LAIBACH - Laibach40

There are certain albums which can crush any collecting completionist's financial stability, because it feels like they're just getting remixed, remastered, reissued in varying formats all the time*:

Pink Floyd - "The Dark Side of the Moon"

Dire Straits - "Brothers in Arms"

Fleedwood Mac - "Rumours"

The Kraftwerk catalogue after "Ralf und Florian"
Anything Beatles or Queen...

And now after "Opus Dei" (recently remastered AND revisited) also Laibach's self-titled debut album?

LAIBACH - Laibach40 (4CD + DVD Box) (1985/2025)

Given that 1. this particular album is already a part of the "Laibach Revisted" box (the most expensive item in my whole music collection) and 2. there's not too much actually new material in this new fourty years anniversary set, it took me a while to consider if I actually needed it - and which version (five LP's or four CD's) would be the preferable one.

Pro vinyl: Two big Laibach boxes side by side would definitely look cool. Contra: Even though it's not nearly as expensive as the self-released "Revisited" box, it's still a sevenscore Euro (plus shipping) investment for a lot of stuff I already. Ultimately I went for the compact disc variant, which has the exact same musical content and extras, and seriously is beautiful enough for me.

The debut itself is included under its originally intended name "Nebo  žari" ("The Sky Is Glowing") here. Like on all previously released versions the tracklist varies a little in the second half, but otherwise it's the same familiar essential Experimental Industrial classic.

Two of the three live albums in the box have also been released before:

"Ljubljana - Zagreb - Beograd", which documents Laibach's raw and provocative first Yugoslavian shows in 1982, hasn't even been in my collection for very long yet - but since it has been remastered and the last four pieces are all individual tracks now, there is at least a little improvement.

The same goes for the also remastered version of "M.B. December 21, 1984", a recording of the legendary show that officially never was, when the band was banned from live activities and forbidden to use their name. Just like the vastly different versions of "Država" on the previous CD this album is an excellent example of Laibach's versatility right from the start during their early years, when besides drums they were mostly relying on cheap self-made instruments and tape loops of samples from records to build their menacing wall of sound. Here it's especially the inclusion of a clarinet / trumpet player and Jazz improvisations, which still sticks out as a rare abnormality in their discography to this day.

The last CD finally brings us to the exlusive, previously unreleased part of this compilation. It's not the first album called "We Forge The Future", but actually an even more recent 2025 recording of another special show recreating Laibach's infamous scandal performance at the Zagreb Music Biennale 1983.
And since modern Laibach calling back to their Eighties' mechanical Industrial days is always a treat and this show "Live at the Cuktama Gallery" is different enough from the 2017 re-enacting "Live at Reina Sofia", this disc was the crucial factor pro purchase for me. I just love these kinds of retro-historic performances featuring original members Dejan Knez and Ivan Novak back on stage. And since I'm of course a little bit sad that I've only just missed one of those at the band's 45th anniversary in their hometown Trblovje, this is at least a decent consolation prize.

The first years of Laibach are surrounded by a lot of both mundane and mythical lore. So while perceived contradictions may naturally arise, ultimately every serious attempt of digging into the history - from their inception, over the suicide of  frontman Tomaž Hostnik, struggles with authorities, the "exile" in London and first European tour to the recording and very delayed release of their debut - adds new perspectives and thus other pieces of knowledge to the puzzle.

"Laibach40" does so with a booklet with recent and historic liner notes and even more intriguingly presented old and new insights on a DVD featuring the Slovene TV documentary "Music is the Art of Time - LP film Laibach" - plus another extra booklet dedicated to it.

This week I will finally get my long overdue first reading glasses, so I hopefully won't need the aid of my smartphone flashlight to actually read that stuff anymore. But apart from the small font the layout is fine. The whole solid box with seperate covers for each disc is a great item, which I would unhesitatingly recommend to anyone who isn't already familiar with most of its musical content.

In case you already own three of the four albums I cannot unburden you from your personal decision, if it's worth spending your money for the rest - especially the vinyl box. I can only tell you that every single part of this box is convincing - and that you probably should decide soon, because the limited stock obviously won't last forever.

* DISCLAIMER: I haven't actually checked the accuracy of my "gut feeling" examples. 

CIRITH UNGOL - Live At The Roxy

Ich habe gerade mein Exemplar des erwartet bekloppten neuen Igorrr-Albums bekommen, bei der Gelegenheit aber auch mal wieder mit einer anderen Metalblade Records-Band auf der komplett anderen Seite des Oldschool/Newschool-Spektrums aufgeschlossen. Yep, ich habe mir endlich Cirith Ungols letztes Studiowerk "Dark Parade" auf Vinyl zugelegt - und außerdem dieses noch neuere Livealbum, welches man im Grunde als eine der am einfachsten rezensierbaren Veröffentlichungen dieses Jahres betrachten kann. 

CIRITH UNGOL - Live At The Roxy (2CD + DVD) (2025)

Wer die Band kennt, der ahnt schon, was diesen Text so leicht zu verfassen macht. Cirith Ungol sind einfach das Paradebeispiel einer Kultband, die nach Jahrzehnten Funkstille zurückkehrt und dabei einfach alles richtig macht.

Mögen die Heavy-Metal-Pioniere auch noch so gigantischen Einfluss auf bösartige Doom-Spielarten, Death Metal und andere Genres gehabt haben - es brauchte reichlich freundschaftlichen Druck, die Kalifornier um Sänger Tim Baker und Drummer Robert Gaven, Urmitglied seit 1971(!), zur Reunion zu drängen. Und zu reichen Fantastilliardären kann man in dieser Sparte auch mit noch so viel Kult nicht werden.

Der Antrieb, diese Wiederkehr auch über einzelne Festivalauftritte hinaus über mehrere Jahre fortzuführen, war also die ehrliche Lust, wieder Musik zu machen und live aufzutreten.
Doch wo bei manchen Veteranen neue Alben eigentlich nur als kurzfristige Aufmerksamkeitserreger für die nächste Tour dienen, auf der dann doch nur die bewährten Klassiker abgenudelt werden, haben Cirith Ungol es auch geschafft, den alten Spirit vor der Trennung Ende 1991 in großartigen neuen Alben einzufangen, die sich vor Klassikern von "Frost and Fire" bis "Paradise Lost" nicht verstecken brauchen.

