Sometimes German, sometimes English. • The title of this blog used to change from time to time. • Interested in me reviewing your music? Please read this! • I'm also a writer for • Please like and follow Audiovisual Ohlsen Overkill on Facebook!



Their 3CD (or 3LP) mammoth debut album "Éons" was without any question an album of the year 2020, and Neptunian Maximalism are already establishing themselves of one of the most impressive driving forces in heavy music in the year 2021 also.

Along with the commissioned performance of Gold their show "Set Chaos To The Heart Of The Moon" was probably one of the most talked-about and rewatched streams of the phenomenal Roadburn Redux online festival. (The closely related Les résidences du Botonique show, which was streamed a week later can still be watched on YouTube.)

And now - in the wake of this glorious amalgam of Mount Fuji Doomjazz CorporationAlice Coltrane and heavy psych we are blessed with yet another live recording of the group, which now fully embraces the example of Sun Ra and dubs itself the Neptunian Maximalism Arkestra.

NEPTUNIAN MAXIMALISM - Solar Drone Ceremony (orange/blue merge vinyl + DVD) (2021)

But let's not confuse ourselves here: When I say now, I mean then of course.

Because obviously "Solar Drone Ceremony" predates the Roadburn Redux livestream. This recording is in fact even older then "Éons".
Is it too early to consequentially draw comparisons to the way Miles Davis' electric phase saw the day of light? As a mixture of actual live shows and studio live performances, which were reshaped and enhanced later, all from a period of several years, but released in only loosely chronological order? We'll see I guess.

What is more than appearant by now is that the Belgian collective around Guillaume Cazalet is not at all about cutting specific songs in stone for eternity. There rather is a reprise, development and re-creation of motifs and movements, not wholly unlike the way the "Seer" Swans incarnation worked or how many of Magma's opuses transformed over time.

NNMM live at Roadburn Redux
"Solar Drone Ceremony" itself, a single fifty-minute chunk of music, is a radical rework and magnification of the the band's first EP "The Conference of the Stars", which I honestly have skipped so far, because there was just so much to unpack on "Éons".
While that album was only built by four people with Cazalet basically playing everything apart the saxophone and two drumkits, the Arkestra's line-up here is almost similar to what we saw at Roadburn: nine members, including two drummers, sax, lots of guitar, synths and "digital soundscape".

Stylistically this performance is much easier to pin down, especially since the role of the jazz part isn't as strongly developed here yet. Just like "To The Sun", the third part of "Éons", this sun-themed epic is a celebration of majestic, slow-building drone doom.
My personal Holy Grail of this genre is the colossal "Live at Roadburn 2010 - 2012 - 2014" triple of Bong, where with each show the band grew larger and broader in sound. "Solar Drone Ceremony" almost sounds like a succession of this series in 2016 or 2018 with even more colours added to the palette.

Starting in occult, almost dungeon synthy ambience, Neptunian Maximalism take a lot of time for a slow, a very slow, but therefore all the more powerful build-up, which takes the whole A-side of the record to grow to its full size and eventually find a resolution leading into the more "catchy" doom metal and psychedelic rock half of the composition, which also brings Cazalet's voice chanting in ominous, shamanistic proto-language more to the foreground, invoking a sense of deep cross-cultural spirituality, which combines the ancestral Jupiterean sources of Sun Ra with the self-flagellating, cleansing urgency of Michael Gira.

The finale of the piece merges untiring krautrock with orchestral glory, seemingly weaving soundscapes from all of human civilization, melting them together within the core of the sun. 

After the standards set by the previously released and performed material of Neptunian Maximalism "Solar Drone Ceremony" holds up in a surprisingly sovereign manner.
Not only is the music just mind-blowingly GRAND in capital letters, but also the stellar artwork of "Éons" has found a worthy successor here with a very beautiful vinyl colour variation, atmospheric live photographs and above all the detailed cover painting by Hervé Scott Flament.

The only thing which is not larger than life about this release is the audience attendance in Brussels in March 2020, right before live shows in general became a rarity. If people would have known how long they would be denied of that experience, the room would have been packed.

The DVD that's included does not try to hide that fact, but drenched in trippy camera work, effects and overlappings, it clearly doesn't attempt to be a regular live music documentation either.
No, also with visuals, this remains much more a journey of the consciousness than just a piece of music by some dudes and dudettes.

One could conclude that by right the future should belong to Neptunian Maximalism, which might or might not happen. In truth though, even after only this couple of years, this Arkestra exists in a place beyond the shackles of past, present and future.


Worldwide Pinhole Photography Day 2021

In 2018 I completely missed it and the last two years I participated, yet obviously didn't bother to write a blog post about it. But since I'm clearly lacking posts which are not music reviews, here we go again:

One month ago on April 25th was... *drumroll* ...
 Worldwide Pinhole Photography Day 2021!

I once again took my favorite pinhole camera, the Holga 120 Wide Pinhole Camera (short: Holga WPC) for a walk, which would probably have been longer and included one more film without my blood sugar bullshit. But I'm quite satisfied with the six 6 x 12 cm frames from the film I got (Ilford HP5 Plus 400, expired 09/2019) anyways.

The first of the following images has already been randomly chosen by the "explore" algorithm on flickr and is already my second "most popular" picture of all time there. Not that I think that means much, though.

The last one is my actual official submission to the website.


Es begann mit der Vorbestellung des Soloalbums von Neptunian Maximalism-Chefvisionär CZLT (Vinyl verzögert sich leider noch etwas) und einer der mit an Sicherheit grenzender Wahrscheinlichkeit traumhaftesten Versionen von Senyawas "Alkisah".

Inzwischen habe ich vier weitere Alben bei WV Sorcerer Productions geordert, und ich glaube, das französisch-chinesische Label, welches konzeptionell im breiten Feld zwischen Drone, Folklore, Jazz, Psychedelik, Esoterik, Black Metal, Noise und weiterem Experimentalismus zu Hause ist, dürfte sich zu einem meiner Lieblings-Frischmusikzuführer des Jahres entwickeln.

