

Der Versand aus Dänemark ist ziemlich happig, doch zum Glück findet man El Paraiso-Platten auch immer mal wieder zu günstigen Preisen in deutschen Musikversandhäusern. In dem Fall lohnt es sich eigentlich immer zuzuschlagen, zumal wegen der übersichtlichen Auflagen auch nicht garantiert ist, dass die Chance noch einmal kommt.




PSICOMAGIA - Psicomagia (red/black swirl vinyl) (2013 / 2018 reissue)


Das selbstbetitelte - und leider noch immer einzige - Album von Psicomagia erschien ursprünglich 2013 und wurde dieses Jahr in unaufdringlichem rotschwarzen Vinyl neuaufgelegt.



An der Marschrichtung des Projekts, an dem u.a. Mitglieder von Radio Moscow und Brian Ellis am Saxophon beteiligt sind, besteht von Anfang an kein Zweifel: wilder schneller Jazzrock, ständig in Verwandlung und Bewegung, immer nach vorne peitschend.

Und so bleibt es auch, sowohl im halbstündigen Kernstück "El Congreso", welches in zwei Hälften geteilt präsentiert wird, als auch in den beiden vorne und hinten flankierenden kürzeren Tracks "El Memorioso" und "Simplón".

Während der Bass in erster Linie ein stabiles Fundament schafft, welches alles zusammenhält, schreddern und irrwischen Orgeln, Saxophon und Drums darüber wie Colosseum auf Steroiden. Darüber hinaus spricht streckenweise noch eine Spoken-Words-Stimme Poesie über das ekstatische Treiben, was den Eindruck grandios chaotischer Überladenheit noch weiter verstärkt.

Was mir in diesem brillianten Jazz-Fusion-Tsunami zunächst gar nicht auffiel ist das komplette Fehlen der bei so starkem Rockanteil eigentlich obligatorischen Gitarre. Nein, dass hier fetzt auch ohne Sechssaiter auf Weltklasseniveau.

Keine Frage, "Psicomagia" ist ein instant classic und eines der absoluten Topveröffentlichungen des Labels. Wäre zu schön, wenn sich die Truppe wieder für einen Nachfolger zusammenfinden könnte!


Highlights: El Congreso Pt. 1, El Congreso Pt. 2



2018-09-20

LUMERIANS - Call Of The Void

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LUMERIANS - Call Of The Void (LP) (2018)

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            Oh, sorry.

I've already done one of those weird reviews for the last Lumerians album from 2015.   



So let's be serious. Lumerians are back with a new record and their space-fuzzy keyboard-heavy psychedelic sound hasn't drastically changed.

In structure "Call Of The Void" settles somewhere between the longer instrumental jams of the last release "Transmissions From Telos Vol. III" and the more songwriting-orientated approach of "The High Frontier" from 2013. Given that we have eight tracks (one is missing on the listing of the LP), mostly around five minutes long, here, it's obviously closer to he last-mentioned.

And is it good? Undoubtly.

I mean, it's all there: that distinct bass tone, the typical rhythms. That strange atmosphere, which somehow feels trippy and relaxed, but at the same time laden with an impalpable dark undertone. On the surface Lumerians appear to work with very simple, naive ingridients. It's easy to listen to them, but hard to fully grasp what kind of krauty flavour they are ultimately cooking.

But while a certain amount of confusion is probably part of the concept and welcomed, I must admit that I'm still a little on the fence with "Call Of The Void". Maybe my expectations for the album just were too high. I think I mainly hoped for bolder, more fleshed out and recognizable melodies.

There is always a lot of sound going on above the foundation of the songs, but it doesn't always lead to something overly interesting  and stays a little too flat.
When there are vocals involved, the songs immediately get a slight gothic touch that reminds me of The Osiris Club on their latest album. It works, yet I still prefer the sunnier vibe of "The High Frontier".

So there are those minor complaints which add up to the feeling that yes, it's all good, the production kills, no track is bad... but it's not yet as glorious as it should be.

But...


All that being said, the whole album is still winning me over a little more each time I listen to it. It's a slow and steady grower. So maybe it will pass my critique one day. Or maybe I should have just written another weird bullshit review.
Well, as I said: I'm still one the fence, my final judgement about it just isn't possible yet.

So for now I will just pretend that I'm using a review scale here and say: 11,5 out of 15 voids.





Highlights: Fictional, Fuck All Y'All, Ghost Notes, Masters Call


2018-09-14

DNMF - Smelter

Ok, since I like my Dead Neanderthals reviews to come in pairs - and I bought this together with "Molar Wrench" - here's yet another collaborative record of the New Wave of Dutch Heavy Jazz duo:




DNMF - Smelter (LP) (2018)


"Smelter" marks the second time after the self-titled debut in 2014 Otto Kokke and René Aquarius team up with the hyper-prolific ambient / drone artist Rutger Zuydervelt aka Machinefabriek under the moniker DNMF.

The album only consists of one single thirty-nine minute drone track, which can roughly be seperated into four phases.

During the first one, which makes the largest part of side A, the low-frequency raucous roaring of "Craters" is combined with a steadily stomping doom beat and majestic slow organ chords. The result is huge, it feels like being dragged through an enormously vast dome of drone.

When the drums break away for the second part, the composition loses volume and brutality for a while, but grows even more transcendent in its clerical, religious tone.

If there was one thing missing during this first half of "Smelter", I would say it's the magical voice of Anna von Hausswolff. Because up to this point, this album totally feels and sounds like an instrumental appendix to her masterpiece (and still number one contestant for album of the year) "Dead Magic"!

The third act then sees a shift of atmosphere, when first the familiar drum rhythm is reprised, but it soon gets overlayed with more and more increasingly loud and dissonant noises.