Cirith Ungol live in Hamburg 2024

Und so ist es dann auch sehr passend, dass"Live at the Roxy" tatsächlich auf der release-Party zu "Dark Parade" aufgenommen wurde und mit dem kompletten 2023er Album beginnt, ehe eine weitere Stunde mit unsterlichen Krachern wie "I'm Alive", "Black Machine", "The Frost Monstreme", "Masters of the Pit" und "King of the Dead" anbricht.
Und beides ist einfach großartig! Die Balance zwischen den immer etwas fieser als bei den meisten anderen Heavy-Metal-Bands der Siebziger und Achtziger klingenden Riffs und edlen Soli. Das urige und doch nicht anders vorstellbare Powerdrumming, das einmalig fies schrille und gerade live enorm überzeugende Organ des Frontmanns... Die Songs natürlich. Alles stimmt hier. Da es auch am Sound auf dieser Doppel-CD gar nichts zu mäkeln gibt, kann das Urteil nur lauten: Perfekt! Mit Sicherheit eines der geilsten Livealben des Jahres.

Die dritte Disc des Digipaks enthält das Ganze als Bonus noch auf DVD. Diese enthält keinen Schnickschnack, der einzige Punkt des Startmenüs ist Play. Und mehr braucht man auch nicht. Denn das Konzert ist sehr nah dran aus mehreren Perspektiven abgefilmt, man fühlt sich mittendrin in dieser schweißtriefenden Show für die Ewigkeit. Geil!

Auch wenn es sich - genau wie auf dem Deaf Forever Birthday Bash letztes Jahr - in der Qualität der Show nicht niederschlägt, ist der einzige Wermutstropfen dieses Auftritts wohl, dass Originalgitarrist Jim Barraza hier bereits aus gesundheitlichen Gründen aus dem Reunions-Lineup zurückgetreten war.

Dessen ungeachtet taugt "Live at the Roxy" aber tatsächlich auch, um Neulinge mit dieser einmaligen Gruppe anzufixen. Ich kann mir jedenfalls gut vorstellen, dass sich dies langfristig zu meinem meistgespielten Cirith Ungol-Album entwickelt.

Selbstverständlich geht kein Cirith Ungol-Album ohne Michael Whelan-Fantasycover. Ordnungsgemäß erlegt also Schwertschwinger und "Playbarbar" Elric wie seit jeher posierbewusst sein x-hundertstes Monster. Was will man mehr?

SWANS - Birthing

So, jetzt aber! Einmal bitte das größte Album von meiner aktuellen Rezensionswarteliste streichen!

SWANS - Birthing (2CD+DVD) (2025)

Nein, Michael Gira macht es mir nun schon seit einer Weile nicht wirklich leicht, über neue Swans-Studioalben zu schreiben. Dabei ist gerade dieser neue zweistündige Koloss durch seine durchweg grandiose Qualität eigentlich sehr entgegenkommend.
Es ist aus Schreibersicht halt nur komisch, wenn man schon mehrmals das Ende der lauten maximalistischen Inkarnation der Gruppe (weiter)verkündet hat - und dann kommt doch immer wieder doch noch ein gigantischer lauter überwältigender Brocken! Nicht, dass ich als Fan irgendetwas dagegen hätte, aber man kommt sich schon so ein ganz kleines bisschen dumm vor.

Wie auch immer, schon der der über zwanzigminütige Opener "The Healers" mit seinem achtminütigem Aufbau, ehe der hypnotische Groove von Drummer Phil Puelo und Monsterbassist Christopher Pravdica einen rettungslos gefangen nimmt, macht einen spätestens in der absoluten Noise-Eskalation zu Beginn des himmlisch episch explosiven Finales klar, dass man es bei diesem Doppeltonträger mit einem hervorragenden Vertreter dieses Swans-Sounds zu tun hat.
Klar, das war auch nach dem direkten Liveerlebnis der aktuellen Konstellation und dem außerordentlich "Live Rope" bereits mehr als dezent zu ahnen, doch dieser erste Track zementiert bereits die Ahnung, dass die restlichen hundert Minuten das Niveau nur einigermaßen halten müssen, damit wir es mit einem diskographischen Highlight auf Stufe von "To be Kind" zu tun haben.

Und "I Am A Tower" bestätigt diese Ahnung nicht nur, indem es bekannte Stilmittel wie endloses An- und Abschwellen des perfekten Chaos zu Giras bedrohlich charismatischer Schamaenenpräsenz abruft, sondern überrascht auch noch mit einer nicht im geringsten um Subtilität bemühten musikalischen Hommage an David Bowie. Man nimmt schließlich in Berlin auf - und so kehrt der Song nach einer Meditation in harmonischen Chorgesängen und transzendent gehämmertem Dulcimer als die wirklich größmögliche Annäherung an "Heroes" zu vollem Volumen zurück. Das lässt einen kurz das Cover checken, ob man nicht in eine andere Dimension gesprungen ist - und dann ist es einfach nur cool.

Es folgt der Titeltrack, der in seiner mächtig ausladenden Erhabenheit und z.T. unerwartet positiv erbaulichen Energien noch einmal eine Schippe obendrauf lädt.

Auf der zweiten Disc werden die Stücke dann zahlreicher (fünf Tracks) und kürzer (Durchschnittlich achteinhalb Minuten).
In "Red Yellow" kehren Swans mit einem gespenstischen männlich-weiblichen Post Punk-Duett in die Achtziger zurück, ehe ein unentrinnbarer Geradeausgrooven einen in den moderneren Post-"The Seer"-Sound inklusive im Hintergrund kreischenden Saxophon katapultiert.

"Guardian Spirit" führt diese Richtung mit mystischen und majestätischen Untertönen weiter, ehe der längste Track dieser CD komplett aus dem Rahmen fällt: Inklusive Maschinengewehrdrumming durch Tim Wyskida, Bandkollege von Lap-Steel-Gitarristin/Bassistin Dana Schechter in Insect Ark, entpuppt sich "The Merge" als komplett wahnsinnige unvorhersehbare Kollage aus durchaus nachvollziehbaren Passagen, aber auch wirren Samples und abstraktem Krach. Kaum als Song im herkömmlichen Sinn zu betwerten, ist der Track als komprimierte und in komplett neue Klangwelten überführte Weiterführung der Idee von "Soundtracks For The Blind" tatsächlich ein mutiges Highlight des Albums.

Danach lässt sich im Grunde gar nicht mehr vollständig zum Normalbetrieb zurückkehren, und so ist es dann auch der geradezu traumhafte instrumentale Longtrack "Rope" (deutlich kürzer als die bekannten offiziellen Liveversionen allerdings), der schließlich direkt in den balladesken Ausklang "Away" hineingleitet.