Neulich trudelten folgende drei Scheiben bei mir ein:

DOPE PURPLE - Grateful End (transparent yellow LP) (2019/2021)

Jupp, der Name dieser taiwanesischen Band ist ziemlich  on the nose. Und der Songtitel  "Cosmic Rock Is Not Dead" verjagt auch jeden weiteren Zweifel, worum es auf dieser ursprünglich bereits 2019 erschienenen, doch nun erstmals auf Vinyl erhältlichen LP geht.

Die vier Tracks sind in der Tat 100% Spacerock, und zwar der permanent Schüttelreflexe auslösenden und auf die Glocke gebenden Art. Die Gitarre drängelt sich dabei schrill und dreckig ausflippend ständig in den Vordergrund, worauf der Rest der Gruppe dann auch schonmal mit derbem Chaos kontert.
Keine Frage: Das ist rebellisch lärmender, geiler Scheiß. Vielleicht auch genau richtig für Leute wie mich, die sich angesichts der einschüchternd gigantischen Diskographie nicht so recht an Acid Mothers Temple rantrauen? Auf jeden Fall sollte jeder, der seinen Psych wild am Rad drehend mag, hier einmal reinhören.

Die Platte klingt gut und sieht super aus. Es zum Auflegen allerdings hilfreich, zu wissen, dass sich das längste Stück ("人類最後的一天​/​甜美的夜晚,甜美的死亡 The Last Day Of Humanity​/​Good Night, And Good Death") auf der B-Seite befindet.

李劍鴻 LI JIANHONG - 山霧 Mountain Fog (CD) (2021)

Wem Dope Purple noch nicht sechssaitenzentrisch genug sind, der ist bei Li Jianghong genau richtig aufgehoben. "你看見那個火球了嗎?它躍過了望海崗 Did you see the fireball? It just leapt beyond the Wanghai Gang", der Opener der CD "Mountain Fog" besteht nämlich aus nichts anderem als siebzehn Minuten lang lärmender, dröhnender, dramatische Bögen spannender und vulkanisch eruptierender Gitarre.
Es handelt sich hier um eine 2018 in Zürich mitgeschnittene Liveaufnahme des chinesischen Experimentalmusikers, den ich stilistisch nach dem Eindruck dieses Albums zwischen Drone-Ikonen wie Stephen O'Malley und Dylan Carlson auf der einen und Noise/Jazz-Extremisten wie Keiji Haino oder Otomo Yoshihide verorten würde. Seine größte Stärke ist dabei der erzählerisch stringente und erhabene Charakter seiner Krachmacherei.

Das zweite und abschließende Titelstück wurde eine knappe Woche später auf derselben Europa-Tour in Frankreich aufgenommen. Hierbei handelt es sich um eine gemeinsame Improvisation mit dem Saxophonisten Wang Ziheng, bei der die einzige Absprache in der Vorgabe "Lass uns einen Berg spielen!" bestand. Und ein Berg ist dieser über eine halbe Stunde lang mäandernd wandernde, den Gipfel erklimmende und weit in die Ferne schauende Drone wahrhaftig.

Gewaltig, fantasiereich, beeindruckend.

Erwähnenswert ist auch, dass bei WV Sorcerer nicht nur die Plattenveröffentlichungen, sondern auch die CD - hier mit eindrucksvoller Fotografie von Li Jianhong und schwarzer statt silberner Tonträgerrückseite - sehr liebevoll gestaltet sind.

OTAY:ONII - 冥冥 Míng Míng (CD) (2021)

Das Digisleeve und die hier goldene CD wissen auch bei Otay:onii sehr zu gefallen. Musikalisch ist das zweite Solowerk von Lane Shi Otayonii, zwischen New York und Shanghai pendelnde Sängerin der US-Shoegazeband Elizabeth Colour Wheel der umfangreichste stilistische Rundumschlag des hier rezensierten Trios.

Verantwortlich nicht nur für Gesang, sondern auch für sämtliche Instrumente und mich an die Neuauflage von Wang Wens   "0.7" erinnernde Gemälde, schafft die gebürtige Chinesin auf "Míng Míng" einen gewaltigen, genauso abwechslungsreichen wie ergreifenden, Klang gewordenen Bildteppich, der sowohl instrumental als auch dank ihrer stimmlichen Fähigkeiten Dead Can Dance und Björk, traditionelle Folklore und brutalen Elektro-Noise miteinschließt.

Bemängelnd kann ich an "Míng Míng" nur, dass es trotz immerhin acht Songs doch insgesamt recht kurz geraten ist. Ansonsten ist dieses enigmatische, für keine vorgefertigte Schublade geschaffene Werk nämlich ein nahezu unantastbares, künstlerisches Statement geworden, welches ich, wenn ich nicht alphabetisch sortieren würde, wohl zwischen Zola Jesus und dem Kaiti Kink Ensemble einsortieren würde. Oder in der immer weiter wachsenden Asien-Abteilung meiner Sammlung natürlich.

Verstecken muss sich Otay:onii auf jeden Fall vor absolut nichts und niemandem.

Was genau es übrigens bedeutet, dass die Absolventin des Berklee College zweimal den "Laurie Anderson Women in Technology"-Award verliehen bekommen hat, kann ich nicht beurteilen, aber rein von der Referenz her stimmt mein Bauch hier sofort zu.

Große Kunst!

KRAFTWERK - Heimcomputer

Es gibt da jetzt ein Ding. Jeder hat dieses Ding und jetzt habe ich es auch.
Braucht man es wirklich? Kaum.

Doch weil ich ein anderes Ding und das Ding davor habe und in ein paar Jahren bestimmt noch ein Ding kommt, kann man daraus eines Tages bestimmt ein schönes 14 Zoll breites Quadrat legen.

KRAFTWERK - Heimcomputer (transparent yellow 7") (2021)

Review siehe die Vorgängerveröffentlichungen: Kraftwerk-Album X hat rundes Jubiläum, Ralf Hütter haut den drölfzigsten Mix / Edit einer Hitsingle raus, der wird auf eine durchaus sehr gut klingende, einseitige Single gepresst, die wiederum dem Musikexpress als Beilage zur Titelstory angeklebt wird.

