WORLD PEACE CORPORATION - Prosperity

Months and months... and months and multiple errors in the pressing plant... it was a long wait of almost a year since preordering this debut album. But maybe nomen est omen and that's not really a surprise in hindsight. Having "World Peace" in your band name in these troubled times... I don't know, it's not what our dear global leaders and their cult followers want.

WORLD PEACE CORPORATION - Prosperity (clear vinyl LP) (2025/2026)

Luckily "Prosperity" still feels fresh to me depsite the long wait, because I just decided not to listen to my digital copy until the transparent wax would arrive. And with very few exceptions I stayed strong and stuck to that. But a couple of weeks ago the postman finally brought the record, so I can finally properly dive into World Peace Corporation's meditation on "Understanding Authority" (side A) and "Facilitating Unity" (side B).

World Peace Corporation is the Swedisch/Dutch duo of Mark Bouwman and Dead Neanderthals' Otto Kokke. Their debut is a pure Drone release, fabricated with guitar and synths.

Each side contains one unbroken breathing, oscillating, booming piece with a tone that mixes Sunn O))) Drone Metal with mighty organ sounds and a pinch of Electronic buzz. Admittedly I'm not even sure if the latter is always actually there or just manifest as a psychic resonance between my brain and the tinnitus in my right ear. But with good Drone (or also Ambient) the listener's mind often does half the work. It's tasteful, with just enough action in its slow progressions to keep you engaged while you're also drifting away.

In its second half the album even surprises with some unexpected annavonhausswolffish beauty. "Prosperity" has a very satisfying sound which vibrates just in the right spots.

A great Drone, comparable to (and at least as good as) Dead Neanderthals' collaboration with Machinefabriek as DNMF on "Smelter" from 2018. Prosperous!

GLIMMEN - Quatre

Es glimmt wieder! Und ohne den musikalischen Gehalt des neuen Scheibe von Glimmen damit auch nur im Geringsten abzuwerten, muss diese Rezension einfach mit den Äußerlichkeiten beginnen. Denn wow... Was! Für! Eine! Schönheit!

GLIMMEN - Quatre (LP) (2026)

Ok, die wenigen in Europa direkt von Trommler Jörg Schneider erhältlichen Exemplare der auf insgesamt hundert Stück limitierten LP des transatlantischen Projekts rund um Multiintrumentalist Jason Wietlispach dürften alle sehr bald ihre glücklichen Besitzer gefunden haben und danach nur schwer und teuer zu bekommen sein. Von daher werden einige Zuspätkommer sich wahrscheinlich mit dem Bandcamp-Download begnügen müssen. Dennoch sind Alben wie dieses Paradebeispiele für den Mehrwert, den das visuelle und haptische Erleben eines physischen Tonträgers gegenüber rein digitaler Musik darstellt.

Jedes einzelne Exemplar des Gatefoldcovers ist ein individuelles von Wietlispach aus historischen Zeitunge, Zeitschriften, Büchern persönlich angefertigtes Collagen-Kunstwerk, hier und da mit einander ähnelnden Themen und Motiven und doch absolut eigen.

Selbstverteidigung, Fitness, Medizin, Waffen und jede Menge Clowns stehen (nicht nur) bei meinem Einzelstück im Mittelpunkt, dazu Texte auf Englisch, Französisch und Gujarati... und anders als noch beim ähnlich gestalteten 2023er Werk "DOS" ist die Hülle diesmal auch tatsächlich als solche funktionsfähig. Darüber hinaus ist die ganze Ausführung sauberer geraten - Übung macht den Meister - und mit einer mit aufklappbaren Kunststoffhülle sicher geschützt.
Dazu gibt es ein original historische Postkarte - bei mir mit einem Motiv aus den Rocky Mountains - mit hinten aufgeklebter Tracklist + Credits.

Alles in allem einfach eine wunderbare liebevolle Gestaltung. Ich könnte nicht zufriedener sein.