Finally the whole thing explodes and slides into a very long finish, dismantling itself over the span of ten minutes, which is very reminiscent of what Justin Broadrick has done in Godflesh's "Go Spread Your Wings" or Jesu's "Infnity".

So now that I've spoiled all the plot points - enjoy this!


No, seriously. This is monolithically good. Easily the best Dead Neanderthals release of this year so far.

There are still a handful of LP and CD copies left, which I very much recommend. The brilliantly minimalistic artwork alone is worth it.


And to close this review let me address the obligatory jazz question:

Nope, even with the most ambitious mental gymnastics, this isn't jazz.
But I'll file it under jazz in my record shelf anyway, because it's - at least half - the fucking Dead Neanderthals, so fuck all of you!

Yes, I'll stand by this. I've said it, so I'm owning it. Fuck you all! Yeah.






Highlight: Smelter



2018-09-13

SLY & THE FAMILY DRONE + DEAD NEANDERTHALS - Molar Wrench

Not that it has been too long (the Konstrukt & Keiji Haino double review is still among my recent top posts), but let's go back once again to the lovely genre of extreme free jazz!

Here's something from the Dead Neanderthals I missed last year. Ok, I knew it was out there, but especially when vinyl and international shipping are involved, I just can't order everything I want. But then they recently offered a hefty 30%  discount for their Bandcamp followers, so I took the oppurtunity to grab one of the very last copies of this record.

It's a collaboration with the extremely aptly named Sly & The Family Drone.





SLY & THE FAMILY DRONE + DEAD NEANDERTHALS - Molar Wrench (transparent blue vinyl) (2017)


I'm not that familiar with Sly & Family yet. I probably have seen more - pretty wild - live photographs of them than I've listened to actual tunes. But it's extremely easy to detect that their whole approach is close to that of Dead Neanderthals, as is their instrumentation, which only differs in the way that besides a drummer and saxophone player there also happens to be a vocalist, who is responsible for additional noises / effects as well.

So the premise of this collaboration is basically supersized Neanderthals.

There are passages like the opening minute of the album, where everybody does everything in his power to produce utter chaos, but during the majority of the four tracks playing time there is a controlled rhythm section basis including one of the saxophones functioning as bass, while the other wind player totally freaks out within the higher ranges.

So there are definitely more recognizable song structures than the Dead Neanderthals average on this record. Yet don't let this mislead you - "Molar Wrench" is still absolutely insane, mind-boggling, super-heavy sick shit!

And even though those attributes work for most of the album, each track has a very distinct arrangement and atmosphere. While the A-side with "Ghoul Whispers" and "Muck Man part 1" mainly deals in different flavours of jazz rock on steroids and hard drugs, the B-side begins with an almost ambient mood. The finale of "Muck Man part 2", when the track goes Hulk and escalates in a cacaphony of double-johnzorned grind jazz is one of my personal highlights on this record.

My favorite detail however waits in the closing title track, when someone actually sneaks in a few seconds of "normal" smooth melodic saxophone playing. Now that came unexpected among all the noise torture.


I cannot compare this release with the other works of Sly & The Family Drone, but within the Dead Neanderthals discography this is one of the most diversified offerings.

Of the beautiful transparent blue vinyl version there is recently only the very last of the total three hundred copies left. So go get it!
  


Or settle for the digital version. They are both available on Bandcamp.






Highlights: Molar Wrench, Ghoul Whispers



2018-09-09

DYLAN CARLSON - Conquistador

It's Sunday. Probably the best day of the week for this album.

But first things first: I bought the CD on Friday, after Dylan Carlson's concert in Hamburg (german review here!).

Even though the show was great it seemed like the Earth guitarist was a a little under the weather, having to clean his nose after each song. On Saturday his condition turned to the worse and he got so sick that he had to go to the hospital and cancel at least the two shows in Berlin and Dresden as of now. So let's all hope that he gets well soon!

For me personally yesterday started with better news, when I found out that the CD I had bought was indeed the Japanese version of the release, which includes a bonus track. And that track "Puente De Los Suspiros" also happened to be the closing song and one of my favorites of his concert.



DYLAN CARLSON - Conquistador (Japan CD) (2018)

Just like his solo shows the premise of the album is very simple, since it mainly consists of one man playing his electric guitar. So it's all about his unique style and the atmosphere it creates.

One a couple of tracks he is subtly supported ghostly slide guitar or deep baritone guitar, which were provided by Sargent House label mate Emma Ruth Rundle.

A third instrumental credit goes to his wife Holly, but given that there are really only very few percussion sounds on the album her role as muse and cover artwork model is probably a lot more important here.

"Conquistador" starts with the title track, which throws its shadow over the whole album, since it has more than double of the length of the following compositions. The main reference is clear. The stripped down approach takes you right back to "Hex: Or Printing In The Infernal Method", the first album of the Earth rebirth in 2005.

Dylan Carlson live
As the guitar meanders through the following tracks, the levels of distortion and effects are varying, and the equilibrium of repetition and melody is shifting. The general style however, which floats between the slowest possible form of country, Carlson's drone roots and the skeletons of doom riffing, always stays intact.

As does the spiritual feeling it evokes and its cinematic scope.

"Conquistador" may be a rather short album. Without the bonus track I'd probably call it an EP. But it's a true gem. And noone hinders you to push repeat.

At least on a Sunday.


Highlights: Reaching The Gulf, Puente De Los Suspiros, Conquistador



2018-09-08

DYLAN CARLSON live im Hafenklang (07.09.2018)



Moshpits und Walls Of Death erwartete gestern im Goldenen Salon, dem Obergeschoss des hamburger Hafenklang, niemand. Stattdessen waren Stühle und Bänke aufgebaut. Auch wenn es vor Abfahrt Stellingen noch geklemmt hatte, waren mein Bruder und ich so auf den Punkt vor Ort eingetroffen, dass wir uns noch Plätze in der ersten Reihe sichern konnten.