Und schon fallen all die Trottel, für die die Zeitschrift im Großen und Ganzen thematisch eher so seldom hit and mostly miss ist, drauf rein. Wobei ich bei dieser Ausgabe immerhin auch schon eins, zwei Rezensionen und das St. Vincent-Interview gelesen habe.

Doch zurück zur Musik: Die original "Computerwelt"-LP, welche ich in einer äußerlich komplett verwarzten, tesafilmverarzteten, aber klanglich akzeptablen Flohmarktversion im Regal habe, ist natürlich unschlagbar. Gehört bestimmt zu den Alben mit den stärksten und wichtigsten A-Seiten aller Zeiten.

Die B-Seite, auf der sich "Heimcomputer" befindet, höre ich nicht ganz so oft, weil "Computerliebe" nervt, haha. Da haben wir doch einen wichtigen Grund für die Anschaffung dieser Single!

Naja, wie ich eingangs schon andeutete: Der Mix ist lässig, aber essentiell ist das natürlich nicht.

Aber was soll man machen? Die alltagskulturell einflussreichste deutsche Gruppe der Gegenwart - ich rede natürlich von Deichkind - würde sagen: leider geil.


LAIBACH - We Forge The Future - Live At Reina Sofía

If there's one thing that doesn't seem much affected by the covid epidemic, then it has to be the steady flow of releases from Laibach.

After the brutish terror of "Bremenmarsch" and the colossal exploration and extension of the Slovene's early works forming the "Laibach Revisited" box, here comes yet another album indulging in Laibach's self-museumizating side, a live recording from November 2017.

In relation to two score years of existence that's quite recent, but the origins of this concert harken back to a much earlier specific event in the past. 

LAIBACH - We Forge The Future - Live At Reina Sofía (LP) (2021)

"We Forge The Future" was the title of Laibach's at the time highly controversial performance at the XII Music Biennale Zagreb on April 23rd 1983, where they infamously projected a super 8 porn loop over a socialist Yugoslavian propaganda film, which not only made Tito look not so good, but also caused the show to be stopped by police. In the wake of this scandal followed the four year ban of Laibach in Yugoslavia, which forced them to find audiences in the rest of Europe.

Now this and the rest is all Laibach history which has been cited and discussed time and again. In 2017 however it was re-enacted. Well, without the authorities and riots parts of course.
Instead the backdrop was an installment of the exhibition "NSK from Kapital to Capital, Neue Slowenische Kunst - An Event of the Final Decade of Yugoslavia". Opened by King Philip VI of Spain and the Slovenian president, the chances for any outrage were pretty thin this time.

The performance, song selection and interpretation is not the same, yet similar to the opening of the "Monumental Retro-Advantgarde" show at the Tate Modern and the "Underground" performance in a coal mining museum, both happening in 2012.

The Vier Personen on stage consist of Ivan Novak plus the keys/electronics and guitar players of the "Also Sprach Zarathustra" live line-up, set up in a kraftwerkian manner and occasionally joined by Milan Fras, not with his typical snarling low-end voice, yet more in the earlier industrial style, agitating through a megaphone.

While it features many familiar elements, the overall impression of this performance is unique. What especially strikes me is how perfect this recording balances a very cleanly distinct and powerful production with the still unwavering sense of a dark and chaotic collage of horrors.
The professionalism, bombast and feral intensity of "We Forge The Future - Live At Reina Sofía" leaves no doubt that Laibach are still untouchable masters at their game.

God Records, who released this album did a good job of providing an adequate pressing and fitting packaging with a gatefold that includes liner notes, and a 12" booklet which recreates frames of the visuals - including mentioned super 8 superimpositions, which make it only possible to show selected pages here.

This LP (also available on CD) is once again a fantastic release, everything done right. The industrial revolution is still going strong!

Three sidenotes:

1. In a way Laibach are admitting that the whole pornographic thing may have worked for great scandalous effect, but artistically wasn't much of an achievement. At least citing Ivo Josipović, president of Croatia (and musician) in that way - "It's primally a matter of good taste." - suggests that.
But of course maybe they're just messing with us yet again...

2. While Laibach usually don't follow the popular music rulebook, the whole idea of historical re-enactment is a surprisingly conservative thing you see quite often in rock music. Iron Maiden basically builds every second tour around it.

3. As an accompanying purchase I chose "LAIBACH - 4 Decades", the Slovenian/English catalogue for the still ongoing exhibition in Trbovlje. Not the longest read, but an interesting little collector's item.
Full disclosure: I just couldn't resist that mother of all band photographs ("Ich hab ein Rad, Du kannst es reiten wenn Du magst!") on the cover. So wholesome.


VAN DIEMEN - Van Diemen

Wenn ständig Plattendreher, CD-Player und Tapedeck locken, können rein digitale Promos rezensionsmäßig schon mal ein wenig ins Hintertreffen geraten. Aber da ich mit Lustmord & Karin Park und Zement ja gerade schon einen kleinen Lauf begonnen habe, machen wir das Triple aller guten Dinge doch voll und widmen uns endlich dem digital wie auf CD erhältlichen, selbstbetitelten Debüt von Van Diemen!

VAN DIEMEN - Van Diemen (2021)

Ich finde es ja grundsätzlich immer spannend, wenn man Musik zwar einerseits ganz klar kategorisieren kann, sie aber gleichzeitig doch etwas eigenständiges, ganz anderes ist.

In der Promosprache von Van Diemen klingt das allerdings zunächst gar nicht so besonders aufregend, wenn man statt Metal halt "Tasmanian Metal" spielt. Kurzzeitig mag es vielleicht Verwirrung stiften, da die Band Kiel als Heimathafen hat, und Tasmanien bekanntlich kein Eiland in der Kieler Förde ist. Diese Konfusion löst sich jedoch auf, sobald man weiß, dass Patrick Pablo, dessen Gehirnkind Van Diemen ist, als australischer Exilant an der Ostsee lebt. Allerdings bleibt dies nicht der profane einzige Bezug zur Insel der Beutelwölfe. Tatsächlich drehen Artwork und Texte sich um tasmanische Mythen und Geschichte.