Und dann ist da natürlich die gewohnt großartige Musik! In einer vielschichtigen Melange aus zart mäandernden bis laut lärmenden Gitarren, Vibrafon, Klavier und elektronischen Elementen, gefühlvollen Bläsern, beinahe wie in einem ekstatischen Ritual herumwirbelnden, aber dabei niemals ziellosen Drums und stabil alles von unten zusammenhaltendem Kontrabass zelebrieren Glimmen die Gleichzeitigkeit von Meditation und Chaos, von tiefer Introspektive und stürmischem Ausdruck. Zwischen Albert Ayler, The Necks und Swans spannt das Septett bewegende Bögen von Spiritual Jazz und freier Improvisation, über Ambient und Drone bis zum Noise Rock.

Knapp vierzig Minuten Spielzeit, unterteilt in sieben Tracks, sind genau die richtige Länge, um sich in einem Rutsch von diesem perfekten dynamischen Rausch hinwegtragen zu lassen.

Auch ohne die äußeren Schauwerte bestätigen Glimmen wieder einmal eindrucksvoll, warum sie neben Roji wohl mein Lieblingsprojekt in der ständig weiter auswuchernden Diskographie Jörg Schneiders sind. Und "Quatre" als Gesamptpaket... hach, was soll ich noch sagen, so ein Ding hilft doch ungemein, die eigene Vinylsucht vor sich selbst zu verteidigen. 

YOUN SUN NAH live in der Laeiszhalle, Hamburg (17. März 2026) / YOUN SUN NAH - Lost Pieces

Nach der Wiederholung von Jo Quail und Corecass vergangene Woche war Dienstag schon wieder eine Déjà Vu-Veranstaltung angesagt:

Youn Sun Nah im Kleinen Saal der Laeiszhalle; das hatte ich doch gerade erst vor zwei Jahren an meinem Geburtstag erlebt! Die beiden Auftritte der koreanischen Jazzsängerin unterschieden sich allerdings - zum Glück aber nicht qualitativ - erheblich voneinander.

Obwohl ich mein Ticket diesmal Monate später bestellt hatte, war für mich als Solo-Konzertgänger immer noch eine Lücke in der ersten Reihe freigehalten worden, von wo aus schon der kürzeste Blick auf die Bühne genügte, um die komplett andere instrumentale Aufstellung zu registrieren. Letztes Mal war ja nur Bojan Z. am Flügel und Rhodes Piano mit von der Partie gewesen, diese Tour wurde nun jedoch als Quartett mit Drums, Kontrabass und elektrischer Gitarre bestritten.

Auch die Songauswahl war eine andere. Wo 2024 das Coveralbum "Elles" vorgestellt wurde, lag der Schwerpunkt nun auf dem eigenen Material des aktuellen Albums "Lost Pieces".

Begründet auf einzelnen Alben ihrer Diskographie lehnen Teile der Jazzpolizei Youn Sun Nah ja als zu poppig ab. Sagen sie zumindest. Vielleicht mögen die Wächter der elitären Reinheit an ihr aber in Wirklichkeit nicht, dass sie zwar furchtlos experimentelle, anspruchsvolle und stilistisch weltumspannende musikalische Ideen verarbeitet, sie jedoch dermaßen zugänglich verpackt, dass kaum einem Hörer eine Hürde aufgestellt wird. Egal, wie die Grenzen zwischen nah- und fernöstlichen, Latin- oder Blues-Einflüssen in ihren Songs verschwimmen, egal ob es mal metrisch oder gesanglich etwas verrückter wird - man muss sich die Musik nicht erarbeiten.

Zum großen Teil liegt dies natürlich an der Sängerin selbst, die mit sympathischer Ausstrahlung und unglaublich präziser Stimmkontrolle bei zugleich maximaler spielerischer Freude von einem kreativen Höhepunkt zum nächsten gleitet. Ebenso virtuos und eigenwillig knapp neben der kontemporären Jazz-Norm bewegten sich auch ihre Musiker, die in beinahe jedem Stücken von sich zeigten, egal ob es der zwischen Besen, Sticks, Mallets und Händen wechselnde Schlagzeuger war, der zupfende und streichende Bassist oder der mit seinem Spiel am weitesten ins Rockmusikalische vorstoßende Gitarrist.