Auf der Bühne gab es zwar keinen Stuhl, dennoch war auch dort nicht mit Dillinger Escape-Action zu rechnen. Nein, es war ein simpler Abend: ein Mann, seine Gitarre, zwei Amps und ein paar Effekte.





Dylan Carlson, in seinen breit genuschelten Ansagen leicht sympathisch verpeilt wirkender, optisch saucooler Wino-Doppelgänger, ist als Gitarrist von Earth natürlich eine stilprägende Legende. Allerdings hatte man hier nie den Eindruck, dass hier jemand unter dem Druck eines vorauseilenden Rufes auftrat.
Nein, genau wie bei seinem gemeinsamen Auftritt mit The Bug (Earth selbst stehen nach wie vor auf meiner To-see-Liste), spielte der Mann hier einfach ganz lässig seinen Dronecowboystiefel runter. Ein Gitarrenheld ohne jegliches Gitarrenheldentum.

Das komplett als Soundtrack zum Verdursten in der texanischen Wüste geeignete Set bestand zu gleichen Teilen aus Stücken seines aktuellen Soloalbums "Conquistador" und Klassikern seiner Band, darunter auch der Titeltrack des vor kurzem auf Vinyl wiederveröffentlichten "The Bees Made Honey In The Lion's Skull".




Was genau an einem in Zeitlupe desert-rockenden Gitarristen so großartig ist, lässt sich eigentlich nicht beschreiben, sondern nur erfahren. Der Ton, der Twang, das Dröhnen, die Atmosphäre, sind es, um die es bei dieseer Musik geht.

Nach einem gefühlt das lineare Zeitempfinden transzendierenden, tatsächlich etwa einstündigem Set hätten wir jedenfalls durchaus noch gut ein, zwei Nummern mehr hören können.

Fazit: großartiger Typ. Genialer Gitarrist. Tolles Konzert.






[EDIT Montag, 11.09.2018: Dylan Carlson schien Freitag Abend ein wenig angeschlagen zu sein und musste sich zwischen den Songs immer die Nase putzen. Tatsächlich war es wohl schon schlimmer als es aussah, da er alle folgenden Termine der Tour absagen musste und derzeit immer noch mit Leberproblemen in einem Krankenhaus in Berlin liegt. Gute Besserung!]

2018-09-03

KONSTRUKT & KEIJI HAINO - A Philosophy Warping, Little By Little That Way Lies A Quagmire / A Philosophy Warping, Little By Little That Way Lies A Quagmire (Live)

We all know those people who are stuck in some musical past (mostly the soundtrack of their own teenage years) and persistently claim that there is no more good music today. Every after Pink Floyd / Rolling Stones / Nirvana / Frank Sinatra etc. sucks.
And I always tell those guys the same thing: There has never been so much great music of all kinds out there - and it has never been so easy to discover it. If you are a too lazy creature of habit to look beyond what the music industry pushes into some charts - it's your fault alone.

I constantly find myself discovering more rabbit holes leading to all kinds of musical worlds than I can ever process in this one lifetime.

The following pair of album reviews is a good example of finding shit by following one of the million paths the internet provides. Just read Bandcamp Daily from time to time and you'll detect the weirdest, most obscure and exciting stuff.

Back in June they had this article "Devil Horns: Metal Bands Who Use Brass And Woodwinds". I mainly wanted to read the text about the Kayo Dot classic "Choirs Of The Eye", but then I saw that my beloved old John Zorn project Painkiller from the early 1990s was also featured there, but with their third album "Execution Ground", which I had never heard. It really is the band's masterpiece - and it was re-released on vinyl in 2016, by a german advantgarde label called Karlrecords (named after Karl Marx).

I got the double record, I love it. And I had Karlrecords in the back of my head now.

So when two weeks ago I received an email informing me about the label being featured on Bandcamp Daily again, that led me to Konstrukt and Keiji Haino - both names which didn't ring any bell for me before - and their two collaborative records.




KONSTRUKT & KEIJI HAINO - A Philosophy Warping, Little By Little That Way Lies A Quagmire (LP) (2017)

Yes, that album title is quite a mouthful, and even more so are the song titles on this thing. Luckily there are just two of those monstrous brainfuckers, even though there are six tracks on the records. But well, in the end that stuff is just a quirky sidenote anyway.

What do we have here musically? If I had to describe it only using the content of my blog as a source of reference, I would that the closest I could get would be a mixture of Black Cube Marriage's "Astral Cube" and the whole body of work of the Dead Neanderthals. And that would cover about sixty percent of what this album has to offer - max.

So let's take a look at the parties at play here:

Konstrukt
are a quartet, as much routed in the traditional Coleman / Coltrane free jazz approach and its advantgardistic offsprings, as in their turkish heritage, which is unmistakenly represented by the heavy use of folk percussions and mediterranian wind instruments. Imagine the Sun Ra Arkestra with oriental folk instead of afrofuturism. (And they have even played together with Sun Ra bandleader Marshall Allen in the past!)
On top of that they are also using analog synthesizers, tape echo looping effects and other electronic stuff. So maybe I could have also cited the Köhnen Pandi Duo above.
But what Konstrukt are bringing to the table is its very own beast. And it goes fucking berserk in all the best ways. With the broad range of instrumentation it's impossible to pinpoint every ingredient which gives this over the top inferno its special flavour. But even as the saxophone afficionado I am, there is no doubt that one instrument which particularly stands out in an almost unnerving, but absolutely brilliant way is the zurna. There hasn't been such a zurna overload in my record collection since King Gizzard & The Lizard Wizard's "Flying Microtonal Banana".

Konstrukt have teamed up with Keiji Haino, who happens to be a japanese noise rock legend. And since his main contributions are wild guitars and the occasional insane shit screaming, there is no way I can keep my advantgarde free jazz noise rock grindcore whatever go-to-reference Naked City out of this. He also provides additional percussion and air synthesizers. If you haven't heard of those yet - you should definitely do a search on Youtube. Sick stuff.

