Sometimes German, sometimes English. • The title of this blog used to change from time to time. • Interested in me reviewing your music? Please read this! • I'm also a writer for • Please like and follow Audiovisual Ohlsen Overkill on Facebook!


ZOMBI - Direct Inject

Uuuh, ja! Ramm mir die Nadel durch die Schädeldecke und baller mir den Scheiß direkt in den Bregen! Beinahe hätte ich's verpasst, aber Zombi haben im März tatsächlich eine neue Synthiedroge aus ihrem Labor entlassen.

ZOMBI - Direct Inject (CD) (2024)

Der den vierzigminütigen Trip eröffende Titeltrack schmeckt sofort nach Chrom, Fluxkompsensator und Vampirbiss: großartiger, achtziger-jahre-elektrolastiger Synthwave mit mörderisch groovendem, organischen Monsterdrumming und rosa Funken sprühender Leadgitarre, hier tanzbar, da ein wenig spooky.
Die Message ist unmissverständlich: Da sind wir wieder und wir haben das geile Zeug mitgebracht! Von da an ist alles, was uns A.A. Paterra (Drums) und Steve Moore (Tasten, Knöpchen und Saiten) in den restlichen acht Stücken bringen, eigentlich schon nur noch Kür, da sie uns eh schon in der Tasche haben.

"So Mote It Be" stampft dann heavier zu den Carpenter-Keyboards und untermalt dies zusätzlich durch ein effektives Metal-Gitarrenriff, so wie man es sie auch auf "2020" schon gab.
Der kürzere Track "Bodies In The Flosam" stößt im Anschluss in eine ähnliche Richtung, während "Kamichi & Sandy" das Tempo etwas runterfährt und auch in seinem Riff mehr auf minimalistisch elektronische Reinheit setzt. Was nicht heißt, dass dieser Song nicht ebenso großes Soundtrackkino bieten würde.

Im mit sechseinhalb Minuten längsten Stück "Sessuale II" überrascht uns Moore dann mit einer neuen Klangzutat und holt nicht nur den Bass, sondern auch die Königin der Achtziger, das schmachtende Saxophon aus dem Instrumentenkoffer!
Da treffen die Nächte der Lust des Lovecraft Sextets auf samtene Jazz Fusion. So unverhohlen sexy hat das pittsburgher Duo noch nie geklungen.

Mit untrüglichem Gespür für Sounds und Melodien, die einerseits nach Schnurrbart, Schulterpolster und sprechendem Auto schreien, anderseits aber schlicht und einfach saugut sind, arbeiten sich Zombi in "Improvise Adapt Overcome" und "The Post-Atomic Horror" anschließend graduell wieder zu bedrohlicheren Tönen vor, ehe die "Insurmountable Odds" den Zenit der Horrorstimmung auf "Direct Inject" markieren. Back to the roots, aber durchaus etwas komplexer als auf den ersten Aufnahmen der Band.

Zum Abschluss gleiten wir mit "Sessuale I" in einen orangeroten Traum und entschweben sanft ins Weltall. Kosmische Pornographie. Schade, dass das Album hier schon endet.

Anderseits scheint diese Länge tatsächlich ideal für Moore und Paterra zu sein, um ihre Ideen in einem eleganten Fluss ins Ohr zu bringen. "Direkt Inject" direktinjiziert jedenfalls alles, was den Signatursound von Zombi ausmacht, ohne auch nur ein Spürchen Langeweile aufkommen zu lassen. Ich höre hier nichts, worüber ich meckern könnte. Exzellent!


Just a couple of rural Northern German photographs from the last Sunday back in April, taken in 6x6 cm with an Adox Golf folding medium format camera on Orwo NP 22 black and white film (expired 08/1991).


KING DUDE - Songs of the 1940s - vol 3 & 4 / Smoke On The Water

Yee-Haw? Wasn't 2023 supposed to be the Dude T.J. Cowgill's final reigning year as King like I said in the introduction to the review of his "Songs of the 1940 - vol 1 & 2"?

Yet his Dark Americana persona is still touring in 2024 as if he was a Scorpions King. And he even followed that splendid double 7" EP up with a sequel release. Well, I gladly take it. So here are more at least around eighty years old classic from the Great American Songbook reinterpreted by the (other) man in black:

KING DUDE - Songs of the 1940s - vol 3 & 4 (2 x 7" EP) (2024)

To keep it short: Everything great on the last double single is reprised here, beginning with the beautiful monochrome packaging in a gatefold cover with historical photographs, coming in a slipcase, both with an embossed logo.

Four sides, each filled with two average three minutes long old school Country songs, all played by King Dude alone on acoustic guitar, with some sprinkles of electric guitar, organ, synths and probably some other sound sources. His raspy sonor voice - and some instances of yodeling - is front and center, the natural production is either very (almost too) close on the edge of cracking your speakers or drenched in ghostly (or heavenly, as you perceive it) reverb.

This time I don't think I know any of the originals (maayyybee "Rye Whiskey"), so sorry dear fans of previous singers of tunes like "Blood On The Saddle", "Gambler Blues", "Rainbow At Midnight" or "Seven Beers With The Wrong Woman" - there's no real point in me rambling on about them. I like these versions, that's for sure. 

Yes, these two new volumes are just as simple yet fascinating as vol 1 and 2, so naturally this release joins them as one of my favorites of King Dude's whole cataloque. The idea is just followed through in such a perfect imperfect way that I cannot imagine it being improved by any changes.

And if you don't sleep on ordering this germ from Raubbau Records for an eternity, you might still get the edition which comes with a slim little bonus...