In dem großteils sehr intimen Set, welches klanglich so brilliant präsentiert wurde, dass die "Arbeits-" und Nebengeräusche sowohl der Stimme als auch der Instrumente genauso wichtig wie ihre eigentliche Performance erschienen, gab es kaum ein Stück, das man nicht hervorheben könnte.
Besonders in Erinnung blieben mir allerdings das rhythmisch interessante "I Run. I Stay", Sun Nah's Solonummer, bei der sie sich auf der Minidrehorgel (für die es sicherlich eine mir nicht geläufige korrekte Bezeichnung gibt) selbst begleitete, ein langes wildes Duett zwischen Stimme und Schlagzeug, sowie die mit sehr viel Gänsehaut-Gitarren-Ambient-Atmosphäre vorgetragene Version des koreanischen Volksliedes "Arirang" als Zugabe.

Eine außerirdisch grandiose Sängerin mit fantastischer Band sorgten für neunzig rundum glückliche Minuten. Ein wunderbares Konzert.

Wenn wir schon hier versammelt sind, frühstücken wir doch auch gleich schnell das obligatorische Mitbringsel aus dem Merchpalast (in der Laeiszhalle ist ja alles etwas gehobener) ab:

YOUN SUN NAH - Lost Pieces (CD) (2026)

Dass mir die elf Stücke auf "Lost Pieces" grundsätzlich gefallen, dürften weiter oben ja schon zwischen den Zeilen erkennbar gewesen sein, ebenso welche externen Einflüsse Youn Sun Nah in ihre Jazzkompositionen webt. Die intime Atmosphäre, der unbereinigte und doch glasklare Klang der Instrumente, die originellen, eigene Identität stiftenden Details... vieles in der Studioversion bewegt sich nahe an der Magie der Livedarbietung.

Der Hauptunterschied ist der größere, texturenreichere Sound mit mehr Youn Sun Nah in Harmonie mit sich selbst und einer Vielzahl zusätzlicher Instrumente von Klavier, Orgel, Keyboard über E-Bass zu Streichern, Bläsern und Marimba sowie Vibrafon.
Das macht die Musik - wie schon bei früheren Alben - im Vergleich zur Liveshow zu einem sicherlich etwas glatteren, poppigeren Erlebnis. Allerdings noch längst nicht wirlich zu Pop - und schlechter definitiv auch nicht.

Nein, tatsächlich übertrifft dieses kleine, feine, wunderschöne Werk meine Erwartungen sogar ganz entspannt. 2026 ist - ich sagte es anderswo schon - anscheinend ein wirklich gutes Jahr für den Jazz-Anteil meiner Musiksammlung.
 

SABA ALIZADEH - Rituals Of The Last Dawn

"This album is my offering

To every sunrise that lifts us,

To every sunset that humbles us,

To the fragile beauty of each passing light we live to witness,

And to the countless souls

Whose dawns and dusks

Were stolen by cruel wars."

SABA ALIZADEH - Rituals Of The Last Dawn (LP) (2026)

I'm trying to diet concerning live shows and new music purchases right now, but it's not always easy. And here's the one temptation of last week's Bandcamp Friday I couldn't possibly resist, because it immediately spoke to me so strongly.

On his fourth album Iranian kamancheh virtuoso and Experimental musician Saba Alizadeh returns to Karlrecords, where he released his debut "Scattered Memories", an astounding tribute to the city of Tehran. He continued with two albums on 30M Records, his most introspective and Avantgarde work "I May Never See You Again" and - inspired by the brutally shattered Woman Life Peace movement -"Temple Of Hope". Now once again he comes with high ambitions, yet an actually less tangible conceptual foundation than on these predecessors - albeit with all the more power of both raw and complex immersive expression.