If you are now assuming that all this can only add up to an unlistenable mess, you are probably right concerning your personal perception. If you hate free jazz and experimental improvisatory excess, this album surely won't turn you around.

But if you are receptive to the styles combined on "A Philosophy Warping", this record truly is a goldmine which bleeds instrumental skill and atmospheric instinct to a rich listening experience, which unlocks new details every time you spin it.


Highlights: All Things Will Be Reduced To Equal D お Tっっ3 BBRc MMM あ元 Part 1 - 3, The Darkness Of +​(​plus) And The Paleness Of –​(​minus) Drag Each To An Identical Distance And Reanalyse Blending In Some Pain Part 1- 3 - which is the whole album, because seriously: you either hate every bit of this or you love it all. There is no middleground here.






When your first record has such a catchy title, why not just use it again?

There you go...




KONSTRUKT & KEIJI HAINO - A Philosophy Warping, Little By Little That Way Lies A Quagmire (Live) (LP) (2018)


At least the colour scheme of the cover artwork is different. Those paintings look really great as the real physical thing by the way.

Ok, there are other differences as well:
This time it's a live album, recorded with an audience. And it's not a performance of the older album, but completely new material.

The song titles are... something... again, but this time there is no bothering dividing the record sides into parts, even though there technically are some breaks, where the band starts fresh. But it's all presented as two twenty minutes+ tracks.

Stylistically it doesn't fall too far from the first record, but there is a distinct emphasis on some elements. The first side finds the band more guitar-driven than before, while the B-side focusses more on the saxophony jazz sound. And on both sides the traditional turkish influences are dialed back.
Those statements don't go for every minute of each respective side, but at at least you can say that there is a tendency you can feel.

It surely pruduces a vibe which overall is a little different than on the 2017 album. Maybe it's just the musicians knowing each other better by now, but this records feels closer to live albums like "Dark Magus" or "Agharta" from Miles Davis (maybe with temporary Herbie Hancock sidekick and synth pioneer Patrick Gleeson in the mix) than its predecessor.

Plus the japanese vocal madness of course. Let's not forget that.


Highlights: Into A Trap Surely So Elaborately Laid Air Has Entered And A Splendid Beautiful Monster Now Swims, Excess + Analysis / Courage = (Yes, that's the album again.)




I really can't settle for a favorite between these two albums. Because just as they are equally named, they are both equally as impressive, rewarding  and out there. So it really makes sense to listen to these both albums as different sides of the same coin.

As of now there are not too many LPs left. And the high quality pressing undoubtly does the music justice. So if you think you might be interested in more than a digital download, you'd better act fast.

It might be too early to say something like that, but in the world of extreme experimental jazz "A Philosophy Warping, Little By Little That Way Lies A Quagmire" and "A Philosophy Warping, Little By Little That Way Lies A Quagmire (Live)" have pretty good chances to reside among my all-time favorites.


2018-09-01

EARTH - The Bees Made Honey In The Lion's Skull

Young God Records ist mit seinen Swans-Wiederveröffentlichungen (z.B. "Die Tür Ist Zu") nicht das einzige Label, welches für mein Budget zu viele hochpreisige - und dann noch mit happigen Versandkosten gewürzte - Wiederveröffentlichungen raushaut. Auch Southern Lord sind anlässlich ihres zwanzigjährigen Bestehens aktuell sehr fleißig. Da habe ich mir da schon einige interessante Käufe, insbesondere von Sunn O))), verkniffen.

Ein Album jedoch übte von Anfang an magischen Sog auf mich aus. Und als es dann zumindest ein wenig günstiger bei einem deutschen Versandhändler zu haben war, musste ich einfach zuschlagen.






EARTH - The Bees Made Honey In The Lion's Skull (clear 2LP) (2008/2018 re-issue)


"The Bees Made Honey In The Lion's Skull" ist für viele Fans wohl das wichtigste Album seit der Wiedergeburt von Earth als Zeitlupencountrydoomband mit "Hex; Or Printing In The Infernal Method" drei Jahre zuvor.

Auch hier bestimmen der Twang von Dylan Carlsons Wüstengitarre und der verlangsamte Swing von Adrianne Davies den Sound. Wo sich "Hex" allerdings über ihren Minimalismus hinaus sehr sparsam zeigte - was auch die zentrale Stärke jene Albums ist -, reichert "Bees" die Klangpalette um weitere Farbtöne an.

Maßgeblich dafür verantwortlich sind vor allem Steve Moore, der mit Klavier und Orgeln sehr deutliche Akzente setzt, sowie das Spiel der Jazzgitarrengröße Bill Frisell, der auf einigen Tracks als Gast zu hören ist.

Frisell ist mir vor allem als Mitglied von John Zorns Naked City, deren erstes Werk aus dem Jahr 1990 für mich nach all den Jahren immer noch ein Allzeitfavorit für die Insel ist.
Womit auch schon die Brücke zu "The Bees Made Honay In The Lion's Skull" geschlagen wäre.

Nun kenne ich das Earth-Album zwar bei weitem nicht so lange, war mir jedoch nach ein paar - anfangs noch nicht so aufmerksamen - Durchläufen im Klaren, dass es erhebliches Ewigkeitspotential besitzt.

Und spätestens jetzt weiß ich, dass die entspannt epischen und staubtrocken majestätischen Instrumentalstücke von "Bees" zum Größten gehört, was die Dunstkreisschnittmenge von Drone, Doom und Psycheledic Rock je hervor gebracht hat.