Swans live in Hamburg 2023

Ich glaube, es gab bisher kaum ein Swans-Album, welches über eine derartige Länge dramatisch so gut  strukturiert worden ist wie "Birthing". Dank diverser unverlangt in die Länge gezogener Autofahrten habe ich das Album sicherlich schon häufiger ununterbrochen gehört, als unter normalen Umständen zu erwarten wäre - und ich entdecke einfach keinen Schwachpunkt.

Das einzige, was mir an "Birthing" missfällt ist tatsächlich die Verpackung. Nicht das Artwork oder Design, welches sich komplett innerhalb der gewohnten Parameter von Young God Records bewegt. Aber warum zum Henker wurde für das Digipak für die beiliegende DVD nicht einfach - wie in der Vergangenheit auch schon geschehen - einfach um ein Panel erweitert? Stattdessen dachte ich - und damit war ich keinesfalls alleine! - zunächst einmal, dass meine Version gar keine Bonusdisc enthalten würde, da diese hinter einem der Plastiktrays versteckt war, was eine super schlechte, einen bei jeder Herausnahme verunsichernde Lösung ist. Nein, nicht gut.

Der Inhalt der DVD kann sich aber immerhin sehen lassen. Zusammengestellt aus zwei 2024 in Brooklyn gespielten Konzerten (mit zusätzlichem Bildmaterial aus LA), bekommen wir hier noch eine raue "Rope"-Performance auf die Ohren, die ehrlicherweise nicht so großartig wie das letzte Livealbum ist, aber durch ihre Andersartigkeit - jede Swans-Show hat halt ihren eigenen Charakter - definitv anschauenswert.

Das echte Highlight ist jedoch "I Wonder If I'm Singing What You're Thinking Me To Sing", eine 2023 kunstvoll gefilmte und geschnittene Soloperformance von Michael Gira in einer Kirche in Oslo. Absolut ergreifend, wie auch die Reaktionen des Publikums zeigen - und dankenswerterweise ohne die toxische Spannung, die seinem Duo mit Michael Hahn dieses Jahr seine ähm... besondere, zwiespältige Elektrizität gab.

Insgesamt addieren sich diese beiden Shows zu satten zweieinhalb Stunden Bonusmaterial. Wenn man die Investition bedenkt, die beim Import von Swans-Tonträgern inklusive Versand, Zoll und Gebühren stets zusammenkommt, ist dies wirklich eine sehr faire Geste vom Künstler.

Da ich spät dran bin, weiß ja ohnehin schon jeder, den es betrifft, ohne meine Hilfe bescheid, aber für den Fan führt an "Birthing" im Grunde kein Weg vorbei.

NEPTUNIAN MAXIMALISM - Solar Drone Ceremony

Their 3CD (or 3LP) mammoth debut album "Éons" was without any question an album of the year 2020, and Neptunian Maximalism are already establishing themselves of one of the most impressive driving forces in heavy music in the year 2021 also.

Along with the commissioned performance of Gold their show "Set Chaos To The Heart Of The Moon" was probably one of the most talked-about and rewatched streams of the phenomenal Roadburn Redux online festival. (The closely related Les résidences du Botonique show, which was streamed a week later can still be watched on YouTube.)

And now - in the wake of this glorious amalgam of Mount Fuji Doomjazz Corporation, Alice Coltrane and heavy psych we are blessed with yet another live recording of the group, which now fully embraces the example of Sun Ra and dubs itself the Neptunian Maximalism Arkestra.

NEPTUNIAN MAXIMALISM - Solar Drone Ceremony (orange/blue merge vinyl + DVD) (2021)

But let's not confuse ourselves here: When I say now, I mean then of course.

Because obviously "Solar Drone Ceremony" predates the Roadburn Redux livestream. This recording is in fact even older then "Éons".
Is it too early to consequentially draw comparisons to the way Miles Davis' electric phase saw the day of light? As a mixture of actual live shows and studio live performances, which were reshaped and enhanced later, all from a period of several years, but released in only loosely chronological order? We'll see I guess.

What is more than appearant by now is that the Belgian collective around Guillaume Cazalet is not at all about cutting specific songs in stone for eternity. There rather is a reprise, development and re-creation of motifs and movements, not wholly unlike the way the "Seer" Swans incarnation worked or how many of Magma's opuses transformed over time.

NNMM live at Roadburn Redux

"Solar Drone Ceremony" itself, a single fifty-minute chunk of music, is a radical rework and magnification of the the band's first EP "The Conference of the Stars", which I honestly have skipped so far, because there was just so much to unpack on "Éons".
While that album was only built by four people with Cazalet basically playing everything apart the saxophone and two drumkits, the Arkestra's line-up here is almost similar to what we saw at Roadburn: nine members, including two drummers, sax, lots of guitar, synths and "digital soundscape".

Stylistically this performance is much easier to pin down, especially since the role of the jazz part isn't as strongly developed here yet. Just like "To The Sun", the third part of "Éons", this sun-themed epic is a celebration of majestic, slow-building drone doom.
My personal Holy Grail of this genre is the colossal "Live at Roadburn 2010 - 2012 - 2014" triple of Bong, where with each show the band grew larger and broader in sound. "Solar Drone Ceremony" almost sounds like a succession of this series in 2016 or 2018 with even more colours added to the palette.

Starting in occult, almost dungeon synthy ambience, Neptunian Maximalism take a lot of time for a slow, a very slow, but therefore all the more powerful build-up, which takes the whole A-side of the record to grow to its full size and eventually find a resolution leading into the more "catchy" doom metal and psychedelic rock half of the composition, which also brings Cazalet's voice chanting in ominous, shamanistic proto-language more to the foreground, invoking a sense of deep cross-cultural spirituality, which combines the ancestral Jupiterean sources of Sun Ra with the self-flagellating, cleansing urgency of Michael Gira.

The finale of the piece merges untiring krautrock with orchestral glory, seemingly weaving soundscapes from all of human civilization, melting them together within the core of the sun. 

After the standards set by the previously released and performed material of Neptunian Maximalism "Solar Drone Ceremony" holds up in a surprisingly sovereign manner.
Not only is the music just mind-blowingly GRAND in capital letters, but also the stellar artwork of "Éons" has found a worthy successor here with a very beautiful vinyl colour variation, atmospheric live photographs and above all the detailed cover painting by Hervé Scott Flament.