"Rituals Of The Last Dawn" consists of two long-form pieces recorded in the Netherlands and Belgium, "First Ritual" and "Last Ritual", each conceived with one musical partner: Pietro Caramelli on guitar and electronics on side A and Liew Niyomkam on lap steel guitar and electronics on side B.
Most of their contribution lies in providing a deeply atmospheric Ambient backdrop and congenial accompaniment to Alizadeh, who fully concentrates on pouring out his soul through the spike fiddle.

The resulting music delivers what the artist's dedication on the albums's backcover promised. This is the sound of concurrent tears and joy, devastation and hope in the face of cruelty and grace, small incidents and overarching fate, a prism and kaleidoscopic mirror of every aspect of the human experience the listener might put into it.

And that's ultimately one of the greatest gifts music has to offer: To be a voice beyond the limits of verbal communication or even formulated thought. Through the rich viola-like wail and metallic overtone of its steel strings Alizadeh's Persian instrument just speaks directly to the heart with an emotional truth and intensity you far from encounter on a daily basis.

Through light and dark you can fully entrust yourself to these rituals of unbounded beauty!

JO QUAIL und CORECASS live im Hafenklang, Hamburg (09. März 2026)

Déjà-vu! Damals war es zwar im Erdgeschoss statt oben im Goldenen Salon gewesen, doch genau diese Künstlerkonstellation hatte schon einmal im November 2023 das Hafenklang beglückt. Corecass kehrten dann ein Jahr später für ihre Albumpremiere zurück und begegneten mir zuletzt vor nicht einmal vier Monaten im Vorprogramm von Mono im Knust.
Und die heutige Headlinerin hatte ich tatsächlich 2019 gemeinsam auf der Bühne mit Mono und später ebenfalls als Support der japanischen Post-Rock-Monumentalisten kennengelernt. Die Welt ist anscheinend  echt winzig.

Nein, von einem radikalen Ausbruch aus meiner Komfortzone konnte an diesem Montagabend wahrhaftig nicht die Rede sein. Ist ja auch nicht schlimm. Dafür gibt es zur Abwechslung diesmal keine Bilder meiner Digital Harinezumi-Spielzeugkamera, die ich schlicht zu Hause vergessen hatte. Immerhin hatte ich für sie Ersatzbatterien dabei. Und zum Ausgleich habe ich immerhin ein paar GIFs aus meinem Smartphonegeknipse gebastelt. Yay!

CORECASS

An dieser Stelle könnte ich im Grunde schon copypasten. Das vierte Corecass-Konzert innerhalb von wenigen Jahren, stets mit Meisterin Elinor Lüdde an Keyboard, Harfe, Elektronik und Gesangsmikrofon, begleitet von ihrem Mitmusiker an Bass, Gitarre und Basspedalen, und mit ähnlichem Programm. Also ein - sehen wir einmal von einer technischen Schwierigkeit ab, die einen Track unfreiwillig aus der Setlist kickte - ziemlich ähnliches, man könnte auch sagen verlässliches Erlebnis zwischen Dark Ambient, Drone, minimalistischer Neoklassik und gegen Ende aus scheinbar weiter Ferne herüberdröhnendem Black Metal.

Nach der etwas zu unterkühlt wirkenden Show vergangenen November schrieb ich zwar, dass ich mir "zukünftig irgendwie schon - entweder minimalistischer oder unter Hinzunahme eines weiteren Musikers - eine direktere, klanglich nähere, mehr auf die tatsächlich live gespielten Anteile fokussierte Darbietung wünschen" würde; diesmal gelang es mir allerdings, vielleicht durch den intimeren Rahmen, wieder deutlich besser, in die emotionale Tiefe der Musik hinabzutauchen. Schön.

JO QUAIL

Auch bei Jo Quail war vieles sehr vertraut: Das unverwechselbare elektrische Cello mit dem geschweißten Ständer inklusive JQ-Logo. Das achtzehnhundertirgendwann geborene, knorrige alte akustische Cello namens Ferdinand im Hintergrund, sowie die beiden illuminierten Metallflammenskulpturen, die den Rest der Bühne weniger leer erscheinen ließen.