KING DUDE - Smoke On The Water (7" flexidisc) (2024)

No, it's not Deep Purple. Get your decenniums right! "Smoke On The Water" was written by Earl Nunn and Zeke Clements back in 1944 and this anti-fascist war song is very much a product of its time:

"Hirohito, 'long with Hitler, will be ridin' on a rail
Mussolini'll beg for mercy; as a leader he has failed
There'll be no time for pity when the screamin' eagles flies
It will be the end of Axis, they must answer with their lives"

With two and a half minutes it's quiet a short one even compared to the rest of the "Songs of the 1940s", and with its minimal palm-muted guitar it's also one of the most raw tracks of this bunch. That and the direct World War II content, which sets it apart from the rest of the cowboys / women / whiskey stuff probably made it a good choice to be featured on this nice transparent flexi disc, which comes with a cardboard inlay.

Even though I found at least my copy quiete respectable, this medium of course isn't known for the highest audio quality and there are definitely more loud pops and noises than there would be on vinyl. But given the low-fi aesthetics of the recordings it really doesn't matter. No, this is cool.

You are sceptical of any war propaganda and have doubts about this especially regarding how things ultimately went down in Japan and such? Well, I can assure you that it feels historical enough that it won't make you spontanously take up arms against any kraut, wop or [insert respective racial slur here].

If you want to apply the song to a modern context anyway, please stick to the the first verse:

"There will be a sad day comin' for the foes of all mankind
They must answer to the people and it’s troubling their mind
Everybody who must fear them will rejoice on that great day
When the powers of dictators shall be taken all away"



TUSKS - Gold

Such a little thing, this CD in its slim cardboard gatefold cover with its tiny credits made for ants. While the text size is an imposition I won't deny that at least the artwork is somehow intriguing. Yet on its own still I don't feel it would have prepared me for how huge these forty minutes of music actually are.

TUSKS - Gold (CD) (2024)

I could easily compile a long list of labels I should have a much closer eye on. Often labels without distribution in Germany or even from outside the EU, labels which - despite their proven hand for greatness - I only check on occasionally, because I just love to have a physical copy of my music and with shipping, taxes and stuff shit too often just gets terribly expensive. So the less you know the more you save, right?
And no, you cannot make me feel bad about that. because I'm still supporting enough artists from all around the world even if I ignore 99% percent of all promos, ads, posts, newsletters etc. which could potentially be up my alley, don't worry.

One Little Independent Records, home of everything Björk, keepers of the Crass catalogue, yet also connoisseurs of Contemporary Classical Music like composer Henrik Lindstrand, are surely among those. And I'm grateful that back in 2021 Tusks' "Change EP" sparked my interest enough to actually take a listen. Because since then I already expected that Emily Underhill's next full album would probably be very worthwhile.

Back then I categorized her music as Electronic Ambient with Dream Pop appeal. And while that still applies for a good part on "Gold", it's hardly all, because the singer / songwriter / instrumentalist / producer has expanded her framework on this album a lot without sacrificing her identity.

But before elaborating on this I'll just start with my first overall impression, which is that regardless of how to categorize them in detail at least nine of these ten tracks are just incredibly memorable addictive Pop hits from a parallel universe where that word actually means something. Yes, sometimes the songs are heavy on the choruses and bridges, but why not if those hooks are so good and the instrumentals so tasty?

Looking through the recent additions to my collection the feeling this album gives me is a melancholy satisfaction quite similar to Louise Lemón's "Lifetime Of Tears", yet achieved through different sound aesthetics.
Sometimes those are dominated by layers of synths and strings accompanied by hard Electronic drums, following the Art Pop blueprint of Björk's "Homogenic", but in other instances a more band-orientated mix of bass, guitar, piano and real percussion takes it into a here intimate and quiet, there wide-opening Shoegaze and even Post Rock direction. And most of the time you're just floating on indefinable tides inbetween.
That doesn't mean that potential influences and stylistic references for each track would actually be very hard to find. It just seems so pointless when you can put every note on this album so neatly under the umbrella of Pop as it should be or even shorter just pure gold. (Yeah sorry, that one was super cheap.)

While listening to "Gold" three names in particular are coming to my mind repeatedly. Almost all songs here could have been written by either Angel Olsen or A.A. Williams. Even the ethereal yet determined vocal presence often sits between those two.
The third name points more to brighter stage lights and Soul vibes and surely comes a bit unexpected. But sometimes we hear those delicate, a little adventurous and popstar-ish vocalizations, where I cannot help but for a moment picture an "ArchAndroid" / "Electric Lady" era Janelle Monáe ballad.
And if the combination of these three namedrops alone isn't already intriguing enough to give Tusks a listen, then you probably just hate it when great songs stick in your head?

So that's it from me about this a little short, but as I said in the beginning still huge work. I intentionally didn't point out any specific tracks, because once you go down that road you're still writing the review the next morning...

I already put "Gold" into my MIDYEAR TOP 15 last week, but in hindsight I'm actually not sure if I even ranked it high enough. Good that music's not a competition. Phew.


CATBREATH - Slice 'Em All

Ich bin zu spät! Alle Wortspiele und Pointen sind erzählt, kein Leser sitzt jetzt noch fiepsend und jammernd neben dem bereits vollen Futternapf und verlangt nach mehr.

Bleibt die Frage, ob man über eine Band, deren gesamtes Konzept höchstwahrscheinlich als Flachwitz in einer Bier- und Whiskaslaune das Neonlicht der rattenbevölkerten kieler Bronx erblickt hat, überhaupt einen ernsthaften Text verfassen kann und darf.

CATBREATH - Slice 'Em All (Turquoise vinyl LP) (2024)

Fangen wir einfach mal beim ersten, zweiten und dritten Eindruck an, den man bekommt, bevor man diese Scheibe überhaupt auflegt: Ein Sticker mit Warntatze macht auf Falschinformationen aufmerksam: Dieses Album dreht sich mit 33 rpm. Habe ich zunächst nicht geblickt, doch tatsächlich steht auf dem Label der Schallplatte selbst 45 rpm. Und ich bin mir nicht sicher, ob dies eine ehrliche Korrektur ist oder ob der Fehler von vornherein Absicht war, nur um diesen kleinen Extrawitz unterbringen zu können.