The only thing which is not larger than life about this release is the audience attendance in Brussels in March 2020, right before live shows in general became a rarity. If people would have known how long they would be denied of that experience, the room would have been packed.

The DVD that's included does not try to hide that fact, but drenched in trippy camera work, effects and overlappings, it clearly doesn't attempt to be a regular live music documentation either.
No, also with visuals, this remains much more a journey of the consciousness than just a piece of music by some dudes and dudettes.

One could conclude that by right the future should belong to Neptunian Maximalism, which might or might not happen. In truth though, even after only this couple of years, this Arkestra exists in a place beyond the shackles of past, present and future.

TRIPTYKON with the METROPOLE ORKEST - Requiem (Live At Roadburn 2019)

"Thomas Gabriel Fischer completing with Triptykon plus a complete orchestra what he had begun decades ago with Celtic Frost. Only at Roadburn. The "Requiem" certainly was a performance noone would have even considered as a possibilty, before it was announced. And it surely not only for me was one of the most anticipated sets of this weekend."

TRIPTYKON with the METROPOLE ORKEST - Requiem (Live At Roadburn 2019) (deluxe dark red LP + 7" + CD + DVD Artbook) (2020)

Anyone who can vaguely remember my review of this concert might understandably be a little surprised that I'm not just writing about the CD version, but the whole all-in maximum bonus material luxury version here, because...

"I hate to say it, especially since I had already bought the "Requiem" t-shirt the day before, but the joint performance of Triptykom and the Grammy-awarded Metropole Orkest was this year's biggest disappointment."

The reason for my chagrin however had never been the musical arrangement or performance itself,

"But - and that's a big but - the sound.

Yes, being in the front meant to be closest to drums and percussions in this case, but I've spoken to attendees who had been in the middle or back and also had similar issues. Maybe it had something to do with the album / DVD production which was obviously going on (professional film camera teams are a rare sight at Roadburn), but there's just no denying, that the whole thing - and especially the band - was just not loud enough.

It's fucking heavy Triptykon and a giant stage crammed with strings and woodwinds, brass, percussion, choir... this should have been ear and soul crushing, the most epic thing ever. But compared to Mono the night before, or compared to what would happen next on this stage [being the magical show of the amazing Anna von Hausswolff], it was a tame household noise level affair."

Ok, many fans were also fine and happy with the sound and volume. Standpoints and perceptions are so subjective.

And when I spotted myself in the concert footage I was reminded that I technically wasn't in the first row like I may have claimed here or there in internet discussions - more like row two and a half or something like that -, so admittedly memory sometimes is an unreliable bitch.

I still stand by what I've written about my general impression back then, though. But thankfully I have made my peace with the somehow spoiled experience.

"I sincerely hope the post production for the upcoming release can fix it and make it a more powerful experience. The music deserved better."

Well, the first trailer for the live album already convinced me that I would indeed hear the "Requiem" as it was meant to sound now. And as I couldn't decide between vinyl and CD - and also wanted the DVD - I just went for the version which contains everything plus extras.

And about my last bitter complaint...

"And the shirt by the way is really small for its size."

Well, let's say my encounter with diabetes took care of that. It fits great now!

But now let's get to the release itself!

"Requiem (Live At Roadburn 2019)" is available in various versions: as a standard CD, as a CD+DVD mediabook, on black, white or golden vinyl (always with two posters and the DVD) and finally as the Deluxe Artbook, at which we will now take a look:

The first obvious difference to all other versions is the alternate front cover of the media book, which contains all of the content, starting with jackets for CD, DVD, the quite heavy crimson red vinyl and a just as thick one-sided bonus 7" with a rehearsal version of "Winter", the purely orchestral final part of the "Requiem", which is also featured on the CD as a bonus track.

But before we get to the music, let's turn over the page to the middle of the book, which is an actual booklet of 24 pages with pictures from rehearsals and the show as well as credits, lyrics and the initial press release from November 2018.

After that comes another jacket, in which you can find all the rest of the stuff, including three posters: One original design for the show, a "standard" band photo with the four regular members and the full version of the Deluxe Set cover artwork.

The cover artwork of all the other "Requiem" versions is included as a 12" print, as well as a card of a band photo with guest vocalist Safa Heraghi.

All in all this artbook is a pretty impressive thing and further reinforces that Tom Warrior since the final Celtic Frost album "Monotheist" just doesn't allow any half-assery concerning his physical releases.

Or let's say almost, because there's one overlooked weak point in the whole packaging: The final item has a narrower size than the rest, which means it can move inside the poster jacket during transport and damage the surrounding cardboard with its corners.
So I had to fix a tear with tape, which while it didn't upset me that seriously, I still find it worth mentioning, just in case anyone working on similar packaging projects is reading this: Make sure that everything measures and is securely fixed in place!


The item itself may be of little practical use - at least for most listeners -, but it's undeniably interesting: It's the full orchestra score of "Requiem".

Already the overview of the orchestration gives away a couple of hints (for example the trumpet having an "airy, smooth Jazz-sound"), that this is not your standard metal band plays with orchestra show, which has kind of become a trope and bane of certain big festivals, whenever they feel the need to produce something "special".
Not saying that these things are generally bad, but there's definitely a trend to just combine the ready-made material of the band with some pleasing harmonies and that's most of it. It's sonically big and impressive, but it often lacks depths and character beyond that effect.

Further into the actual score the instructions make the picture even clearer:
"bowed cymbal (inverted) on timpano skin: bow, than move pedal up and down ad lib to play with the resulting metallic overtones"
"crashtone (continuous): drag bow slowly over dampened E-string with too much pressure"

Not that these examples taken by themselves actually prove anything, but the overall impression is that this obviously is not an another-day-in-the-office job, where the musicians just get the sheet and play through the notes, but where their individual expression is encouraged.

Which is further underlined by the fact that the composition refrains from constantly blasting with everything at its disposal at the the same time, but instead often uses minimalistic arrangements to spotlight certain instruments - and to create dynamics of tension and relief, which isn't exactly the strong suit of too many rock plus orchestra collaborations. 

I'm still amazed that particularly this piece exists at all. Not only for the costs and logistics, but also for the relative obscurity of its origin. "Rex Irae" was just one track on the almost ridiculously diverse Celtic Frost masterpiece "Into The Pandemonium" from 1987, "Winter" a short orchestral piece released 2006 on "Monotheist". Together they only clock in at about ten minutes.