Es ist ein Album, welches sehr vom Vinyl-Tonträger profitiert. Ich habe beinahe das Gefühl, andere Aufnahmen als auf CD zu hören, so viel reicher und voller klingt es unter der Nadel. Und ja, dies gilt tatsächlich auch für die bienenflügeltransparente Version, die ich mir zugelegt habe:


 

Neben der hübschen Aufmachung und dem tollen Klang trumpft die Schallplattenversion auch mit einem Bonustrack nach dem Titelsong auf Seite D. "Junkyard Priest" steht dem restlichen Album in nichts nach - und zeigt, dass Moore neben den Tasten auch die Posaune zu bedienen weiß.


Im Southern Lord-Katalog steht "The Bees Made Honey In The Lion's Skull" für mich ganz klar auf einer Stufe mit "Monoliths & Dimensions" von Sunn O))).

Absolute doompsychcountrydesertrockdronejazzsaucoole Perfektion in makelloser Neuauflage.



Highlights: Miami Morning Coming Down II (Shine), The Bees Made Honey In The Lion's Skull, Oments and Portens I: The Driver



2018-08-21

MOURNFUL CONGREGATION - The Incubus Of Karma

"A Picture Of The Devouring Gloom Devouring The Spheres Of Being"

With a song title like this on it an album has already won. End of review.




No? Ok, let's do this.


MOURNFUL CONGREGATION - The Incubus Of Karma (CD) (2018)

Whenever you are getting into a new music genre, my personal advice would always be: Pace yourself! Don't overwhelm your capacity to absorb with all important artists and classics at once, but take the time to actually enjoy and explore each invidual work of art on its own.

And if there is one subgenre in particular, which makes it extremely easy to be discovered slowly, then it has to be funeral doom. I've been aware of this especially slow, solemn and sorrowful brand of doom for a couple of years now, but when you're discovering the most important players mainly by their recent releases, it can take quite a while to get them all together.
The reason is simple: apart from the music often being emotionally demanding, composing long crawling songs just takes fucking time. Even without even considering the creative process: How many playthroughs through one epic are possible during one rehearsal?

So funeral doom bands tend to take their time between the releases of albums. Not always six years like Loss before "Horizonless" - or even seven like Skepticism before "Ordeal", but you can see the tendency.

This March Australia's Mournful Congregation returned after four years with "The Incubus Of Karma". And even though I'm unfamiliar with the previous output of their career, which already spans a respectable quarter-century, all I can say is: Boy, did they use this time good!

The album consists of six tracks. The four "full" songs are each between fifteen and twenty-two minutes long. Only the two instrumentals, one of them being the intro "The Indwelling Ascend" and the other the title track come significantly shorter with three resp. six minutes length.

The overall tone and atmosphere is very similar to the herein before mentioned groups, yet apart from the sheer songwriting craft there a a couple of specifics which have to be mentioned:

The sparse and precise drumming. On the whole album Tim Call doesn't play one single hit too much, demonstrating an absolute mastery of musical economics. You simply cannot play the drums more on point. The rhythm work of Mournful Congregation is on par with the greatest slow motion players out there.

The vocals. The guttural ultra-deep growling is quite typical for the genre and nothing overly special in itself, but the way the production handles it is just perfect. In the spirit of classic death metal production fails like Possessed's "Seven Churches" the grunts are drained in reverb and technically way too loud. They seem to muffle and push the music away under them. However this is done with intent and in exactly the right extent, which makes it a brilliant effect.

And last but not at all least the element which elevates this album above almost everything else you'll hear this year - and I'm not only restricting this to doom or metal: Lead guitars.
The lead guitar harmonies of Damon Good and Justin Hartwig are just sonic gold.The title track "The Incubus Of Karma" for example sounds like Chuck Schuldiner interpreting an Omar Rodriguez Lopez tune.
But there are magnificent melodic crescendos all over the album and when those are ascending out of the hopeless existential void, they carry so much beauty, bliss and majesty, it's almost an overload of pure emotion.

And before you ask: The most amazing leads can of course be found in the longest song, which is also the grand finale and highlight of the whole album. And of course that is "A Picture Of The Devouring Gloom Devouring The Spheres Of Being".


Mournful Congregation have created a masterpiece here. This album will surely find its way to the top of many best-of-the-year lists. And it deserves it.

Funeral doom perfection.




Highlights: A Picture Of The Devouring Gloom Devouring The Spheres Of Being, Scripture Of Exaltation And Punishment, The Rubaiyat



SWANS - Die Tür Ist Zu (Reissue)

Das extrem ähnliche Coverartwork verrät bereits, dass "Die Tür Ist Zu" einen Bezug zu "Soundtracks For The Blind", dem wohl sperrigsten und düsterstem Swans-Album - und letztem Studiowerk vor der Neuformierung viele Jahre später -, haben muss.
Tatsächlich war die "EP" (55 Minuten Spielzeit!) ein 1996 exklusiv nur in Deutschland auf CD erschienener Vorgeschmack auf das Album.

Die "Soundtracks" sind gerade erstmals überhaupt als Schallplatte veröffentlicht worden. Bei der ziemlich kostspieligen 4-LP-Box (plus happiger Übersee-Versand) passe ich aber mal. Da muss die originale Doppel-CD doch weiterhin reichen.
Die parallele erstmalige Vinylausgabe von "Die Tür Ist Zu" allerdings mochte ich mir nicht verkneifen.




SWANS - Die Tür Ist Zu (2LP) (1996/2018)

Warum diese Veröffentlichung als EP firmiert, wird schnell klar, ist es doch die zunächst einmal leicht nach Resterampe riechende Mischung aus neuen Tracks, Outtakes und Liveaufnahmen bekannter Stücke, die halt typischen Minialbumcharakter hat.