Das Cover bräuchte natürlich auch noch einen Hinweis, dass es sich um keine biologisch adequate Abbildung, sondern um eine dramatisch erhöhte Sicht aus Kleinnagersicht handelt. Meine Katze lauert jedenfalls zur Mäusejagd ausschließlich vor der Wintergartentür und wartet darauf, dass ein Opfer so ungeschickt ist, ihr auf dem Weg von Gebüsch zu Gebüsch direkt vor die Krallen zu laufen.
Vielleicht ist meine gute anderthalbohrige Lauda van Gogh, der Musik mangels geringem verbliebenen Gehör ohnehin egal ist, auch einfach nicht repräsentativ.

Ansonsten: Bandname niedlich, aber insbesondere nach der Dosenmahlzeit unangenehm. Sowohl das Maskottchen ("Fat Freddy" statt Eddie), der Albumtitel als auch die teutonischen Thrashgrößen auf dem Tourplakaten geben unmissverständliche Hinweise auf die zeitliche wie musikalische Verortung, was die Tracklist auf der Rückseite nur noch unterstreicht: "The New Claw Order", "Strike Of The Claw", "Blood Spill Claw Kill". Jeder Titel ein auf Vierbeinerformat angepasstes Klischee.

Die Mucke hält dann tatsächlich auch alles, was versprochen wird. Ein Katzensprung zurück in Zeit, als Thrash Metal vor allem noch Punk war für Typen, die Bock hatten ihre Instrumenten zu beherrschen. Vollasi aber geil und immer mit dem Herz auf dem rechten linken Fleck. Und auch die frühen Iron Maiden waren ja irgendwie auch noch erstaunlich Punk. Fragt mal Maggie Thatcher! 

Keine Raketenwissenschaft, aber trotzdem Unmengen ballistischer Energie. Wenn eine Band hier vor allem Pate gestanden hat, dann müssen es eindeutig die frühen D.R.I. sein, deren parolenhafte Attitüde und nach vorne preschenden Moshpitriffs hier eine exzellente Hommage erfahren.

Alle vier Mucker sind alte Hasen (upps, falsches Tier... vielleicht ein Nebenprojekt?) der norddeutschen Szene, die diesen spezifischen Stil lieben und wunschlos glücklich machend runterprügeln. Ohne das rotzige Killerkatergebrüll von Philipp Wolter und die dazu passenden Gang Shouts wäre die Chose natürlich kaum vorstellbar, da müssen wir uns nichts vormachen. Doch auch wenn's eine rein instrumentale Kateroke-Version von "Slice 'Em All" gäbe, würde die schon mächtig Arsch treten. Das Gleichgewicht zwischen vollgas auf die Fresse und hey wir können auch coole Heavy Metal Leads! stimmt hier einfach. Da schnurrt der Metalkuttenteenager in mir.

Ich werde das gute (hellblau auf hundert Stück limitierte) Teil natürlich kaum auflegen, wenn ich Bock auf Jazz, Feinsinn oder Cynic habe; ausgenommen natürlich deren Demophase, in der sie den dreckigen verrotteten Feldidae tatsächlich mal klanglich sehr nahe kamen.

Aber wenn Du eine richtig gut gemachte urige Thrash-Metal-Gehörgangreinigung brauchst, dann lass Freddy seinen Kittel anziehen und dein HNO-Doktor sein! Sein Catbreath riecht zwar super streng, aber die Behandlung wirkt! Miau.    

BIG|BRAVE - A Chaos Of Flowers

Rankings sind bedeutungslos. Knapp eine Woche nach Veröffentlichung meiner TOP 15 Jahreshalbzeitslieblinge habe ich schon mindestens zwei neue Alben gehört, die meine Liste, wie sie jetzt aussieht,  umgeworfen hätten. Normal. Und natürlich haben es eh nicht alle Platten, die es verdient hätten auf die Liste geschafft. Auch normal.

Doch dass eine Band, die ich so ungebrochen als perfekt anpreise - zuletzt als Festivalgewinner des Colossal Weekend in Kopenhagen - wie die kanadischen Drone/Noiserocker Big|Brave, hier gar nicht auftauchte, das sollte schon für fragendes Stirnrunzeln sorgen. Mich selbst hat es jedenfalls ziemlich überrascht.

Was ist also passiert?

BIG|BRAVE - A Chaos Of Flowers (Sun Flare vinyl LP) (2024)

Das Cover von "A Chaos Of Flowers" sieht beinahe aus wie ein negatives Gegenstück zum Vorgänger "Nature Morte", der es am Jahresende auf Platz 4 meiner Lieblingsalben 2023 geschafft hat.
Und musikalisch ergibt dies auch Sinn, da Big|Brave auch hier wieder mit dem seit ihrem gemeinsamen Album mit The Body etablierten, weiteren Verständnis ihres Sounds aufspielen, ohne sich jemals zu weit von der Idee des im Rahmen ihres Songwritings maximal möglichen Minimalismus zu entfernen.

Das Trio aus Robin Wattie (Gesang und Gitarre), Mathieu Ball (Gitarre) und Tasy Hudson (Drums) setzt allerdings andere Schwerpunkte. So relativ man es im Zusammenhang mit einer so dröhn- und lärmorientierten Gruppe auch betrachten muss: "A Chaos Of Flowers" ist ihr im Schnitt ruhigstes, balladeskestes Album mit vielen von Gastmusikern an Synthesizern, weiteren Gitarren und Saxophon (Patrick Shiroishi) beigesteuerten Texturen.