If you had asked me about ideas for a special Triptykon / Celtic Frost show of this scale, my first one would have been to just play "Pandemonium" in its entirety, with all its orchestral, electronic and mexican radio quirks and facettes.
Or you could just collect all the pieces with classical influences and female lead vocals from both bands' whole discographies. Maybe plus a couple of new arrangements of some "greatest hits". Without a doubt there's enough material to create an overwhelming, epic show.

But to take the overture and epilogue of a back then not even existing centerpiece and compose that missing extra half hour of music from scratch, surely was the least safe, yet artistically most challenging option.


"Requiem" begins with "Rex Irae", which right from the beginning sounds noticably different to the album version. It has been transferred from the standard tuning of Frost to the lower doom / death sound of Triptykon, the details of the song and the pure musicianship of the band itself are both clearly refined.
The most notable of all the changes lies in the also deeper vocals, not only from Tom Warrior, whose half-spoken wailings are already established to be in lower registers in this millenium.
Above all the female lead vocals are interpreted in a new way. While the operatic touch of the original is still maintained in the background by the four alto and soprano singers of the Kobra Ensemble choir, the lead voice of Safa Heraghi transports much more warmth and emotion than Claudia-Maria Mokri's album approach.

None of these changes diminish the groundbreaking status of the original, but if you listen to both versions back to back, you can't deny that this new version is the superior one. Quite a good start in my book.




In the over thirty-two minutes of the following "Grave Eternal" band and orchestra are going full doom and slowly walk through various movements with shifting focus and intensity. From just cymbals and timpani playing a game of questions and answers, over sparse mantras grounded by the distinctivly snarling bass of Vanja Slajh, to breathtaking morbid bombast, when all strings, brass, vocals and tubular bells come together. Wave after wave this chapter of the "Requiem" sees Triptykon moving further into advantgarde territory than ever before. It may require some patience here and there, but it always rewards you afterwards.

As mentioned before the Metropole Orkest never comes over as an amorphic "classical music" blob, but gives its individual characters quite soom room for expression. As a result there is a lot of interaction beyond just the band playing here and the orchestra there. In this arrangement, which further develops the themes set in "Rex Irae", the connection between the multiple parts are substantial and go deep. You really feel like everyone on this stage has an equally important purpose, that there's nothing you could just take away.

Lead guitarist V. Santura tastefully channeling his inner David Gilmour early on remains the biggest case of rock stardom during the whole show, other than that Triptykon really blend in and let the music speak for itself. And boy, it has a lot to say!


Not that there would have been space for any circus shenanigans anyway. As you can see on the professionally filmed DVD, the stage was crammed like a can of sardines.

Speaking of the DVD: The concert footage just starts and plays indefinitely. There's no menu, no additional making of material or something like that, but that's totally fine with me, considering all the work and manpower which already went into everything here. And let's be honest: All possible bonus stuff apart from the show itself you would probably watch once and then never again.




After "Grave Eternal" Triptykon exits the stage and leaves the mournfully solemn conclusion "Winter" solely to the Metropole Orkest and the choir.

That the recording can allow itself to wait one and half minutes, before it slowly fades out the frenetic applause afterwards, says more than I can explain here. And remember that several audience members weren't even a hundred percent happy on the spot!

But now, eternalized on this audio and video recording, this is just perfect.


The only way you could improve this would be to travel back in time, boost the volume of the live sound in the 013 and persuade Fischer to add "Tristesses De La Lune" and "Oriental Masquerade" to the set as an encore.

Alright, I'll shut up now.






What Triptykon have achieved here is highly remarkable and should be the universally accepted benchmark for artistic integrity and adventurous courage in any future metal / orchestra production from whoever, regardless of budget or subgenre.

I know it won't be, just as there has never been a second album quite like "Into The Pandemonium", but one can dream and demand shit, right?



It's hard to imagine "Requiem (Live At Roadburn 2019)" not being my favorite live recording at the end of the year. I won't say never, because 2020 is kind of uhm... special, right? But it seems exremely unlikely.

Respect. I doff my hat!

CULT OF LUNA - Years In A Day

Es gibt Veröffentlichungen, die sprechen so sehr für sich selbst, dass es eigentlich Unsinn ist, viele Worte über sie zu verlieren. Und es gibt Rezensenten, die ab und zu einfach mal eine halbgare Begründung für ein schreibfauleres Review als sonst brauchen.

CULT OF LUNA - Years In A Day (DVD/2CD) (2017)

Die norwegische, siebenköpfige Post Metal-Großmacht Cult Of Luna serviert mit "Years In A Day" einen gigantischen Brocken Livemusik in Bild und Ton.

Im zehn-zoll-formatigen Digipack inklusive Booklet befinden sich eine DVD, sowie zwei CDs.

Im Zentrum steht ein spezielles, beinahe zweistündiges Konzert, welches im April 2016 in Paris gefilmt wurde und auch als Audio-Download beiliegt, dazu zwei auf dem Roadburn Festival aufgenommene Shows. Eine stammt aus dem Jahr 2013, die andere, auf der sie das komplette "Somewhere Along The Highway"-Album gespielt haben, wurde unter meiner Augen- und Ohrenzeugenschaft nur zwei Tage nach Paris mitgeschnitten.

Sowohl quali- als auch quantitativ ist dieses Paket ein erschlagend mächtiges Monument. Riffgewaltiger (so heavy, dass es zwei Drummer zum Tragen braucht), fetter, größer, weiträumiger geht Metal kaum noch. Und das würdigt ja noch nicht einmal die nicht minder großartigen ruhigeren Passagen. Durch und durch fantastisch!

Cult Of Luna, Roadburn 2016

Tatsächlich ist mir das alles zu viel und zu gleichbleibend auf höchstem Niveau, um mich für Highlights entscheiden zu können (und Livealben genießt man ja sowieso am besten komplett), deswegen nenne ich unter dem Punkt diesmal nur das eine Stück, welches auf allen drei Konzerten gespielt wurde.
Es gibt bei insgesamt siebenundzwanzig Tracks noch acht weitere Doppelungen, doch insgesamt unterscheiden sich die Sets stark genug, um jedes der drei Konzerten auf "Years In A Day" zu rechtfertigen.

Die Roadburn-Shows wurden auch noch jeweils einzeln auf Vinyl veröffentlicht, sind inzwischen allerdings schon ausverkauft und demnach wahrscheinlich bald nur noch mondpreisig zu bekommen.
Ich bin mit den drei Silberscheiben allerdings schon glücklich genug.

Prädikat: uff!