Neu bzw. weitergewachsen war allerdings ein großer Teil ihres Programms mit Schwerpunkt auf dem letztjährigen Album "Notan", welches ich mir bei der Gelegenheit natürlich auch endlich ohne lästige  post-brexitäre Extrakosten mitnahm. Ein wunderschön gestaltetes Werk, das bei rechtzeitigerer Anschaffung vermutlich die Auswahl meiner 25 Lieblingsalben 2025 noch mehr erschwert hätte.

Die Musikerin brachte im schulterfreien Kleid klassische Eleganz in den Undergroundsiff der Location (psst Hafenklang Ultras, ich mach doch nur Spaß!), brachte mit ihren gewohnt leicht chaotischen Ansagen die Sympathien auf ihre Seite und verzauberte dazwischen natürlich den anständig gefüllten Raum mit ihrer auf instrumentaler Virtuosität, bildhaftem klanglichen Storytelling und meisterhaftem Looping basierenden, wunderbaren Musik.

Wie ihre Stücke sich allmählich durch vielzählige dröhnende, melodische und rhythmische Klänge zu orchestraler Wucht aufbauen, ist einfach ein Ereignis. Und zu sehen, wie sehr Jo mit ihren wilden, nie ganz kontrollierbaren Kompositionen verschmilzt, ist kein unerheblicher Teil des Erlebnisses. You've heard about drummer face or bass face? Vergiss die! Jo Quails Cello-Gesicht ist der real deal.
Insbesondere während der Stücke, die sie ganz ohne Effektschnickschnack akustisch spielte war einfach die pure Liebe zur Musik zu spüren, in ihrem filigranen, emotionalen Spiel, und wenn sie angesichts des Wohlklangs des altehrwürdigen Instruments spontane Freudenlaute nicht unterdrücken konnte.

Wer - wie sie in ihrer Zugabe - Bach mit solcher Leidenschaft zelebriert, der braucht eigentlich all das elekrische Loop- und Verzerrungsgedöns gar nicht, um zu scheinen. Aber es ist natürlich ein immens schmackhaftes Sahnehäubchen. Letztendlich ist Jo Quail - egal ob modern oder traditionell, ob mit Orchester oder solo - immer ein Garant für berührend faszinierende, fantastische Unterhaltung. Was für ein wunderbarer Abend!

YĪN YĪN - Yatta!

Montag Abend Dienstag Nachmittag, Partytime!

Ok, nicht ernsthaft, ich bin schon ziemlich platt. Aber wenn eines meinen großen Zeh dennoch massiv zum Bouncen und meine Synapsen zum Funken sprühen bringt, dann ist es ja wohl das neue, vierte Album der maastrichter Globalgroover Yīn Yīn, oder was?   

YĪN YĪN - Yatta! (Golden Lotus vinyl LP) (2026)

Ich sagte ja schon, dass Montag Abend Dienstag Nachmittag ist, d.h. erlaube mir jetzt mal etwas Faulheit und gehe nicht im Detail durch, was genau sich im Vergleich zu "Mount Matsu" seit 2024 geändert hat. Denn in der Quintessenz läuft es eh auf das Fazit hinaus, dass das überwiegend instrumentale Quartett bei dem bleibt, was es kann - und es irgendwie noch fetter produziert, noch besser auf den Punkt bringt. Keine Frage - jede bereits vorhandene Yīn Yīn-Sucht wird sich mit "Yatta!" noch einmal potenzieren.

Für alle noch nicht Betroffenen, die sich fragen, was für ein Ohrenrauschmittel sich denn hinter diesem Tischfeuerwerkscover verbergen soll, hier der Stickwortrundumschlag: Funk, 70's Disco, Morricone, Thai-Beat, Krautrock, Americana, Funk, Ommm, Yang, asiatischer Folk, Soul, Surfrock, Fusion, Funk, psychedelische Elektronik, Afro-Beat, Filmsoundtrack, Tracks, die das Leben zum Film machen, hier ein Spoken-Words-Sample, da ein Motown-Chorus -  und natürlich noch ein weiteres verdammtes Mal Funk.