Konzeptionell unterscheidet es sich vom Rest ihrer Diskographie durch die Texte, da nur zwei der sieben Tracks mit Gesang aus Robins eigener Feder stammen. Beim Rest handelt es sich um Adaptionen von Gedichten, die sie besonders für ihr Infragestellen gesellschaftlicher Normen und Denkweisen schätzt. Ich bin hier zugegebenermaßen zu wenig vom Fach, um mit Namen wie Akiso Yosano, Esther Popel oder Tekahionwake etwa anfangen zu können. Lediglich der Opener "I Felt A Funeral" erfährt mit der Autorin Emily Dickinson von mir einen Namenswiedererkennungscheck.

Was ich verstehe - und vor allem natürlich Watties Vortrag - gefällt mir aber sehr. Und wie immer kann ich dies auch auf die hier zumeist eher in Wellen und beinahe naturalistischen Schüben als perkussiven Attacken fließende Musik erweitern.
Alles an diesem Blumenchaos ist exzellent, es gibt keinen Song, der für mich nach mehrmaligen Hören bisher abfallen würde. Ganz im Gegenteil.

Big|Brave live in Kopenhagen 2024
Und dennoch habe ich etwas Mühe mit diesem Album, und das aus dem vielleicht überraschendsten Grund: der Gitarrensound ist schuld!
Ja, ich weiß, ich liebe diesen von Mathieu Ball so präsise verfeinerten Brummkrachklang, in den man sich wie ein Fötus in den Mutterleib schmiegen kann, doch eigentlich so sehr, dass ich keine Gelegenheit auslasse, ihn als zentrale Attraktion dieses Trios herauszustellen. Doch irgendwie ist es hier nicht so gut wie auf all den vorigen Alben der fleißigen Gruppe gelungen, diese Urgewalt einzufangen.

Klar, schon auf "A Gaze Among Them" oder zuletzt auf "Nature Morte" hat die Band die Grenze des machbaren Krachs ausgelotet und das ein oder andere Mal zumindest scheinbar überschritten. Und doch blieb die Musik immer irgendwie hörbar.
Doch gerade hier auf dem ähem... leiseren Werk, wird es mir einfach manchmal zu oppressiv, geht einfach zu sehr die gesamte Produktion unter dem übersteuerten Saitenklang baden. Es ist einfach nicht mehr gesund.
Ok, diese Schwelle mögen andere Hörer vermutlich schon weitaus früher erlebt haben, bei mir persönlich ist sie allerdings hier. Es gibt "A Chaos Of Flowers" eine anstrengende Note der unnötigen Art, auf die ich gerne verzichten könnte.

Werde ich das Ding trotzdem noch häufig hören? Klar, die Songs sind exzellent und ich bin weit davon entfernt ein audiophiler Snob zu sein, der sich seine Musik schnell durch eine nicht perfekte Produktion verderben lässt. Ich würde nicht einmal ausschließen, dass ich mich doch noch genügend an den speziellen, jetzt doch zu extremen Crunch gewöhne, um Big|Brave wieder die gewohnten Ränge meines Rankings erklimmen zu lassen. (Gewiss nicht ganz so hoch wie "Nature Morte" allerdings, denn das Album hat durchaus noch ein, zwei Stufen großartigere Songs.) 

Außerdem tourt das Trio im Herbst schon wieder durch Europa, dann mit komplettem Schwerpunkt auf "A Chaos Of Flowers". Da ich sehr geneigt bin, mir das zu gönnen, könnte das natürlich auch noch meine Wahrnehmung beeinflussen. 

Bis dahin gilt: Brilliant wie immer, aber bite bitte nächstes Mal zurück auf zehn!


DOOL - The Shape Of Fluidity

Moin Wochenende, heute picken wir uns mal den aktuell am längsten liegengebliebenen Kandidaten von meiner Noch-zu-rezensieren-Liste!

Wer meine zur Jahreshalbzeit veröffentlichten MIDYEAR TOP 15 gesehen hat, wo ich dieses Album vorsichtig auf Platz 7 verortet habe, der ahnt bereits, dass ich auch das dritte Studioalbum der Niederländer Dool nicht verreißen werde. Dabei hatten ich und "The Shape Of Fluidity" durchaus einen etwas holprigen Start...

DOOL - The Shape Of Fluidity (clear vinyl LP) (2024)

Dass das Album für mich einen Moment brauchte um zu zünden war tatsächlich zu hundert Prozent meine Schuld. Da ich wusste, dass ich die Livepremiere des gesamten Albums auf dem Roadburn-Festival crashbedingt verpassen würde, habe ich das Ding zunächst einfach nicht an mich herankommen lassen. In den folgenden Wochen gab es dann eine Menge Eindrücke zu verarbeiten und bald auch schon wieder aufzunehmen, während sich im Hintergrund Dool mit relativ wenig Drehzeit langsam aber unaufhaltsam in den Ohrwurmspeicher meines Gehörs fraßen.

Was man als gewisse Hürde bei einem neuen Release der Dark Rocker um Raven van Dorst natürlich auch nicht unterschätzen darf, ist die enorme Messlatte, welche die Band sich selbst gelegt hat. Zuletzt eindrucksvoll unterstrichen durch das fantastische Live-Album "Visions of Summerland" ist der Songkatalog von Dool nach wenigen Veröffentlichungen bereits ein Wundertüte größter Hits. Und scannt man ein neues Album nach Nach-wie-vor-Überkrachern wie "Oweynagat" von "Here Now, There Then" oder nach epochalen Machtdemonstrationen wie "Vantablack", "Dust & Shadow" oder dem Titeltrack von "Summerland", dann wird man zunächst nicht fündig, weil die Suchparameter noch zu sehr auf die Vergangenheit eingestellt sind, die Gruppe sich aber natürlich weigert, sich selbst exakt zu kopieren.