Highlight: Finland

WANG WEN - In Course Of The Miraculous

In ihrem Heimatland China ist die siebenköpfige, überwiegend instrumentale Postrock-Band Wang Wen eine beachtlich große Nummer. Musikalische Innovatoren, Vorreiter der Vinyl-Renaissance und eine der wenigen auch im Ausland auftretenden Rockgruppen.

Doch eigentlich ist dieses erste Auftauchen der Band in diesem Blog gar nicht für eine allgemeine Einführung der Band geeignet, denn das hier vorliegende Fotobuch inklusive vier 10"-Schallplatten und einer DVD verhält sich sowohl vom physischen Umfang der Veröffentlichung als auch von der Sonderstellung des musikalischen Inhalts im Œuvre der Künstler ähnlich wie Motorpsychos "Konsert For Folk Flest" zu deren üblichen Schaffen.

Im Zentrum steht auch hier eine einmalige Liveperformance in ungewöhlicher Kulisse...

WANG WEN - In Course Of The Miraculous (4 x 10" vinyl Fotobuch + DVD) (2016)

Wer z.B. "Hero" oder "House Of Flying Daggers" kennt, der weiß, dass im chinesischen Kino, wenn es dem Regisseur möglich ist, ungerne gekleckert wird. Und so schlägt Cheng Rans "In Course Of The Miraculous", die Verfilmung des Schicksals eines einsamen Atlantikseglers, bei stolzen 9 (neun!) Stunden an.
Bei diesen Dimensionen ist es für den gewöhnlichen Durchschnittscineasten wohl nur eine Randnotiz, dass die Abspannmusik im passenden Verhältnis  selbst schon so lang ist wie anderswo ein ganzer Film.


Für Musikfans hingegen wird es gerade hier natürlich interessant, kommen nun doch Wang Wen mit einem kompletten einstündigen Liveauftritt, sowie mehreren Studiotracks ins Spiel.


Die Bilder im edel aufgemachten Fotobuch, welches auch alle Bild- und Tonträger enthält, zeigen in Farbe Fotos der Performance und in schwarzweiß Eindrücke der Studioarbeit.
Von außen wurden die für den europäischen Markt bestimmten Exemplare leider auf der Reise durch die Schrauben, die den Einband zusammenhalten, etwas lädiert.  Pelagic Records hat den Vorbestellern netterweise extra eine Mail mit Fotos und der Möglichkeit zu stornieren geschickt, doch so dramatisch sind diese paar Kratzer wirklich nicht. Da sehen einige LP-Hüllen in meinem Regal (auch durch eigene Doofheit) wirklich wesentlich mitgenommener aus.

Der hintere Teil besteht aus Papptaschen für die vier Vinylscheiben, während die DVD in einer Einsparung an der Umschlagseite des Buches untergebracht ist. Da diese allerdings ziemlich eng ist, gestaltet sich die Herausnahme recht mühsam und könnte Kratzer hervorrufen, weshalb ich eine permanente Auslagerung der Silberscheibe empfehle.

Ich habe mir "In Course Of The Miraculous" zunächst einmal auf dem Plattenteller zu Gemüte geführt und dabei festgestellt, dass das Auflegen dieses Albums vor allem ein Ritual maximaler Entschleunigung darstellt.
Zum Teil liegt dies natürlich bereits daran, dass man insgesamt sieben Mal - meistens nach etwa einer Viertelstunde Spielzeit - die Seite wechseln muss.


Der Liveauftritt, eine durchgehende, komplett auf wenigen Themen aufgebaute Improvisation, welche die endlose Weite des Ozeans in Klangbilder überträgt, wurde dabei auf fünf Seiten verteilt, während die letzten drei Seiten den sieben jeweils unterhalb der Zehn-Minuten-Marke liegenden Studiotracks gehört.

Die Musik ist auf allen Tracks ganz eindeutig dem eigentlich außerhalb der gewohnten Komfortzone von Wang Wen liegenden Ambient-Genre zuzuordnen.

In langsamen Wogen dröhnt, schwingt, surrt und schwebt man durch eine Vielzahl unterschiedlicher Klangfarben, die sich zu einer einzigen großen Stimmung verdichten.

Ein durchgehendes Grunddröhnen bleibt während der Liveperformance zwar fast immer erhalten und lullt einen gemeinsam mit den ziemlich starken Laufgeräuschen der Tonträger (Sind diese Plastikhüllen so begünstigend für statische Aufladungen?) regelrecht ein, ähnlich wie es die meisten Alben von Sunn O))) tun. Die Band versteht es allerdings, die Aufführung in mehrere klar unterscheidbare Bewegungen zu gliedern, so dass es auch durchaus möglich und sinnvoll ist, die einzelnen Seiten aus dem Kontext losgelöst für sich zu hören.
Das lohnt sich vor allem in der zweiten Hälfte, wenn die melodischen und rhythmischen Elemente konkreter werden und sich zu mächtigen Crescendos steigern.

Die Studiotracks sind thematisch konzentrierter, schließen atmosphärisch aber direkt an und ergänzen das Gesamtwerk nicht nur qualitativ. Immerhin fünfundverzig Minuten messen sie schließlich zusammen, man hätte sie also durchaus auch seperat veröffentlichen können.


Es gibt Livealben, die ich in der Audioversion bevorzuge. Und dann gibt es Alben wie Björks "Biophilia Live", welches ich erst durch das Video vollends verstanden und zu schätzen gelernt habe.

"In Course Of The Miraculous" gehört ebenfalls zu jener zweiten Kategorie. Zu sehen, wo Wang Wen welche Streicher, mit Bogen gespielte Gitarren, Bläser, Percussion, Klangschalen, Glockenspiele usw. benutzen mag vielleicht ein wenig entmystifizierend wirken, steigert für mich allerdings nur die Bindung zur Musik.

Vor allem aber spürt man die Magie der Location. Das Konzert fand nämlich in einer großen Filmstudio-Halle statt, von der ein großer Teil mit Wasser geflutet wurde. Ein Segelboot schwimmt darin, und auch ein paar Eisberge gehören zum Set. Die Bühne liegt nun mitten in diesem großen Studio-Ozean, so dass die Musiker direkt am Wasser spielen. Das trägt nicht nur zur ungewöhnlichen Akustik bei, sondern liefert im Zusammenspiel mit der Lightshow auch einige ganz faszinierende Bilder.
Ich habe durch das Video tatsächlich erst begriffen, wie brilliant die Band hier agiert.