Yīn Yīn machen Musik zum tanzen, feiern, chillen, aber ganz klar auch zum hören. Disko ja, aber nicht für Doofe. Spirituell aufgeladene, aber saucoole Weltpartymusik. Yatta! Yatta! Bang!

Das Album ist digital, auf CD und in unterschiedlichen Vinylvarianten erschienen, die alle ganz lecker aussehen. Die halb schwarze, halb weiße Vesrion dürfte wohl die wertvollste sein, aber ich bin mit meiner goldenen Scheibe auch sehr zufrieden.

WAR - Venividiwar

Das nenne ich doch mal eine nette Überraschung zum Wochenende! Zunächst bekam ich eine Zustellbenachrichtigung, die ich trotz aktuell einigermaßen übersichtlicher Lage, was offene Lieferungen an mich angeht,  nicht so recht zuordnen konnte. Der Absender kam mir bekannt vor; woher wollte mir mein schlechtes Namensgedächtnis aber nicht verraten. Also ließ ich die Post einfach mal auf mich zukommen.

Es stellte sich zu meiner Freude dann als das bereits im Oktober erschienene, aber von mir komplett verpennte Debütalbum der mir seit November 2023 vom Pink Tank Festival in Kiel bekannten Leipziger War heraus. Nach der tollen Split mit Deibel nun also ein in Eigenregie veröffentlichter Tonträger der Doomgazer ganz für sich alleine.

WAR - Venividiwar (transparent yellow vinyl LP) (2025)

Stilistisch bleibt das Trio sich treu. Und warum auch nicht, umfasst die bewährte eigenständige Stilmischung doch bereits ein spannendes Klangspektrum mit hohem Wiedererkennungswert.

Man nehme den Gitarrensound von Yob, einen noch garstigeren, manchmal fast schon primitivemanschen Sludge-Bass und spiele variablen Doom Metal, der dem mal derben, zwischendurch aber auch mal atmosphärisch zurückhaltendem Grundsound neben gelegentlichem Hardcoregeshoute vor allem überzeugende Harmoniegesänge gegenüberstellt.

Insgesamt erinnert dies an diverse Phasen des japanischen Chamäleons Boris, vor allem aber den ähnlich von Shoegaze und Grunge inspirierten Doom von King Woman, hier nur eben in der andersgeschlechtlich und kollektiv gefronteten Knecht Mann-Variante mit stärkerem Stoner-Einschlag.

Geiler Sound, acht super Tracks, was will man mehr? Texte sind in einem stabil kartonierten Sheet dabei, das transparente gelbmarmorierte Vinyl sieht richtig gut aus...

Nur das Cover, welches mir an sich zugegebenermaßen gefällt, hat ohne Namensnennung des Künstlers diesen gewissen unschönen Beigeschmack, eventuell mit einer artifiziellen Kreativitätsdiebstahlmaschine gepromptet worden zu sein. Wäre schon schön, wenn ich mich hier irrte. Denn dieser sowohl gefühlsstarker als auch mächtig reinknarzender Scheiß hat schon eine visuelle Präsentation mit menschlicher Seele verdient. 

LUCY KRUGER & THE LOST BOYS - Pale Bloom

After Kabasse, Martin Stürtzer, Ponte Del Diavolo and Work Money Death here's yet another great album that has been released on my birthday this year. I got it directly from Lucy Kruger & The Lost Boys' merch table after their electric show on the MS Stubnitz last Wednesday.

And oh boy, it looks like I might have a whole discography to catch up on now!

LUCY KRUGER & THE LOST BOYS - Pale Bloom (transparent vinyl LP) (2026)

The most prominent impression about "Pale Bloom" - even before any thoughts about the album's genre arise - is that it's a collection of eleven evocative pieces of intriguing poetry put into captivating songs. And even in passages when the music intentionally sounds less inviting than during most of the running time, the singer's voice always draws you into the narrative with its warm tone, its captivating diction and presence. And while the music doesn't step back into a subsidiary role at all, it's always purposefully arranged to hand the stage over to Kruger's charismatic performance.