Tatsächlich wartet die mit neuem Schlagzeuger aufspielende Gruppe auch auf "The Shape Of Fluidity" mit reichlich neuen Großtaten auf, die sich nahtlos ins Œuvre einfügen. Im Grunde mag ich nicht einmal anfangen, einzelne Tracks herauszustellen, denn vom saustarken Opener "Venus In Flames", über den Titelsong (plus dazugehöriger Epilog "Currents"), das entrückte "House Of A Thousand Dreams" oder den unaufhaltsamen "Hermagorgon" und das Post-Rock-Finale von "The Hand Of Creation" zeigt sich Dools düsterer Sound zwischen hymnischem Goth und leidenschaftlichem Hard Rock in allen neun Stücken ohne Schwächen. Ob Songwriting, Arrangements oder Sound: So minimalistisch wie sich das Album von außen präsentiert, so reich und überwältigend ist es innen.

Dool live 2021
Dass gnadenlos süchtig machende Riffs, knackige Rhythmen und die an The Devil's Blood anknüpfenden Gitarrenharmonien alle exzellent sind ist ja eigentlich schon als Default gegeben. Vielleicht ist die Auswahl diesmal sogar noch etwas besser als zuvor. Jeder Part überzeugt, Dool schleppen keine mittelmäßigen Ideen durch.

Will man jedoch einen Star der Show wählen, dann kann es natürlich nur Raven van Dorst sein. Das schließt natürlich eines Großteil des Songwritings und der Gitarren mit ein, doch vor allem gesanglich ist "The Shape Of Fluidity" überragend. Verantwortlich dafür ist nicht nur diese einmalige Stimme zwischen charismatischer Rockröhre und glockenhellem Engelsfalsett, sondern vor allem die Emotion dahinter. Dieses Album ist sehr persönlich, mehr noch als seine Vorgänger, und das spürt man.

Nun ist van Dorsts Auseinandersetzung mit ihrer Situation als hermaphroditisch geborene Person ja an und für sich ein extrem spezifisches Thema, welches von nicht betroffenden Hörern eine Menge Empathie einfordert. Die Texte schaffen es jedoch hervorragend, gleichzeit direkt Ravens selbstermächtigende Reflexionen zu transportieren und darüber hinaus universell für unzählige individuelle Lebenssituationen und Perspektiven anwendbar zu sein.
Klar, das ist was man von guter Poesie im Idealfall immer erwartet. Bei Dool haben wir es trotz durchaus guter Texte in der Vergangenheit noch nie in diesem - den Gesamteindruck eines Albums deutlich mitprägenden - Ausmaß erlebt.

"The Shape Of Fluidity" wird immer noch mit jedem Durchlauf besser. Dool bespielen einfach musikalisch wie inhaltlich eine ganz eigene Rock'n'Roll-Liga. Ich kann es kaum erwarten, sie auf dem nächsten Prophecy Fest in der Balver Höhle endlich wieder live zu sehen und das neue Material Seite an Seite mit den Klassikern zu erleben!

Abschließend muss ich mich wohl für die Großzügigkeit des SPKR-Shops bedanken. Statt des bestellten, in diesem Fall natürlich super zum Artwork passenden transparenten Vinyls hatte ich nämlich die schwarze Version bekommen - und durfte diese zusätzlich zur richtigen Nachlieferung behalten. Klar, ich arbeite im Versandhandel und weiß, dass sich gewisse Rücksendungen einfach ganz pragmatisch von den Kosten her nicht lohnen... dennoch vielen Dank dafür!


CAN - Live In Aston 1977

Gerade erst gab es in der Live-Reihe von Can mit "Live In Paris 1973" das erste Album mit Sänger Damo Suziki auf die Ohren, da geht es schon wieder zurück in die rein instrumentale Zukunft, und zwar weiter denn je zuvor in mein Geburtsjahr 1977.

CAN - Live In Aston 1977 (LP) (2024)

Trotzdem ist die diesmal in Aston (Birmingham) aufgenommene Band auch hier wieder ein Quintett. Als neues Mitglied ist Traffic-Bassist Rosko Dee zu hören, während Holger Czukay, der die Gruppe später im Jahr verlassen sollte, vom Viersaiter komplett auf "Waveform Radio and spec. Sounds" umgestiegen ist, was im auch hier wieder mit viel funky Jazz Fusion aufgeladenen (don't call it) Krautrockkosmos als Einfluss sowohl von Kraftwerk als auch Herbie Hancock interpretiert werden kann.

Die vier Improvisationen zwischen Hypnose, Extase und progressiver Komplixität sind auf jeden Fall brandheiß. Daran ändert auch diesmal der nach modernen Studiostandards etwas dumpfe, für seinen Ursprung als beinahe ein halbes Jahrhundert altes (Oh scheiße, das heißt, dass ich auch... damn...) Bootleg aber ziemlich sensationelle Sound nichts.
Die Licks und Grooves fetzen, die Soli sind lang und geschmackvoll, die oftmals herrlich dominante Orgel wabert sich von Ohr zu Ohr... man kann und sollte diese Musik nicht methodisch sezieren. Can kannten einander musikalisch einfach in- und auswendig und konnten dies in großartige Jams umwandeln. Dass dies eine Band war, die man live sicherlich immer und immer wieder erleben wollte, kann ich auch nach dem fünften Teil dieser Bühnenwerkschau nicht in Frage stellen.

Leider gibt es - anders als auf "Live in Stuttgart 1975" keine über die Performance selbst hinausgehenden weiteren Hintergründe zur Show und ihrer Aufnahme. Klar, nach der langen Zeit kann die Aufnahme natürlich leicht ohne Begleitzettel aufgetaucht sein. Trotzdem wäre es nett gewesen, wenn das Booklet zumindest einen Einblick in diese spezifische Phase und die mit ihr verbundenen Besetzungswechsel gegeben hätte.
Stattdessen gibt es aber nur einen Ohrenzeugenbericht von Sex Pistols-Gründungsmitglied (selbst diese Info musste ich mir ergoogeln) eines Konzerts drei Jahre vorher. Das wirkt ziemlich random und wird meiner Meinung nach auch dem schön stabilen Design dieser Serie nicht gerecht. Da wäre für ein komplett abgerundetes Gesamtpaket noch mehr drin gewesen.