Womit wir auch schon bei einem Teil dessen ankommen, was die sechs durchschnittlich achteinhalbminüten Stücke auf "Van Diemen" sind, nämlich ganz dick aufgetragener Lass-mich-dir-eine-Geschichte-von-früher-erzählen-Metal. Nicht die bequemste Ausgangslage, da dieses Metal-Meta-Genre gerne die Brücke zum Cringe überschreitet. Es muss also schon sehr gut gemacht sein, um mich abzuholen.

Die erste Hürde dazu, nämlich den Erzähler, nimmt Van Diemen ganz locker, mit konsequent - egal ob es um grausame Könige oder um Betrachtungen über das Schwimmtalent von Kaninchen geht - aus voller Kehle krümelmonsterndem Gurgelgröhlgesang aus dem neumünsteraner Hause Majak, welches mir hier sogar besser gefällt als in der eigenen Band. Dieses direkt in die Fresse gerichtete Erbrüllzählen macht einfach Laune und ist im besten Sinne 100% Metal.

Womit ich jetzt wieder beim Anfang bin, denn auch die Musik von Van Diemen ist 100% Metal - obwohl sie dabei durchaus offen für andere Einflüsse bleibt. Schon die ersten Minuten mit ihrem entspannten Fusion-Touch machen dies klar.
Und hier wird auch sehr schnell deutlich, welche Gitarristen - und die Gitarre spielt bei Van Diemen ganz klar die erste Geige - es sind, die man insbesondere in cleanen Parts, in Soli und Leadharmonien als Referenz heranziehen muss. Ich rate hier mal ganz mutig, dass dieses Album ohne massives Worshipping von Chuck Schuldiner (Death) und Paul Masvidal (Cynic) nur auf die halbe Länge käme.

Dabei ist trotz durchaus proggiger (bzw. "technical death metal", wie man Anfang der 90er noch lieber sagte) Ausflüge der Rahmen insgesamt oft schon näher an episch stampfenden Power Metal (US, nicht das Wacken-Hauptbühnenzeugs) oder mit klassischen Heavy-Metal-Harmonien angereichertem Midtempo-Death-Metal der Marke frühe Amorphis.

Einzelne Licks und Riffs ließen sich auch in ganz andere z.B. post-rockende Zusammenhänge übertragen, doch wie ich schon sagte, so wie es hier zusammenfindet, bleibt "Van Diemen" immer komplett in Versalien gebrüllter METAL. Und das kreativ und aus Liebe zum Genre heraus, ohne affektiert verkrampften Traditionspflege-Ballast.

Und "Run Rabbit Run" hat - an der Stelle muss ich schon mal schmunzeln - sogar more cowbell.

Was will man mehr? Van Diemens Debüt weiß ganz genau, was es sein will und trifft den Nagel auf den Kopf.

Prädikat: macht Bock.


ZEMENT - Rohstoff

Zement iss ä bänd fromm Tschörmänny.

Ent iff ze duo häss ä konzept, sän itts klierli to saunt ess Tschörmän ess possibbel, et liehst vor voreng iehrs.

ZEMENT - Rohstoff (2021)

So watt dass sätt miehn?

Itt miehns ju teyjk ze zrieh bigg Tschörmann Keyjs - Kraftwerk, Krautrock ännt TecKnoh - ännt kommbein semm wiss samm asser innfluennzes from ze rellm off dieleyh ännt riehwöhrb-dränntscht psükedellick rock ännt iehwenn e littel bitt off dschähss to krieeyht sammsing fresch ännt neu!

Sätt juh kännt riehlieh putt johr finger on watt siss altimeytly iss, dass nott hürrt. Siss iss mennt to bi itts ohn zinng enniweyjh - bikoss truhli Zement is ze Rohstoff off witsch ewwrizing ellz iss meyjt, reijt?

Watt kaunts iss sätt itt's dänzibbel, trippy ännt super fett. Itt's dschasst ze appliffting saundtreck vor ze party wieh nieht reiht nau, batt kännott heww jett. Batt meyjbieh wieh'l bi kloserr to zätt on Dschuhlei neinz, wenn sie ellbumm kamms auht. Huh nohs?

Siss ellbumm iss e fölla(kzoid) erfolg, e haileiht bohss off psaiködellik ännt elektro mjusick.

Boing boom tschaufel!

[EDIT 16.07.2021]

Ei heww nau boht ze ellpeh. Sie "elecktrick bluh" wainl sauntz ohsamm ännt lucks riehli gudh:


Als Vorbesteller physisch gepresster Musik entwickelt man ja mitunter eine erstaunliche, einen manchmal sogar selbst verblüffende Engelsgeduld.
Es gibt im Wust meiner Wunschmusik allerdings durchaus ein paar Fälle, die den Faden allmählich überstrapazieren.

Wo zur Hölle steckt z.B. meine Slomatics-Split seit etlichen Wochen auf dem Transportweg fest? Und welche Rolle spielt dabei die vielleicht dümmste Volksabstimmung der modernen Geschichte?

Weder durch covid- oder brexit-bedingte Grenzschleicheren beeinträchtigt (so sollte man zumindest meinen), müsste hingegen das zudem schon längst überall sonst erschiene Package aus dem Hause Pelagic Records mit den fantastischen Live- und Studioalben von Mono und Årabrot sein. Und doch kann ich mir nur anschauen wie andere ihre Haul-Bilder posten und gewisse Händler mir mit Lieferung in wenigen Tagen eine lange Nase zeigen.

Das hat, um diese passiv-aggressive Einleitung elegant überleitend abzuschließen, natürlich den einen Vorteil, dass ich an anderer Stelle Geld spare. Denn so lange dies noch auf sich warten lässt, bin ich doch etwas gehemmt, was den Erwerb anderer eigentlich lohnenswerter Alben angeht.

Andernfalls wäre das folgende Doppelalbum nahezu ein No-Brainer.