She reminds me of other singers, but mostly just in certain moments and details. Whenever she ends a word going from a deep to a slighty squeaky tone, it throws me to Milla Jovovich's only music album "The Divine Comedy" from 1994. The sonic surroundings are too Post Punk for Angel Olsen, not Pop enough for Lana Del Rey, not Post Metal enough for A.A. Williams - and of course Blixa Bargeld has a completely different voice, even though some almost spoken verses like in "Ambient Heat" have a certain recitative  Einstürzende Neubauten quality to them. That feeling however may be subconsciously amplified by the fact that the South-African artist's band is based in Berlin.

Lucy Kruger & The Lost Boys live 2026

And overall Lucy Kruger & The Lost Boys' mixture of  Psychedelic Folk, experimental Art Pop, Post this and that Ambient and Noise Rock indeed - and definitely in a good way - just feels very Berlinese. Which is an English word I surely just officially used for the very first time in my life.

They're not going for a similar amount of heaviness and distortion, but for me personally in terms of drive, artistic strength and clarity as well as mesmerizing vibes and emotional depth "Pale Bloom" very much fills the blank which the indefinite hiatus of  Esben And The Witch after the release of "Hold Sacred" left.

All in all - be it live or recorded - Lucy Kruger & The Lost Boys deliver a perfectly crafted both raw and delicate, yet without a doubt addictively beautiful experience.
The packaging of the record is nice and extra transparent, not only with see-through vinyl, yet also a lyric sheet printed on tracing paper. Nice!

LUCY KRUGER & THE LOST BOYS und JUNOKILL live auf der MS Stubnitz, Hamburg (25. Februar 2026)

Vielleicht sollte ich Konzertberichte grundsätzlich ohne vorangestellten Verkehrsbericht beginnen. Ich habe nämlich so ein bisschen das Gefühl I've jinxed it, wie der Angelsachse sagen würde.

Zehn Tage vor dieser Show hatte ich ja auf dem Weg zu Wyatt E. einen denkwürdigen Beinahe-Zusammenstoß in einer Einbahnstraße in Itzehoe. Diesmal - wieder mit Destination MS Stubnitz - war der Trottel in Hamburg unterwegs und leider erfolgreicher. Und dummerweise war der Trottel diesmal auch noch ich selbst. Ich werde die Details meines Idiotentums jetzt nicht detailliert ausbreiten, aber ich sage mal so: Auch wenn ich nach dem Rumms noch easy rechtzeitig an Bord ankam, kann ich leichten Schock mit Blechschaden vor Besuch einer Musikveranstaltung nicht empfehlen. Macht es echt schwieriger, in die Show reinzukommen, wenn einem immer wieder ärgerlich stressige Gedanken dazwischenschießen und einen aus dem Film reißen. (⭐🟊🟊🟊🟊 1/5 Sterne)

Und ich hatte gedacht, mit den drei Stunden Wartezimmer für fünf Minuten Kontrolltermin beim Augenarzt am Vorabend war der Tiefpunkt der Woche erreicht gewesen...
Eines war an diesem langfristig teurem Tag auf jeden Fall klar: Aus meiner Sicht mussten die Künstler besonders dringend überzeugend abliefern, um eine Chance zu haben, die persönliche Erinnerung an diese Mittwochnacht noch zu drehen.

JUNOKILL

Junokill gingen diese Aufgabe schon sehr bemüht an, konnten das zufällige fiese Hineingrätschen meines mich selbst beschimpfenden Hirns alle paar Minuten allerdings noch nicht abstellen. Das kann ich den sympathischen Hamburgerinnen aber natürlich nicht vorhalten.