Im Meta-Genre Ausnahmemusiker schütteln sich Ausnahmemusik aus dem Ärmel kann diese LP aber eigentlich alles, von daher ist bei gesunder Priotitätensetzung der Mangel an passenden Liner Notes zu verkraften.


MIDYEAR TOP 15: my favorite albums of 2024 (so far)

Same procedure as every July: Here's a spontanous selection of my fifteen favorite albums of the year so far. No distinction between studio and live releases - and only stuff which I have on vinyl, CD or cassette. Expect some of these to appear again in my more elaborated list at the end of the year - but don't be surprised if they're in a different order or some have disappeared!

The order ultimately doesn't matter anyway, because even if this list was twice as long, I would still highly recommend every single album on it! 



  3. SLIFT

  5. AGUSA

  7. DOOL


    Kanda Teenage Honey
    [no review yet]

  10. CARPET



  13. ZAÄAR

  14. TUSKS


MOONSEEDS - Moonseeds

Was machen die Weedianer auf dem Wüstenplaneten von Sleeps "Dopesmoker"-Cover eigentlich, wenn sie gerade mal nicht auf der Suche nach dem riffgefüllten Land sind?
Das Cover des selbstbetitelten Albums von Moonseeds gibt uns die Antwort: Sie designen 70er-Jahre-Outdoormöbel.

Nun da diese brennende Frage ein für alle mal geklärt ist, gehen wir doch zur logischen Folgefrage über: Wer sind eigentlich Moonseeds?

MOONSEEDS - Moonseeds (2024)

Der Bandname lässt sich ähnlich wie damals die Papermoon Sessions der Psych-Rocker Papir und Electric Moon entschlüsseln. Auch hier handelt es sich um eine - personell allerdings schlankere - Kollaboration. Die Kernaufnahmen der drei Longtracks "Earth", "Sun" and "Moon" entstanden alle an einem Tag nach der 2018er Europatour der Australier Seedy Jeezus  als Improvisationen von deren Gitarristen Lex Waterreus, Electric Moon-Bassistin Komet Lulu und dem damals auch noch erdtrabantischen Sula Bassana, hier mal nicht an der Gitarre, sondern an den Drums - und in der Nachbearbeitung auch noch an Orgel und Mellotron.

Wie ein guter Mondkäse mussten die Sessionaufnahmen erst einmal ein paar Jahre lang ungestört reifen, ehe der Känguruhcowboy 2023 wieder nach Europa geritten kam und die Albumaufnahmen mit weiteren Overdubs vollendet wurden.
Und nun sind sie also nach sechs Jahren endlich bereit, sich lässig aus dem Sand in unsere Ohren zu schlängeln. 

"Earth" beginnt langsam, trocken, sonnenverbrannt. Da kann einem schon die gleichnamige Band Dylan Carlsons in den Sinn kommen. Selbst als die Karawane dann allmählich mit stabiler, recht typisch nach Electric Moon oder Zone Six klingenden Rhythmussektion Fahrt aufnimmt, behält die eindeutig als Hauptdarstellerin in den Mittelpunkt gerückte Gitarre neben vielen langgezogenen kosmischen Noten und geschmackvollen Rockstarfrickeleinen auch immer noch etwas Americana-Twang und eine Menge flimmerndes Outback- und Wüstenflair. Dass hier bereits über zwanzig Minuten vergehen, ohne dass es zu bemerkenswerten Ereignissen außerhalb der geduldigen dynamischen Kurve der Improvisation kommt, ist keineswegs als Zeichen einer langatmigen dramatischen Durststrecke zu verstehen, sondern passt genau zum einen endlosen Horizont beschwörenden Ton.

"Sun" kommt im Vergleich mit seinen sieben Minuten Speilzeit deutlich kompakter daher. Mit Slow-Motion-Beat, langen Keyboardtönen, psychedelischer Bluesgitarre und nun auch etwas unaufdringlichem Gesang von Waterreus lässt sich nicht überhören, dass die frühen Siebziger Jahre von Pink Floyd immer noch als ergiebiger Inspirationsquell sprudeln.

"Moon" liegt dann am Ende sowohl astronomisch, als auch was die Länge und den Sound des Jams angeht, irgendwo zwischen den beiden vorangegangenen Stücken und schließt das Album auf gleichbleibend hohem Niveau ab.

Allen drei Tracks ist gemeinsam, dass sie sehr beständig und diszipliniert ihre Stimmung aufbauen. Dadurch, dass Bass und Drums vor allem darauf aus sind, dem Seedy Jeezus-Drittel des Projekts ein einsturzsicheres Bühnenfundament zu bieten, ist es vor allem die Gitarre, die den Charakter des Albums definiert und es leicht unterscheidbar vom Rest der gewaltigen Diskografie rund um Komet Lulu und Sula Bassana abhebt.
Das Album kann von mir aus auch bedenkenlos ins Starterpack für alle, die vielleicht erst frisch in diesen Krautrockkosmos einsteigen.

Die "Moonseeds" sind erhältlich über Sulatron Records auf CD oder zufallsfarbenem Recyclingvinyl. Die kleine grüne australische Auflage auf Blown Music für alle, die ihr monatliches Erspartes gerne für transkontinentales Porto verprassen, ist leider schon ausverkauft.

FOLTERKAMMER - Weibermacht




Vielleicht wird eine schlechte Idee ja irgendwann gut, wenn an sie nur extrem genug übertreibt. Das wäre zumindest eine passable Theorie, wenn man davon ausginge, dass schlimme Telefondominafernsehwerbeclips (Ja, schlag schon zu, aber halte bitte die Klappe dabei!) zu den Inspirationen von Folterkammer's "Weibermacht" gehören.