Lustmord ist ein Industrial/Ambient-Soloprojekt, dessen Existenz ich trotz der vierzig Jahre, die der waliser Komponist / Sounddesigner Brian Williams das Ding schon macht, erstaunlich erfolgreich ignoriert habe.

Die Norwegerin Schwedin Karin Park kenne ich immerhin schon ein paar Monätchen länger. Und für alle, die vom Song "Hallucinational" nicht genug bekommen können und und trotz aller Liebe zum Album ihren Gesangsanteil auf Årabrots "Norwegian Gothic" (ja, genau das Ding, auf welches ich warte) gerne etwas größer hätten, ist diese Kooperation der beiden Musiker ein Hauptgewinn, denn hier wird das gesamte mystisch-enigmatische Spektrum ihrer stimmlichen Möglichkeiten ausgiebig auf Doppelalbumläge ausgekostet.

Über Windgeräuschen, Orgel und anderen entrückenden bis dräuenden Ambient- und Dröhnklängen klagt ihr immer von Herzen tieftrauriges Organ von vergangener Schönheit, die es in Wahrheit niemals wirklich gegeben hat. In welcher Sprache sie singt, oder ob es überhaupt eine Sprache ist, das spielt keine Rolle. Der obligatorische vergleich zur "The Serpent's Egg"-Zeit von Dead Can Dance sollte diesbezüglich selbsterklärend sein.

"Alter" ist ohne Zweifel das am meisten entschleunigende Album, welches mir dieses Jahr bislang unter die Ohren gekommen ist. Ruhend in meditativer Urkraft und gemächlich gleitend die Seele des Hörers kartographierend, ist es eines jener Werke, welches um ein Vielfaches gewaltiger wirkt, wenn man sich bewusst darauf einlässt.
Doch auch, wenn man diese Musik nur nebenbei laufen lässt, stellt sich schnell ein alle Härte und Hektik der Außenwelt (und Ungeduld auf postalische Musikversorgung zumindest temporär) vergessen machender Zen-Effekt ein.



PAMIRT - Mausoleum

Schon irgendwie seltsam, Post von Tartarus Records zu bekommen, und es steckt keine Kassette im Umschlag. Nein, diesmal ist es tatsächlich eine Schallplatte. Anderseits ist es diesmal auch kein superextrem lärmender Doom/Sludge/Noise oder sonstwie übel brutaler Metal, der mich erwartet, warum also nicht auch gleich ein anderes Format? Das Coverfoto ist es auf jeden Fall wert.

PAMIRT - Mausoleum (iridescent marbled color vinyl LP) (2021)

Gestartet als ein von Stimme und Klavier bestimmtes Soloprojekt von Kristiāna Kārkliņa, Sängerin der lättischen Post Black Metal-Band Eschatos, hat Pamirt sich dann doch zu einem vollen Trio aus drei der sechs Mitgliedern jener Band entwickelt.
Der Fokus liegt allerdings immer noch auf ganz klar auf Kārkliņa, um die herum die mal dezent atmosphärische wabernd bis dröhnende, mal postrockend aufbrausende Begleitung ein an sich immer eher minimalistisch arrangiertes Fundament bildet.

Ihre zentralen Einflüsse trägt die Band dabei derart offen zur Schau, dass sich ein Review diesbezüglich schon beinahe erübrigt. Die "For fans of"-Aufzählung des Promotextes bringt es schon komplett auf den Punkt, wobei ich mit Chelsea Wolfe eigentlich noch am wenigsten übereinstimme. Durch die Vielfältigkeit ihrer Diskographie, passt sie als Referenz bei allem was weiblich und künstlerisch anspruchsvoller zeitgenössischer Gothic ist, natürlich immer irgendwie. Hier sind es vor allem Passagen wie der Refrain des Openers "That Day", die an ihrte "Hiss Spun"-Phase denken lassen.

Viel mehr noch sind aber zu ziemlich identischen Anteilen Lingua Ignota, Anna von Hausswolff und Jarboe präsent, und dies gilt sowohl für die musikalischen Arrangements als auch für die Theatralik und Phrasierung der Stimme, die vom Opernhaften übers Überakzentuierte und bedrohlich Animalische zahlreiche Stilmittel und Manierismen aller Inspirationen teils sehr offensichtlich zitiert und mit eigenem osteuropäisch eingefärbten Vocal-Jazz-Duktus zum individuellen Gesamtbild verschmilzt.

Demnach ist dieses kurze (45 rpm) Album eines jener Werke, die zwar nicht mit der allergrößten Originalität protzen, allerdings so dermaßen gut gemacht sind - allein all diese Künstlerinnen so gekonnt auf Augenhöhe emulieren zu können! -, dass man daraus niemals einen Vorwurf stricken könnte.
Ich bin zwar gespannt darauf, was für Möglichkeiten Pamirt offen stehen, wenn sie sich stilistisch noch mehr emanzipieren, doch "Mausoleum" ist jetzt, ganz so wie es ist, bereits ein grandioses Werk.

Das einzige, was hier ein bisschen blass bleibt, ist zumindest bei meinem Exemplar der angeblich farbenfroh schillernde Tonträger, sind die Spuren von rot und blau auf dem weißen Vinyl doch eher zu erahnen als tatsächlich zu sehen.
Aber zum Glück mag ich weiße Schallplatten ja auch gerne. Und klanglich gibt es vor allem auch nichts auszusetzen.



HEDVIG MOLLESTAD TRIO - Ding Dong. You're Dead.

Wo wir schon wieder mit Motorpsycho beim wunderwirksamen norwegischen Wasser sind: Im Februar 1982 ist ein kleines Mädchen namens Hedvig in eben jenes hinein gefallen. Und dann hat sie wahrscheinlich auch noch irgendwann geübt!

Auf jeden Fall ist sie heute einer der ersten Namen, die einem in den Sinn kommen sollten, wenn die Frage nach den größten Jazzrockgitarristen unserer Zeit gestellt wird.
Letztes Jahr hat sie sich zudem mit ihrem unglaublichen Soloalbum "Ekhidna" als herausragende Komponistin und Arrangeurin auch für größere Bandkonstellationen bewiesen.