Da meine Hausaufgaben bezüglich des Supportacts nur sehr sparsam gewesen waren - und sich in meiner Erinnerung vielleicht auch noch mit etwas anderem vermischt hatten -, hatte ich tatsächlich nicht einmal eine Band, sondern eher ein deutlich elektronisch geprägteres Soloprojekt der Sängerin/Gitarristin/Keyboarderin erwartet. Stattdessen spielte jedoch ein komplettes Trio, zum erstes Mal in der aktuellen Besetzung, was man an ein paar Stellen auch noch in kleinen Unsicherheiten im Zusammenspiel hören konnten, die sie im Laufe der aktuell noch andauernden Tour sicherlich noch ausbügeln werden.

Die Qualität der Musik im Ganzen überstand diese kleinen Schnitzer aber leicht. Astro Punk lautet  die eigene Bezeichnung der Musikerinnen für ihren Stil, was inkorrekt ist, wenn man es als Mischung als Space Rock und Punk zu wörtlich nimmt, anderseits aber sehr gut passt, wenn man es als Bandbreite begreift, die Alternative Rock, Dream Pop, durchaus auch etwas Post Punk und Post Rock einschließt. Vor allem aber taugten die Songs einfach, ganz unabhängig davon, welche Schublade man für sie aufzog.

Eine sehr feine Einstimmung!

LUCY KRUGER & THE LOST BOYS

Die südafrikanische Wahlberlinerin Lucy Kruger hat sich schrittweise an mich herangeschlichen. Zuerst begegnete sie mir während der Vorbereitung aufs Roadburn Festival 2024, wo ihre Show leider nicht in meinen Zeitplan passte. Dann hier Gast auf einem Song vom letzten Spill Gold-Album, dort Backing Vocals auf der letzten Swans... und nun auf der Stubnitz mit einem an meinem Geburtstag erschienenen neuen Longplayer im Gepäck - da konnte ich nicht nein sagen. Zum Glück! Wenn wir den beschissenen Teil des Abends mal ausklammern natürlich - was während der nächsten ca. achtzig Minuten (?) dann tatsächlich doch unerwartet grandios funktionierte.

Lucy Kruger & The Lost Boys sind eine tatsächlich ohne Jungs-Überschuss geschlechtergemischte, insgesamt fünfköpfige Formation aus Drums, Bass, Violine und Gitarre plus die oftmals ebenfalls Gitarre spielende Sängerin. Musikalisch könnte man viele Stichworte von weiter oben bei Junokill wiederholen, käme allerdings klanglich auf ein deutlich anderes Ergebnis. Zudem würde ich hier auch deutlich mehr Einflüsse aus Folk, Ambient und psychedelischem Noise Rock verorten. Vor allem aber machten Erfahrung, Zusammenspiel und die Ausstrahlung der Frontfrau den entscheidenden, den Abend noch auf ein ganz anderes Level hebenden Unterschied.

Gesichert durch eine tighte Rhythmussektion mit einem sehr geschmackvoll kreativen Drummer ließ die Band musikalisch schon einmal gar nichts anbrennen. Und Lucy Kruger hat einfach das gewisse it, diese nicht erlernbare Attitüde und Energie, die gleichzeitig rebellisch herausfordernd, hypnotisierend und verletzlich sein kann. Und die sich vor allem auch immer authentisch anfühlt.

Das Set, welches das komplette "Pale Bloom"-Album und weitere Stücke inklusive dem Hit "Auditorium" enthielt, wusste zu fesseln, den Kopf mit Katharsis zu fluten - und verging absolut wie im Fluge. Ich kann diese Show nur unzulänglich beschreiben, aber verlorener Junge, was für eine großartige Band!

Auch wenn mir aus Gründen gerade nicht so nach shoppen war, wurde nachher zumindest das frische Vinyl am Merch eingesackt.

Das entgültige Urteil über die Erinnering an diesen Tag steht natürlich noch aus, aber egal, um wieviel Geld es bei meinem Crash letztendlich geht: Zu diesem Konzert zu fahren bleibt im Rückblick immer noch die richtige Entscheidung! (Was ich nebenbei auch positiv herausheben möchte, dass ich mit einigen meiner Harinezumi-Spielzeugkamerafotos vom Abend auch überdurchschnittlich zufrieden bin.)