Anderseits ist das Konzept dieser im Umfeld von Imperial Triumphant entstandenen new yorker Band mit ursprünglich aus der deutschsprachigen Schweiz stammenden Sängerin ja vielleicht von Anfang an tatsächlich eine gute Idee gewesen...

FOLTERKAMMER - Weibermacht (CD) (2024)

Nun sind natürlich sadomasochistische Inhalte kein komplettes Novum im Metal, man denke nur daran (oder besser nicht) zu welchen leicht übertriebenen Extremen es die guten alten Pungent Stench in den Neunzigern getrieben haben. Und schon lange vorher als Metal noch ein Funkeln in Tony Iommis Augen war, haben Velvet Underground die "Venus In Furs" besungen. Deutschsprachig ist der größte Hit sicherlich auch außerhalb des Genres mit "Bitte Bitte" in Berlin zu verorten.

Auch Operngesang hat es Metal schon jenseits von Gastauftritten (Celtic Frost / Paradise Lost) und skandinavischem Tralala (Nightwish / Therion) in extremere Gefilde wie Fleshgod Apocalypse oder  - zusätzlich vermengt mit Darkjazz - The Lovecraft Sextet geschafft.

Wie Folterkammer diese Elemente zwischen altmodischem Peitschenklischee, feministischer Geschichtsstunde und augenzwinkerndem Spaß am Schock zusammenbringen, hat jedoch eine neue Qualität, die vor allem mit der Persönlichkeit von Sängerin Andromeda Anarchia, die ich vor zweieinhalb Jahren mal live mit Kilter erleben durfte, steht und nicht fällt.

Abgesehen von kurzen barocken Zwischenspielen oder Klassik-Reminiszenzen herrscht musikalisch vor allem ballernder und blastender Black Metal der ziemlich eingängigen Art mit vielen melodischen Leadgitarren. Es ist zwar derbes Zeug mit teils dissonant todesbleiernem Einschlag, doch für den Normalmetalfan vermutlich einfacher zugänglich als Zachary Ezrins Hauptband Imperial Triumphant.

Die vom Hörer zu nehmenden Schwellen bei Folterkammer sind also nicht Ohrwurmverweigerung and dystopisches Endzeitjazzchaos, sondern zumindest für deutsche Muttersprachler der besagte Ruf!Mich!An!-Cringe, wenn es textlich um eingeschlossene Fickpistolen, mit Blut signierte Peitschenpoesie und das obligatorische Füßeküssen geht. Daneben werden auch noch historische Perönlichkeiten thematisiert. So soll Aristoteles, ganz egal wie schlau er ist auf seine Domina hören und die "Herrin der Schwerter" wird als Femme Fatale und Heldin der "Weibermacht" gefeiert.

Insgesamt drehen sich die meisten Texte aber einfach um meistens gar nicht mal besonders explizit dargestellten Kink für alle, die auf das tatsächlich schon etwas angestaubte Sexdungeon-Klischee stehen. Das kann man mit doppeltem Boden oder als Gegenpol zur tatsächlich widerlichen Rammstein-Row-Zero-Kultur feministisch aufladen - oder man nimmt es einfach genauso headbangend zur Kenntnis, wie man im Metal sonst Spaß mit Satanismus, Gore und Drachentötern hat.

Letztendlich sind wir, egal ob wir darauf stehen, der unten ohne kämpfenden Amazone zu dienen ("Leck mich!") oder nicht, als Metalfans ja eh primär an Sound und nicht an Inhalten interessiert - auch wenn die Stimme, welche diese Inhalte transportiert solch ein Alleinstellungsmerkmal ist wie hier.
Denn Andromeda Anarchia singt ja nicht einfach Großvaters harmonisch ansprechende Operette, sondern verziert diese mit schrillen Spitzen und bösartigen Bögen - und ist genauso im extremen Black Metal-Gekrächze und Geschrei zu Hause.

Nein, ihre Rolle als Oberwärterin der Folterkammer steht weniger in der Tradition der weiter oben genannten Beispiele aus der Metalwelt, sondern ist viel mehr eine überzeichnete Hommage an Nina Hagen, die alles, was hier gesanglich zu hören ist, eigentlich schon im Punkkontext vorweggenommen hat. Nun allerdings wird Micha für das Vergessen des Farbfilms halt nicht mehr mit dem Beziehungsaus gedroht, sondern umgehend mit körperlicher Züchtigung gemaßregelt.
Hagen meets die Spanische Fetischinquisition und Sméagol singing Black Metal. Das ist die Formel und sie funktioniert ziemlich großartig.

Musikalisch muss ich allerdings einschränken, dass mir das Spitzenpotential des Projekts noch nicht ausgeschöpft scheint. Wir sind hier deutlich weiter als auf dem Debüt "Die Lederpredigt", die mir einfach noch nicht genug sagte, um sie meiner Sammlung einzuverleiben. Was ich hier noch zu bemängeln habe, ist die etwas zu herkömmliche Struktur. Statt Strophe-Refrain-Strophe-Refrain-Schemata würde mir zumindest bei einigen Songs ein unkonventionellerer, dramatischer orientierter Aufbau besser gefallen. Die Mucke ist schon durchweg geil, verlässt sich aber zu sehr auf ihre Ohrwürmer.

Anderseits könnten eben jene  - gepaart mit der nach der Klärung, dass dies lyrisch vielleicht nicht safe for work sein könnte, eigentlich überflüssigen Kontroverse - durchaus dabei helfen, aus dieser Band ein ziemlich großes Ding zu  machen.

Die Wahl des einzigen englischsprachigen Songs zum Abschluss des Albums fiel auf ein sm- wie musikhistorisch bewusstes Cover; es ist eine schräg und schrill stampfende Version von "Venus In Furs".