HEDVIG MOLLESTAD TRIO - Ding Dong. You're Dead. (clear vinyl LP) (2021)

Nun kehrt sie etwas weniger maximalistisch mit ihrem Stammtrio aus ihr, Kontra- und E-Bassistin Ellen Brekken und Trommelboy Ivar Loe Bjørnstad zurück.

Auch wenn die Gruppe wie immer versucht, die Ausnahmequalität des musikalischen Inhalts unter einem trashig bekloppten Cover zu verbergen, macht der explosive Fusion-Opener "Leo Flash' Return To The Underworld" schon nach wenigen Momenten klar, dass hier trotz des kleineren Instrumentenaufgebots nichts vermisst werden wird.

Roadburn Festival 2017

Denn was auf "Ekhidna" an zusätzlichen Schichten geboten wurde, das macht die Gruppe durch maximale Bandchemie und daraus resultierendem perfekt aufeinander abgestimmten Zusammenspiel mehr als wett.

Von sanften Tönen im unheimlich durchs Dunkel tapsenden Titelsong oder dem ambienten "Four Candles" bis zum Stonerrockgroove von "Gimbal" oder dem funky Fusionjazz von "Magic Moshroom" - was dieses von Genregrenzen ungehinderte Trio anpackt, das versetzt einen im Geiste unmittelbar in die erste Reihe eines elektrisierenden Livekonzerts. Hach!

Wer Musik ohne Gesang nicht versteht, der hat selbstverständlich wie immer verloren. Wer irgendwo zwischen Jazz, Prog, Funk, Metal oder einfach nur fucking Rock! zu Hause ist und dazu noch auf unprätentiös verpackte und immer dem Song dienende Instrumentalmeisterschaft steht, der läuft akut Gefahr, sich hier ding dong tödlich anzustecken.

MOTORPSYCHO - Kingdom Of Oblivion

2017: "The Tower"

2019: "The Crucible"

2020: "The All Is One"

Wer meint, dass sich Motorpsycho nach diesem Lauf von Meisterwerken, mit denen geringere Bands ihre Karriere krönen und sich vorzeitig aufs Altenteil zurückziehen würden, irgendeine Form von Müdigkeit antäuschen würden, der hat noch nicht mitbekommen, dass das Wasser in Trondheim magische Ingredienzien hat, die zu einem Übermaß an musikalischer Kreativität und Arbeitswut führen.

Dabei ist die neueste Doppel-LP "Kingdom Of Oblivion" noch nicht einmal Resultat des Vorsatzes, ein weiteres Album aufzunehmen, sondern (unangemessen abwertend ausgedrückt) nur die Resterampe von in den vergangenen Jahren parallel zur "Gullvåg-Trilogie" entstandenen Songs, für die sich im Zusammenhang jener Longplayer noch kein Platz finden ließ.

MOTORPSYCHO - Kingdom Of Oblivion (clear vinyl 2LP) (2021)

Wer nun jedoch glaubt, es hier mit einer Compilation halbgarer B-Ware zu tun zu haben, hat sich natürlich gewaltig geschnitten. Die Norweger hangeln sich nicht nur wie gewohnt gewaltige dynamische Bögen spannend von einem Rockmeisterstück zum nächsten, sondern lassen ganze am Ende auch wie aus einem einzigen Guss klingen.

Das ganz große Avantgardekunst- und Prog-Gefrickelfass machen Motorpsycho diesmal nicht auf. Wo auf den letzten Alben Magma und King Crimson ihr Haupt in die Höhe reckten, scheinen diesmal eher Pink Floyd und Deep Purple Pate gestanden zu haben. "Kingdom Of Oblivion" klingt über weite Strecken wie Motorpsychos Version eines großen 70er-Jahre-(Hard)Rock-Klassiker-Doppelalbums.

Große Hooks, dicke Riffs, Rockstarsoli, natürlich immer mit dem typischen Markenzeichen, dass es vor allem Bent Sæthers monströses, doch stets songdienliches Bassspiel ist, welches die Musik im unaufhaltsamen Groove rollend vorantreibt.

Die offizielle Besetzung der Band ist auf diesem Album wieder einmal ein Quartett inklusive Gitarrist Reine Fiske, es tauchen zwischen den mächtigen Rockkrachern allerdings auch eine ganze Reihe balladesker und instrumentaler Stücke auf, die das Kernduo Sæther / Ryan (beinahe) im Alleingang aufgenommen hat. Was tatsächlich immerhin elf der zwölf Tracks als roten Faden gemeinsam haben, ist, dass mal subtil, mal auffällig das von der Band heißgeliebte Mellotron mit von der Partie ist. It really ties the album together. 

Die abgefahrensten Ausreißer aus dem (wieder einmal unangebracht despektierlich formuliert) soeben beschriebenen Allerlei sind das als Soundtrack zu einem Kurzfilm geschriebene "The Crimson Eye", welches allerdings gar nicht so heißt, sondern "The Watcher", weil der Text jenes Hawkwind/Motörhead-Stücks darüber zitiert wird; außerdem er sich erstaunlich mächtig auftürmende, von Sæther fast alleine eingespielte "Dreamkiller" und der zum Ende hin dann doch noch megaproggige, allerdings noch sehr viel mehr spacige Abenteuertrip "The Transmutation Of Cosmoctopus Lurker".

Das humoristischste Detail ist wohl das im ersten Durchgang durchaus überhörbare "Saxomophone" (ja, genauso geschrieben wie in der berühmten Simpsons-Folge), also das von Hans Magnus Ryan bewusst dilettantisch gespielte Saxophon in "The Hunt". Ganz meine Wellenlänge!

"Kingdom Of Oblivion" ist ein absolut komplettes Album: Musik, Texte, Artwork, Gestaltung des Gatefolds, Qualität des transparenten Tonträgers - nichts bewegt sich hier auch nur einen Millimeter unter Spitzenklasse.

Es könnte fast schon langweilig werden. Wenn es nur nicht so irre gut wäre.