Das Kernstück ist ganz klar "Hilflos Kind", eine frühere, deutschsprachige Version des späteren Albumtracks "Helpless Child", welche mit dem vorangestellten langen Drone-Intro "Ligeti's Breath" zu einem zweiundzwanzigminütigem Monstrum anwächst.
Und wie mächtig geil das auf Platte klingt! Nein, man kann bei den Swans nicht abstreiten, dass das Medium Schallplatte das Hörerlebnis stets verbessert.

"Ich sehe die alle in einer Reihe", die hölzern betitelte Vorschau auf "All Lined Up" ist da mit knapp fünf Minuten schon kompakter. Michael Giras Akzent ist irgendwie putzig, irgendwie verstörend. Beide deutschsprachigen Songs sind schon seltsam. Aber das gute seltsam.

Danach geht es englisch und zum Teil auch mit Jarboe am Mikrofon weiter. Spätere Versionen von "Surrogate Drones" und "YRP" haben es dann auch unter die sechsundzwanzig Tracks auf "Soundtracks For The Blind" geschafft. Vielleicht wusste Gira hier noch gar nicht, was für eine wilde, aus allen möglichen Quellen zusammengeflickte Collage jenes monolithische Album werden würde.

Für mich ist es natürlich schön, zumindest diese Tracks nun auch auf Vinyl hören zu können. Und dann sind da ja auch noch die Livetracks, von denen vor allem die Unplugged-Version von "M/F" (Studioversion auf "Great Annihilator", welches ja auch vor einiger Zeit in remasterter Form wiederveröffentlicht wurde) bemerkenswert ist.

Für ganze vier LP-Seiten reicht der Inhalt von "Die Tür Ist Zu" nicht. Deswegen gibt es auf Seite D stattdessen ein vom Meister selbst gestaltetes Spiral-Edging.




Insgesamt ein super Ding, das man sich vor allem als deutscher Swans-Fan gönnen sollte. Es sei denn, man braucht das Geld stattdessen für "Soundtracks" natürlich.


Highlights: Ligeti's Breath / Hilflos Kind, Soundsection, M/F



2018-08-20

FUTUROPACO - Futuropaco

Wenn es eine Plattenfirma auf der Welt gibt, welche leichtes Spiel dabei hat, mir Neben- oder Soloprojekte von Musikern, die ich vorher noch gar nicht kannte, zu verkaufen, dann ist es wohl El Paraiso Records. Förderlich ist dabei natürlich, dass man die im Stile klassischer Jazz-Labels von Jakob Skøtt ästhetisch stringent gestalteten Alben des Causa Sui-Labels eigentlich alle gerne im Regal stehen hätte.

Futuropacos selbstbetiteltes Debüt war wieder so ein Fall, wo ich sofort in der Hoffnung, dass die Musik des Covers würdig sein möge, in den Promotrack reinhören musste. Und bald darauf war das Ding dann natürlich auch bestellt.




FUTUROPACO - Futuropaco (3 color striped vinyl) (2018)

Futuropaco ist das Soloprojekt von Justin Pinkerton, der mir theoretisch über ein paar Brücken auch schon hätte bekannt sein können. Nicht für seine hauptberufliche Komponistentätigkeit; der Kalifornier produziert in erster Linie library music, die für die Verwendung in Film, Fernsehen, Radio, Werbung vorgesehen ist.
Allerdings bin ich ja Roadburn-Gänger, habe dort Earthless kennengelernt und hätte mich ja auch mit der zweiten Band von Gitarrist Isaiah Mitchell beschäftigen können. In jener Psychedelic Rock-Gruppe Golden Void nämlich ist Pinkerton der Schlagzeuger.

Beides - der Beruf, sowie die eigentliche musikalische Heimat hinterm Drumkit - ist in Futuropaco deutlich zu erkennen.

Acht von neun Tracks werden von flotten Grooves vorangetrieben, in denen der Multiinstrumentalist zwischen "Funky Drummer" und Krautrock-Robotik eskaliert.

Der filmmusikalische Anteil tanzt in oft einfachen, aber effektiven Melodien aus Analogsynthesizern oder Glockenspiel darüber. Das Hauptmerkmal jener Melodien ist allerdings - nach Ansicht der Songtitel keine große Überraschung - ihr unzweifelhaft italienischer Charakter. Zwar mit Spaß am Klischee, aber dabei stets stilvoll präsentiert, decken sie quasi alle südlich der Alpen erfahrbaren Stimmungen vom Picknick in der Toscana bis zum Morricone-Showdown ab.

Fehlen nur noch Orgeln, Bass und extrafuzzige Gitarrenriffs, alles ebenfalls von Pinkerton eingespielt - und fertig ist der in seiner Zusammenstellung höchst frisch und originell klingende Stil, für den der Herr Kritiker natürlich eine griffige Schublade finden muss. Ich sage mal:

Fuzzadelic Spaghetti Fusion




Yup, das ist es.

Die meisten Stücke auf "Futuropaco" funktionieren dabei im Prinzip ähnlich, als etwa vierminütige, einem Strophe-Refrain-Aufbau folgende Ohrwürmer.
Das macht dieses Album zu einem leicht verdaulichen Hörerlebnis, was aus meiner Feder nicht unbedingt ein positives Atrribut sein muss, ich weiß. In diesem Fall ist es das aber, dafür sorgt schon die hier trotz der teils panischen Drums ausgestrahlte Lässigkeit des Ganzen.
"Futuropaco" ist cooles, eigenwilliges Psychedelic-Album, welches mit 38 Minuten Spielzeit zwar nicht gigantisch groß ist, jedoch für das was es sein möchte, genau das richtige Format besitzt.

Was mir immer gut gefällt, ist wenn eine Platte mit ihren stärksten Tracks abschließt.
In diesem Fall ist es das Doppel aus "Re Di Menzogne" und "Ballare Sulla Tua Tomba". Der erste davon enthält als einziger Song einen Gastmusikerbeitrag. Saxophonist Phillip Greenlief sorgt hier für den jazzigsten Touch des Albums, während "Ballare" als einzige Nummer ohne treibenden Beat so etwas wie die Abspannmusik darstellt, d.h. Justin Pinkerton switcht hier vollkommen in den Soundtrackmodus.