Um mit Bela B. in "Ignorama" (Die Ärzte) zu sprechen: "Du sitzt auf mit, die Welt ist schön / Wenn Du auf mir sitzt, könnt es mir gar nicht besser gehn."
Das finale Fazit überlasse ich allerdings Deichkind:

Leider geil.


SOLAR TEMPLE - A Gift That Should Have Been Reserved For The Great Lights / GALG - Teloorgang

It's double review time with a couple of new albums on Consouling Sounds! Not even two weeks ago the Belgian label released the long-awaited collaboration "Embers Beget The Divine" by Solar Temple and Dead Neanderthals.
If you don't own that potential live album of the year yet, you should seriously consider adding two more items to your cart, because this Friday two more - partly related - releases are going to see the light of day / darkness of night:

SOLAR TEMPLE - A Gift That Should Have Been Reserved For The Great Lights (CD) (2024)

Here the connection is obvious. Almost simultanously with their collaborative Roadburn Festival recording Solar Temple are also bringing us the successor of their other Roadburn (Redux) recording "The Great Star Above Provides".

Since this material actually predates both of those works and was laid down in the pandemic era 2020/2021 it's save to assume that this is a studio recording for a change, even though the credits on the digipak are very minimal. I guess the long album title just didn't leave enough space for other information. They managed to provide the full lyrics of the only track with vocals though.

Said track is the opener "Ejaculation", which - sorry to disappoint all you porn freaks out there - seems to rather refer to a metaphysical, philosophical, cosmic event that your profane noodle flipflapping. Or the Dutch duo just enjoys trolling. The words are spoken in a deliberately overacted way (reminiscent of Bong) to a dramatic horror movie organ, whooshing cymbals and Dark Ambient sounds, before suddenly a hard, appearantly slightly confused stop and go Electronic beat and Synthwave bass join the anti-party.

And if you thought this was just the sinister (twelve minute) intro, before the album takes off and delivers some of that open grandeur which both previous releases offered so much of in different ways - think again, because the "Celestial Kingdom" may test your nerves! No wide Post Rock gesture, no cool cowboy twang like on "Great Star", no stupendously layered Psychedelic Black Metal lead guitar ecstasis like on "Embers". Fuck melodies, fuck Rock'n'Roll, most of this one is merely a droning electro-industrial soundscape with a weird brutal pulse. It's the soundtrack to being stuck in the barbed wire around an abandoned weapons factory that has been sectretly taken over by the machines.

By now it should be clear that the two guitar players are not even playing guitars here. Instead this album explores a decidedly different route of Drone, Noise and dark atmospheres.
It's funny that Solar Temple are still often labeled a Black Metal band. Gotta add a big all caps "POST" to that!
The last track "A Life Before Life" confirms that yet again. It is a piece, which gets wider, bigger and richer on variety - there's even a part which conveys a sense of Black Metal-ish angst -, but the musical language is almost completely removed from Rock aesthetics and rather feels like a John Carpenter-inspired dystopian movie score.

And while all in all I still prefer the other mentioned albums for their larger scale alone, this shorter, condensed yet stylistically bolder version of Solar Temple actually provides quite an intriguing contrast. It's always great to see artists throwing themselves into experiments with so little fear.
No doubt, these dudes are on the mission of building an interesting unpredictbale body of work.  

GALG - Teloorgang (CD) (2024)

At least on first sight Galg's connection to "Embers Beget The Divine" is not as close, but it's there: This band comes from Nijmegen, which is also Dead Neanderthal City. And speaking of that duo Otto Kokke can actually be heard as a guest with a wild saxophone performance on "Hemeltergend", the opener of this album.

"Teloorgang", just like Galg, was inspired by trying to find beauty in the modern world,  and failing. ... says the official press promo. And they must have been searching for a long time, because the guitar/guitar/drums (plus lots of panicked screaming) trio recorded these fifty crushing minutes way back in 2015, but somehow it took until now for them to be unleashed upon the world. And it wasn't the simplistic cover artwork which took so long. Take a picture of a flying bird and invert the colours... I can give you a dozen variations of that from my archives before the album is over. Still good design I must admit.

My favorite band with the same kind of line-up is Big|Brave, another great one would be Slomatics. Or Boris - when they feel like it - of course. And when it comes to creating a super heavy sound with a deeply satisfying crunchy guitar texture, Galg can certainly apply for membership in this gang, even though the production of their Industrial/No Wave-influenced Sludge Rock often emphasizes the drums over the gnarly guitar drone.

But let me backpedal a bit! It actually feels wrong to assume specific influences, because you can't really tell from what kind (Hardcore, Metal, please-don't-call-us-Metal, etc.) of background these guys are coming.
Given that drummer M - the poor lads only have one-letter-names - also plays in Fluisteraars there's actually a good chance they've developed their sound on a Post Black Metal foundation. Oh, by the way, outside of Galg the man answers to the name of Mink Koops and is also one half of Solar Temple. So yeah, this is all incestuous as fuck. But thanks to George R.R. Martin everyone loves incest now, right? The album finale "Doorn In Het Oog" definitely shows musical parallels to the guitar-centric work of Solar Temple. But before that a lot of other comparisons could be made, ranging from the desolate bleakness of fellow Dutchmen Farer to the monolithic repetitiveness of overused go-to reference Swans.

For the same reason I don't have a rating system with numbers and abolished the favorite song category from my reviews long ago, I am also not giving you FFO ("for fans of") lists here. It's just a pain in the ass, which takes me ages to get my head around..
In case of "Teloorgang" however it might have actually saved me some time writing this, because I came up quite quickly with Caspar Brötzmann MassakerSumac, Sunn O))).

Without overthinking how adequate those names actually are, I think the message should be clear: This is some fine (almost) hopeless desolate dirt. Come wallow in it!

Both albums can be pre-ordered on CD or vinyl at Consouling Sounds and will be released very soon on Friday, June 28th.