Ich finde es übrigens auch mal wieder ganz entspannend, es mit einer normalen Hülle zu tun zu haben, bei der ich die LP ganz einfach aus der Seite entnehmen kann, ohne mir vorher eine Faltstrategie zurechtlegen zu müssen.

Man sieht sich dann wie immer weit oben in der Album-des-Jahres-Liste! 



Dieses Hobby nimmt manchmal schon bekloppte Formen an. Ich komme zwar im Moment gar nicht hinterher, mir alles, was ich mir irgendwann an Ohrenfutter bestellt habe, nach Feierabend reinzupfeifen, und trotzdem musste ich an diesem ersten Freitag des Monats schon wieder pervers zu vieles einfach unbedingt haben. Dabei hätte es realistisch vernünftig pragmatisch langweilig betrachtet wahrscheinlich schon genügt, mich auf meine morgentliche Album- und abendliche Single-Vorbestellung außerhalb von Bandcamp zu beschränken.

Gerüchte sagen, dies sei der letzte Der-komplette-Gewinn-geht-an-die-Künstler-Tag gewesen, andere Quellen sagen, es geht doch noch das ganze Jahr so weiter. Naja, für mich zählt erstmal das Jetzt.
Und diesem habe ich über die Plattform diesmal zwei niederländische Kassetten geordert, die genau wie die auf einem peruanischen Label veröffentlichten, aus Polen gelieferten LPs zweier Bands aus Mexiko zu einem späteren Zeitpunkt von mir besprochen werden.

Aber nee, das war natürlich noch nicht alles:

BRUTUS - Burst ("Glow In The Dark" vinyl LP) (2017/2021)

Das belgische Trio Brutus um Drummerin/Sängerin Stefanie Manaerts steht schon eine ganze Weile auf meiner Merk-/Wunschliste, vor allem live, was ja nach wie vor... ihrwisstschon, aber auch auf Tonträger. Ist es Hardcore? Indie? Post Rock? Shoegaze auf Adrenalin? Wen kümmert es? Auf jeden Fall drückt Manaerts der Gruppe sowohl mit ihrem ungezügelt treibenden Schlagzeugspiel ihren Stempel auf, als auch mit ihren gleichzeitig punkig direkten wie beflügelt über allem schwebenden Gesang. Dass ich mich manchmal an die cleanen Vocals von Oathbreaker erinnert fühle, mag vielleicht am verwandten Akzent liegen - oder ich bilde es mir einfach ein.
Sicherer belegbar sind da wohl die stilistischen Parallelen der Band mit Esben And The Witch, von denen sie sich jedoch genügend unterscheiden, um eine eigene unverwechselbare Identität zu behaupten. Eigen, aber eingängig. 
Vielleicht ist mir das aber auch alles Banane und ich möchte einfach nur wissen, ob diese aktuelle Vinylneuauflage des Debütalbums tatsächlich im Dunkeln leuchtet. Beweisbilder werden nach Eintreffen der Scheibe nachgereicht!

[EDIT: Hmmm... ok. Das Ding sieht super aus und glimmt tatsächlich, wenn es ringsherum komplett dunkel ist. Das ist nur schwer zu fotografieren, wenn man keine Lust hat, für eine Langzeitbelichtung ein Stativ am Plattenspieler aufzubauen, haha. Deswegen jetzt doch nur die normalen Fotos im Hellen.]

YAZZ AHMED - Solo 7"s Vol. 1 (violet vinyl 7") (2021)

Weiter geht es mit einer alten Bekannten dieser Rubrik, der kontemporären britisch-bahrainischen Jazz-Großmeisterin Yazz Ahmed - deren Schallplattenveröffentlichungen mir neu - und dann noch mit Inselporto obendrauf - eigentlich immer ein bisschen zu teuer sind, weshalb ich mich tendenziell eher mit Download oder CD begnüge. Dies trifft auch für diese 7" zu, für deren elf Minuten Musik ich - insbesondere am Ende eines eh schon verschwenderischen Tages - verhältnismäßig schon etwas zu tief in die Tasche gegriffen habe.
Mit dem scheiß Titel hat sie mich aber rumgekriegt. Wenn das Format schon im Namen steht, dann will man irgendwie doch, dass auch stimmig ist. Das Ding "Solo Downloads" zu nennen, wäre für mich also ganz klar sparsamer ausgegangen. Dabei werde ich mit Sicherheit noch einige Monate nur mit dem Download/Stream  auskommen müssen, bis die Single tatsächlich gepresst werden kann.
Aber hey! Auch ohne etwas zum Anfassen ist die Musik ist auch richtig gut. Es handelt sich hier Soloaufnahmen an Trompete und Flügelhorn, allerdings unterstützt durch Elektronik bzw. über den Hintergrund eines "Polyhymnia" Remixes gespielt. Was mich darauf bringt, dass "Polyhymnia Remixed" ja auch schon seit Ewigkeiten in meiner Merkliste schlummert...
Aber was soll's, diese beiden Stücke, eines ein alternativer Teaser für Ahmeds nächstes Album, das andere ein neuer Take von "One Girl Among Many" glänzen wie gewohnt durch virtuoses ohrenstreichelndes und doch aufregend zwischen Orient, und nahem wie fernem Okzident gleitendem Spiel. Miles would smile. 

SNEEZING PUS / VOMI NOIR - Putrid Necrotomy / Toutes les Couleurs de la Cacophonie Humorale (download) (2019)

Und zu guter widerlicher Letzt gibt es noch einen garstig eitrigen Download. Allerdings auch nur, weil mir der gute tote Neanderhaler Rene Aquarius die auf individueller Zufallsfarbe gepresste 7" neulich schon als Goodie zur "Rat Licker" beilegte. Ich habe allerdings gerne von allen Tonträgern eine digitale Version und in diesem Fall noch keine Kopie erstellt. Also nichts wie her mit dem kranken Scheiß!