Das Artwork lobte ich ja bereits. Und auch das Vinyl weiß klanglich und optisch wie gewohnt zu überzeugen:



Fazit: Just another day in the office at El Paraiso Records. Haha.





Highlights: Re Di Menogne, Ballare Sulla Tua, Tomba, Bambino Tiranno, Fuoco Palude




2018-08-14

CHELSEA WOLFE + PETER WOLFF live im Kampnagel, Hamburg (12.08.2018)

Chelsea Wolfe


Freitag vor dem Konzert des Sun Ra Arkestra kühlte ich mir mit einer Afri Cola den Ellbogen, nachdem mich im "Avant-Garten" des Kampnagel Kulturfabrik eine Bremse gestochen hatte.

Zwei Tage später nutze ich auf der Hinfahrt zum Konzert von Chelsea Wolfe trotz im Vergleich zu den vorigen Wochen relativ frischem Wetter die Klimaanlage im Auto, immer noch, um meinen heißen Arm zu kühlen.

Montag morgen dachte ich zunächst, der Scheiß wäre durch, da Schwellung und Rumgeeitere sich zurückgezogen hatte, doch dafür streuten nun Schmerzen bis zur Schulter und in die Finger. Nun sitze ich also hier, muss planmäßig noch neun Tage lang Antibiotika nehmen und darf meinen rechten Arm eigentlich möglichst gar nicht belasten oder benutzen. Im Grunde ist also schon böse, diesen Konzertbericht zu schreiben. Ich fasse mich also kurz.

Es gibt also leider keine Gourmetkritik des kampnagel-internen Restaurants "Peacetanbul", in dem wir bis zum Einlass noch gespeist haben. Dabei ist der Fraß wirklich gut.



Der Konzertabend, genau wie Freitag wieder im KMH, begann mit dem namentlich passenden Supportact Peter Wolff. Fehlte ja nur noch Anna von Hausswolff als Co-Headliner.

Wolff, während dessen Auftritt es für meine Spielzeugkamera komplett zu dunkel war (also keine Fotos), bestritt alleine ein hauptsächlich von elektronischem Brummgefurze und sparsamem, elegischen Klavier geprägten Auftritt. Die soundtrackartige Musik zwischen Dark Ambient, Drone und gelegentlichen Klassikeinflüssen, war nicht gerade tanzbar partytaugliche Kost, aber für Chelsea Wolfe eine durchaus passende atmosphärische Hinführung, welche von ihrem Publikum auch erwartungsgemäß unbanausig aufgenommen wurde.
Nur wann genau man am besten klatscht, ist bei solcherlei Aufführungen natürlich immer noch ein ungelöstes Rätsel. Gute Musik war es auf jeden Fall.



Chelsea Wolfe


Chelsea Wolfe kam, sah und herrschte.

Dank nur seitlich und von hinten angestrahlter Bühne fast nur als Silhouette auf zehn Meter hohen Plateaus zu sehen, ließ die Königin der Dunkelheit schon mit dem Opener "Carrion Flowers" von "Abyss" keinen Zweifel über die Route des Abends aufkommen.
Dröhnend, pulsierend, ranzig, heavy - und kraft ihrer Stimme doch auch immer geisterhaft schwebend und unheilvoll betörend.

Es standen noch mehr "Abyss"-Tracks auf dem Programm, mit "Demons" und "Feral Love" auch zwei ältere Stücke, vor allem aber natürlich der schwer groovende Gothicdüstermetal des aktuellen 2017er-Albums "Hiss Spun".

Dass Wolfe - ob nun mit oder ohne ihre fabelhafte aktuelle Liveband, die mich ja auch schon auf dem letztjährigen Roadburn Festival überzeugt hatte - irgendwann wieder ins eher stillere, darkfolkloristische Fach zurückkehren wird, kann und darf man sicherlich nicht ausschließen.
Im Moment jedoch scheint sie die direkte, brutale Linie ihrer Performances noch in vollen Zügen auszukosten.

Und spätestens nachdem sie sich im schweißtreibenden Finale "Scrape" sirenenartig heulend an den Bühnenrand - und beinahe ins Publikum - geworfen hatte, war das wohl auch dem letzten Besucher klar.


"I don’t want to be dramatic but I would die for her" oder "I'd destroy nations at her command" sind unter YouTube-Videos von Chelsea Wolfe ja ganz alltägliche Gefühlsregungen.
In Hamburg hat sie sicherlich wieder neue potentielle Weltenzerstörer hinzugewonnen.

Wir hoffen besser alle, dass sie die große Macht zu ihren Füßen auch in Zukunft stets mit Verantwortung nutzt.


































2018-08-12

SUN RA ARKESTRA live im Kampnagel, Hamburg (10.08.2018)

Sun Ra Arkestra


Aus dem 1 x 1 der Clubkonzertkultur:

Ist der Saal bestuhlt, wird während des Konzerts gesessen. Gibt es keine Stühle, so steht man.

Hamburg, Freitag, weit nach zehn Uhr im Kampnagel, es ist ein sehr spätes Konzert, zu dem ich viel zu früh erschienen bin. Nach langer Wartezeit vor der Saaltür begebe ich mich direkt an die Bühne. Die anderen Erste-Reihe-Streber machen Sit-In auf dem Boden. Dann zwei Leute mit von irgendwo mitgebrachtem Stuhl. Das kann nicht gutgehen. Ich stehe schon, der Typ fragt mich, ob ich das Konzert über stehen werde. Ja, was denn sonst?

Schließlich kommt der erste Bühnenebel, die sitzenden Besucher stehen auf und hinter beginnt ein Trottel, sich darüber aufzuregen. Alter, was suchen diese Figuren auf Konzertveranstaltungen?