"In Course Of The Miraculous" gehört auf meinem Einkaufszettel zweifelsohne zu den luxuriöseren Musikanschaffungen. Und ich bereue den Kauf trotz der genannten Mängel nicht. Denn dieses Konzert und Gesamtpaket ist einfach großartig und mit viel Liebe gemacht.

Und konzeptionell passt es natürlich auch sehr gut ins Programm des Hauslabels von The Ocean.



Parallel habe ich mir übrigens das fantastische letzte (normale und daher ganz andere) Studioalbum "Eight Horses" gegönnt, dessen Nachfolger wiederum in knapp zwei Wochen ins Haus steht. Ich glaube, Wang Wen können in den folgenden Tagen und Wochen noch zu meiner Lieblings-Post Rock-Band avancieren.
Zumindest bis im November das nächste Livekonzert von Mono ansteht.

Highlights: In Course Of The Miraculous Part 4 + Part 5, Distance, Till The End

THE NEAL MORSE BAND - Alive Again

"The Grand Experiment", das letzte Album von Neal Morse - bzw. das erste unter dem Banner The Neal Morse Band war für mich das Prog-Großereignis des letzten Jahres, und auch das dazugehörige Konzert in der Hamburger Markthalle war einfach sensationell.

Klar, dass ich zur nun erschienen DVD (plus Audio-CDs) der Tour nicht nein sagen konnte.

THE NEAL MORSE BAND - Alive Again (2CD+DVD) (2016)

Zunächst einmal wunderte mich die gewöhnliche Plastikhülle, die statt eines Booklets nur ein doppelseitig bedrucktes Coverblatt enthält. Nicht der gewohnte InsideOut-Standard. Und tatsächlich ist das Ding diesmal nur über das US-Label der Band, Radiant Records erschienen.

Aber es zählt ja der Inhalt, nämlich die Audio- und Videoaufzeichnung des Konzerts in Boerderij am 06. März 2015.

Bild, Ton, Kamera, Schnitt usw. sind nirgends zu beanstanden, so dass man sich ganz ohne Einschränkungen an Musik und Performance der Supermusiker erfreuen kann.

Ich bin jetzt mal faul und verweise für den Inhalt des Sets auf meinen Bericht aus Hamburg, in dem ich einigermaßen detailliert darauf eingegangen bin.

Jenes Konzert fand ja eine eine Woche später statt als das hier mitgeschnittene, so dass sich noch ein paar Kleinigkeiten geändert haben (so flutschte z.B. der große Instrumententauschirrsinn im hier vierunddreißig Minuten mächtigen "Alive Again" in Hamburg noch besser, während Randy George in Holland nicht John Deacon zitiert hat und Neal Morse wie jeden Abend einen anderen Akustik-Solosong gespielt hat), aber im Großen und Ganzen kann man meine Ausführungen schon auf die Show in Holland übertragen.

The Neal Morse Band live in Hamburg

Wer mit der christlich-religiösen Seite von Morse, die in "There Is Nothing That God Can't Change" und dem Zugaben-Medley stark in den Vordergrund tritt, seine Probleme hat, der muss vielleicht mal skippen. Kennt man ja. Bei über zwei Stunden Showlänge bleibt aber auch für ihn noch genügend Spitzenmaterial der Herren Morse, Portnoy, George, Gilette und Hubauer übrig.

Da dem Meister abseits der Bühne bekanntlich eine Kamera an die Hand gewachsen ist, gibt es auf der DVD natürlich auch noch eine selbst gefilmte Tourdoku, welche die Nordamerika-, sowie Europatour plus einzelne spätere Festivals beinhaltet, so dass man anhand des sympathischen Backstageeinblicks genau nachvollziehen kann, wer sich diesmal wann todkrank auf die Bühne geschleppt hat.

Alles in allem eine gewohnt starke Live-Veröffentlichung, mit der man sich ganz prima die Zeit bis zum nächsten Studioalbum vertreiben kann, welches ja schon längst aufgenommen ist und in nicht allzu ferner Zukunft kommen soll.

Progtastisch!

Highlights: Alive Again, The Creation, Waterfall, Leviathan, The Call 

BLUES PILLS - Lady In Gold

Team True oder Team Sellout?

Und welches Team steht jetzt eigentlich genau für welchen Standpunkt?

Egal, wenn eine Band auf Platz 1 in die deutschen Charts einsteigt, dann hat man sich als Fan derbe fanatisch zu positionieren und Grabenkämpfe auszutragen. Basta!

Ich persönlich mag das neue Album der Blues Pills und finde, dass die Band diesen Erfolg verdient. Und dass sie sich dafür vom immer kommerzverdächtigen Label Nuclear Blast Records hat verbiegen lassen, halte ich für ausgemachten Schwachsinn. Aber darauf komme ich später zurück...

BLUES PILLS - Lady In Gold (CD+DVD) (2016)

Zunächst einmal gilt es, sich zu entscheiden, welche der vielen Versionen des Albums man sich überhaupt zulegen möchte. Wenn es eine Sache gibt, die mir an Nuclear Blast tatsächlich mächtig auf den Zeiger geht, dann dass Vinyl-Neuveröffentlichungen von Zugpferden grundsätzlich in allen Farben des Regenbogens erscheinen, von denen eine weniger mit dem restlichen Artwork zu tun hat als die nächste. Von daher hat sich das Label hier sicherlich über das knallbunte Cover gefreut, welches in diesem Fall wirklich jede noch so absurde Farbvariante tatsächlich irgendwie rechtfertigt.

Allerdings hat das Album ja auch einen Titel. Und dieser ließ für mich eigentlich nur die Version in gold übrig. Oder wegen des runden Motivs die Picture Disc, welche in einer preislich sogar noch fairen Box mit CD, DVD, Plattenbürste und anderen Bonuszeug enthalten ist. Dummerweise traue ich Picture Discs klanglich nicht. Wäre in der Box eine goldene LP und das Cover als Slipmat, dann hätte ich wohl zugeschlagen.

Die goldene Platte alleine habe ich dann aber auch versetzt, zumal sich NB ja nach wie vor inklusiven Digitalversionen verweigert und ich ab und zu auch mal ein Album auf Silberscheibe für Fahrten im Firmenwagen brauche. Also wurde es die CD mit Bonus-DVD.

Auf der DVD sind wieder einmal die Blues Pills live mit ihrem Prä-"Lady In Gold"-Repertoire zu sehen. Das speziell für die "live in Berlin"-Aufzeichnung gegebene Konzert gehört sicherlich zum bisher am besten abgefilmten Material, welches es von der Gruppe gibt. Schon deshalb kann sich dieses Extra sehen lassen. Und hören ja sowieso!