Beide Bands dieser extrakurzen Split-EP, sowohl Sneezing Pus, in denen Arbeitstier Aquarius die Drums blastet, als auch die Franzosen Vomi Noir spielen dreckigen Goregrind der ganz alten Carcass-Schule, und alles weitere, was ich über sie sagen könnte, bräuchte dreimal so lange niederzuschreiben wie die insgesamt sieben zwischen ein und zwei Minuten ähem... langen Tracks durch das Gedärm wüten. Spaßmusik, ganz klar. Und als superbes Gesamtpaket verpackt! Die 7" ist genauso großartig wie sick, oldschoolig und doch originell gestaltet. Kostet tut das Ding nur sechs Euro. Also nichts wie reingesprungen in den eklig splatternden Körpersubstanzenauswurfmix!


cassette craze chronicles IV (feat. ASSUMPTION, CHELSEA WOLFE, DSKNT, KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD and 夢遊病者)

Whoah, already? Yes? Here's yet another installment of my little segment hitting the play button on recent tape purchases old and new.

CHELSEA WOLFE - The Grime And The Glow (2010)
CHELSEA WOLFE - Unknown Rooms (A Collection Of Acoustic Songs) (2012)

The UK webstore of Sargent House is closing down and thus giving high discounts, so it was a no-brainer for me to snatch these last two Wolfe works which were still missing in my collection. Nothing spectacular regarding the package here, but then the price was also accordingly sparse, right?

The music is of course wonderful. Much closer to PJ Harvey than today, minimalistic, raw and sometimes challengingly shrill on the debut, pure and beautiful on the acoustic album. She may have only been ascending the stairs back then, but you can't deny that the artist on these two tapes is on the unstoppable way of becoming our all rightful contemporary gothic queen.

Two awesome albums which haven't lost any of their original impact.

The next four tapes were all ordered on last Bandcamp Friday (where the artists/labels get the full share of the profit without fees). And three of them all come from the always interesting black/death/avant-garde label Sentient Ruin Laboratories:

ASSUMPTION - The Three Appearances (2014/2020)

Originally released on CD in 2014, Sentient Ruin saved this EP from obscurity with a fresh run of vinyl and cassettes. And boy they did good, because the not three, but four tracks on "The Three Appearances" are a master class in thick, sludgy, yet still atmospheric doom death metal.

I can only approve the label's own promotional text when it places the sound of these Italians between AsphyxBolt Thrower, Skepticism and Winter. Especially the thirteen minute title track with its mournful contemplating organ, Morbid Angel lead guitar madness, psychedelic swirls and many other elements skillfully thrown in, is an enormously exciting crawl through the richness of possibilities within the subgenre.

DSKNT - Vacuum γ​-​Noise Transition (2021)

Could it be that the title is some kind of ironic nod to the fact that anyone who hates this music could easily describe it as just being the sound of several vacuum cleaners in different pitches playing at once?
The good thing is that this description also works just fine in case you totally dig the nihilistic apocalypse which the Swiss black metal commando DSKNT unleashes on this completely mind-and-body-annihilating monstrosity of an album.
If you love the recent dissonant death metal masterpiece "Imperative Imperceptible Impulse" by Ad Nauseam even close to how I love it, but your preference is black metal (squished together with industrial and pure noise) and/or you're just in a mood for more cosmic chaos and utter relentless aggression, this might just be your cowbell.
"Vacuum γ​-​Noise Transition" blasts with a level of unforgiving weird violence that is almost incomprehensible for human perception. If you deem this your prefered soundtrack for romantic hours, you're in urgent need of therapy. Just sayin'. It's bloody awesome though.

夢遊病者 - Noč Na Krayu Sveta (2021)

One may have noticed by now that I'm kind of in an extreme/avant-garde black/death spree at the moment. And yes, even after Ad Nauseam and DSKNT, there are still limits to be pushed.

Personally I wouldn't even per se categorize this new two-tracks/half-hour EP by the - let me quote - "Russian/Japanese/American experimental ritualistic black metal entitiy 夢遊病者" as metal.
The black metal riffs and voices and whatnot are there, but then there is so much more going on in this creative chaotic thunderstorm, which originates in completely different realms, most prominently free jazz, Middle-Eastern folklore, drone, industrial... yeah, it's a lot. And it's always a lot of stuff at the same time, performed by a lot of instruments including Moog synthesizer, fretless bass, quray and bouzouki by the three core band members, but also strings, winds, brass, oud, electronics, clerical choir vocals and whatever a kubyz is by several guest musicians.

This is Alice Coltrane and Toby Driver having a raging black metal baby. This is Mansur torturing Mono in hell. This is ambitious and beautiful, a piercing bliss so bright, it burns the eyes out of your skull.

Congratulations to Sentient Ruin for releasing this gem, which would also have aesthetically fit into the roster of labels like I, Voidhanger, WV Sorcerer or even Karlrecords. And while I'm already at it, thank you also for putting some real love into the artwork and layout of your tapes. Even though - common problem - the typography is really tiny, especially this package is a true beauty. Just as it should be to measure up to the music.

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD - Teenage Gizzard (Manic Juice Records version) (2021)

Nope, I'm not even trying to find a smooth transition from Sleepwalker (yes, that's the english name for 夢遊病者) to the hyper-prolific Australians King Gizzard & The Lizard Wizard. When Stu MacKenzie's insane psych posse announced a whole bunch of "official bootlegs" a couple of months ago, I definitely knew that now was the final point to admit that I'll never even try to catch up with their discography.
Basically published by anyone who wants to publish them, most  of these albums are live recordings from (relatively, you know, you know...) recent shows, but also demos and other leftovers.

And even though some of the many additions seem to be absolutely wonderful works of love and art, I don't think that I realistically need half a dozen of King Gizz live album, so I quickly decided that the one album I wanted from that bunch was the best cassette version of "Teenage Gizzard", which pretty self-explanatory consists of the earliest - teenage - demos of the band, which I could find.
Fast forward to April 2nd I sought Bandcamp thoroughly and found this beauty with just the right artwork from the Canadian mini label Manic Juice Records, which is limited to thirty hand-numbered copies.

Musically infant Gizzard can't really be called psychedelic yet, but their at times almost punky, enthusiastic garage surf rock for sure is infectious and fun.

"Life Is Cool."