Jazz, ey. Das ist das Blöde an der Musik.



Ich erinnerte mich zum Glück noch einigermaßen, wie Konzerte funktionieren, obwohl mein letztes ja auch schon ewig her gewesen war. Abgesehen vom Roadburn Festival waren da eigentlich nur meine beiden eigenen Shows im Mai. Es hat mich zwischenzeitlich ein paar Mal gejuckt, aber letztendlich war dann doch immer etwas anderes. Und irgendwie verlangt man nach einer Weile auch, dass diese Pause mit einem richtigen Knaller enden muss. Wie gut, dass ich, während ich mein Kamasi Washington-Review schrieb, recht kurzfristig noch entdeckt hatte, dass das Sun Ra Arkestra ja immer noch live spielt. Und dass eine jener nicht mehr allzu zahlreichen Europashows ausgerechnet in Hamburg bevorstand. Sauber!


Sun Ra Arkestra


Der Meister selbst, mysteriöser Schöpfer des Afrofuturismus, weilt ja seit den frühen Neunzigern nicht mehr unter uns und hat die Rolle des Big-Band-Leaders somit an seinen langjährigen Saxophonisten Marshall Allan abgegeben. Der bereits vierundneunzigjährige Musiker spielt seit 1958 in der Band. Überhaupt ist in dem heute zwölfköpfigen Ensemble (es konnten wohl nicht ganz alle kommen) kaum jemand dabei, der sich nicht schon seit Jahrzehnten legendären Status erspielt hat.

Was die betagten Heeren in ihren glitzernd bunten afrikanisch-interstellaren Bühnenoutfits (plus die glamourös fabulöse Tara Middleton am Mikrofon) in den brühend warmen, ausverkauften Raum gefeuert haben, war unfassbar. Fast die ganze Zeit auf Anschlag im Whiplash-Tempo, bei dem die Rolle des zweiten Perkussionisten hauptsächlich darin bestand, mit der Standtom einigermaßen die Ordung zu halten, fegte das Arkestra durch ein sicher über zweistündiges Set, voller irrer, gerne an der Harmoniegrenze tanzender Improvisationen.
Ruhepausen gab es nur wenn ein Basssolo oder Klavierzwischenspiel anstanden oder es bei einem bluesigen Thema zumindest relativ etwas gemächlicher zuging.

Es ist unmöglich, hier alles herauszustellen, was an diesem Konzert musikalisch herausstach.
Ich stand am Bühnenrand (hier auf Spiegel Online festgehalten, haha), direkt mit der Nase zum Saxophonistentrio aus Allan, James Stewart und Knoel Scott, und alleine was diese drei, die sich in der Praxis auch die Leitung der Band auf der Bühne aufzuteilen scheinen, dem hamburger Publikum boten, sprengt hier schon jeden Rahmen.

Marshall Allans schrille hohe Soli dürften sicherlich John Zorn maßgeblich beeinflusst haben. Überhaupt, wen haben diese Typen nicht beeinflusst? Ein Großteil der Musiker des Sun Ra Arkestra macht diesen Scheiß schon länger, als es die meisten Musikgenres, die ich höre, überhaupt gibt.
Und dann hat er natürlich noch dieses super skurrile elektrische Blasinstrument mit Modulationsrad, welches ihm erlaubt in Sekundenschnelle von allerhöchsten zu dröhend tiefen Frequenzen zu wechseln. Da die Position von Sun Ra selbst in der Band bewusst vakant gelassen wurde, ist dies neben der Gitarre auch die Hauptquelle für spacig abgefahrene Sounds.

Auch Urmitglied Scott ist eine Show für sich. Spielt sich auf Saxophone und Conga in Trance, singt und begibt sich in der zweiten Showhälfte irgendwann zum rechten Bühnenrand, wo er wie ein Irrwisch zum Afrobeat den Space Dance tanzt. Als er zu seinem Platz zurückkehrt und sich gleich wie ein besessener die Trommel schnappt, muss sogar Stewart schon über den Übereifer lachen.

Das ist neben dem physikalischen Wunder, wo zum Teufel diese Musiker bei dem Klima ihre Kondition herzaubern (Jupiter, Herkunftsplanet Sun Ras, ist wahrscheinlich die Antwort), überhaupt das zentrale Element der kompletten Show: dieses intergalaktische Dutzend hat einen unbändigen Spaß an der Sache, der absolut ansteckend ist.
Und wie er sich nicht nur in Polonaisen durchs Publikum, sondern auch musikalisch in den Freejazz-Eskapaden der Band manifestierte, das machte das Konzert für mich zu einer der verrücktesten, außerirdischsten Performances, die ich je gesehen habe.

Das Sun Ra Arkestra live zu erleben, das steht für mich auf derselben Augen öffnenden bucket list wie Magma, Sunn O))), Laibach, Swans. Legendär ohne Ende.


Es bleiben zwar kleine Fragen (Warum hatte Tara Middleton ihre Geige nicht dabei? Warum spielte Farid Abdul-Bari Barron im letzten Drittel nur noch sporadisch Klavier? Ich vermute, die Pedale waren defekt.), doch das ändert alles natürlich keinen Millimeter an der Höchstnote für dieses Liveerlebnis.

T-Shirts in ein, zwei Größen voluminöser wären noch nett gewesen. Ich war so verschwitzt, dass ich nicht darauf verzichten konnte, aber es ist schon eine ziemliche Wurstpelle für mich, haha.


Heute Abend geht es schon wieder Richtung Kampnagel, selbe Bühne im relativ kleinen KMH. Die Königin der Dunkelheit, Chelsea Wolffe, bittet zur Audienz. Da bin ich doch mal gespannt, wie sie mich aus meiner aktuellen Jazz mood herauskicken wird.