Nun aber zum neuen Studiowerk:

Don't judge an album by its singles!

Bei Veröffentlichung des Titelsongs war ich ja zunächst auch eher skeptisch. Denn wie ich neulich schon im Review zur RockHard-Beigabe "Golden Treasures" schrieb, ist das mit Honky-Tonk-Klavier eingeleitete Lied zwar ein Ohrwurm, ich war mir aber nicht sicher, ob ein guter oder ein böser. Nur solche Lieder und das Album wäre nichts  für mich.

Die rockigeren Stücke "Little Boy Preacher" und "Elements And Things" stimmten mich dann allerdings zuversichtlicher, und das gar nicht mal, weil sie dem gewohnten Sound näher kommen, sondern sie klar machten, dass einerseits das stilistische Spektrum auf "Lady In Gold" erfreulich breit sein würde, dass anderseits aber auch ein paar neue, wohl das gesamte Album durchziehende Mittel benutzt wurden, die mir sehr gut gefielen:

Zum einen sind jede Menge Orgel und Mellotron zu hören, die seit diesem Sommer auch - im Wechsel mit einer zweiten Gitarre - live dabei sind. Es ist also wahrscheinlich nur noch eine Frage der Zeit, bis man sich offiziell zum Quintett vergrößert.

Blues Pills live in Kiel

Zum anderen sind da die authentisch aus der großen Motown-Zeit gepflückten Soul-Chöre.
Für einige aus dem Metal kommende Fans ist dieses Element wohl schwierig, da sie einen Bezug zu "ihrer" Musik brauchen und jenseits davon musikhistorisch eher desinteressiert sind. Bisher ließen sich die Blues Pills ja wie so viele Retrorock-Gruppen als Proto-Metal einordnen, also Musik, die sich irgendwann dann auch zu Metal weiterentwickelt hat. Das können diese Chöre natürlich nicht bieten.

Noch "schlimmer" wurde es dann mit dem letzten vor dem Album enthüllten Stück "I Felt A Change", einer ganz ohne Gitarre, Bass und Schlagzeug auskommenden Soul-Ballade, welche die Sängerin vollkommen in den Fokus stellt und für entsetzte Aufschreie der Marke "Adele wäre stolz!" (ja, warum denn auch nicht?) und den Verdacht von Ausverkauf und Pop-Anbiederung sorgte.

Nun ist es aber ziemlich billig, einfach abwertend als Pop abzuwatschen, was man wegen musikalischer Scheuklappen nicht einordnen kann. Zumal Elin Larsson ja schon immer klar gesagt hat, dass ihr wichtigsten Gesangsvorbild Aretha Franklin ist. Und nun hört man dies eben noch deutlicher.
Außerdem sollte sich jeder, der das Stück für einen Liebes-Schmalzsong hält, den sehr persönlichen Text noch einmal genau durchlesen! Nein, das Thema, um welches es hier sehr wahrscheinlich geht, gehört niemals zu der Sorte, zu der irgendeine Plattenfirma eine Band aus Profitgier zwingen würde.



Überhaupt ist ja die komplette Vorstellung, dass Nuclear Blast die Band "verdorben" hat, ausgemachter Blödsinn.
Alle Trademarks, welche die Gruppe bisher auszeichneten, liegen nach wie vor im Trend. Die Blues Pills haben sich live dermaßen den Arsch abgespielt und Staub aufgewirbelt, dass an einen kommerziellen Flop niemals zu glauben gewesen wäre, selbst wenn die Gruppe ihr Debüt komplett kopiert hätte. D.h. für das Label wäre es überhaupt kein Problem, wenn man sich eins zu eins am bewährten Klang festgeklammert hätte.

Aber es gibt anscheinend tatsächlich Leute, die an ein konspiratives Meeting glauben, in denen der Nuclear Blast-Chef der Band zugeredet hat, unbedingt noch mehr schwarze Soulmusik der 60er und 70er Jahre in ihren Sound zu integrieren, weil der typische NB-Kunde ja sooo ein Riesenfan von Otis Redding und dessen Erben ist. Aber sicher!

Nein, diese Idee hatten Bassist Zack Anderson und seine Mitstreiter schon selbst. Und es war eine ausgesprochen gute Idee!

Denn diese Verheiratung des energischen Blues Pills-Rocks mit ebenso glaubhaft annektierten Soul- und Gospeltraditionen sind es, die den besonderen Charakter von "Lady In Gold" ausmacht und die Sammlung von zehn ansonsten sehr unterschiedlichen Songs zusammenhält.
Obwohl alle Stücke auch in ihrer Länge singletauglich sind, ist dies eindeutig ein Album-Album, also ein Werk, welches größer ist als die Summe seiner Teile. Das liegt an der perfekten Anordnung der Songs, welche dem Ding eine sehr kurzweilige Spannungskurve verleiht. Jedes Lied kommt zu seiner Zeit genau richtig.

Allein der Verlauf vom vierten Track "I Felt A Change" über die allmähliche Steigerung in "Gone So Long" bis "Bad Talkers", das die beinahe komplett entfesselte zweite Hälfte des Albums einläutet, ist einfach gold wert.

Dass die Gitarre manchmal eine etwas weniger prominente Rolle einnimmt, da der Gesangsanteil der Stücke gestiegen ist und sie sich Räume mit den Tasteninstrumenten teilen muss, ist eine Begleiterscheinung, die ich gut verkraften kann.  
Live bleiben uns die längeren Freakouts der früheren Songs schließlich erhalten. Und auch die neuen Stücke bieten durchaus Ansatzpunkte für Jams, die Dorian Sorriaux gewiss nicht dauerhaft ungenutzt lassen wird. Dass zudem alles, was er auf dem Album zeigt, wieder von ganz großem Ausnahmetalent zeugt, muss ich eigentlich nicht mehr erwähnen.


Die Blues Pills sind dem Hype und der damit einhergehenden gigantischen Erwartungshaltung insgesamt erfreulich gelassen begegnet. "Lady In Gold" ist niemals verkrampft oder überambitioniert, sondern einfach ein kleines (etwa vierzig Minuten) aber sehr feines Album voller frischer Ideen und hervorragendem Futter für die nächsten Livesets geworden.

Und was anderes wollte doch niemand, oder?

Highlights: Bad Talkers, Won't Go Back, I Felt A Change, Burned Out, Elements And Things