Most posts are in german, yet sometimes I switch to english. The title of this blog changes from time to time.
If the title is displayed in Comic Sans, please refresh the site! That's unless you really dig Comic Sans of course.
Interested in me reviewing your music? Please read this!

2021-10-17

JÜ - III

IN CASE YOUR KNOWLEDGE OF THE GERMAN LANGUAGE ISN'T ADVANCED ENOUGH TO UNDERSTAND THIS TEXT, YOU CAN ALSO READ A MORE ELOBORATE ENGLISH REVIEW OF THIS ALBUM ON VEIL OF SOUND!


Üch führ führ führ üm Krüüsvürkühr, wü kümmt dür schün wüüdür hür? Und wüü züm Tüüfül künn üch hüür müünü Führrüchtüng ündürn? Sü früstrüüründ!
RürüNüüsüRücürds, düs Lübül, düm wür düü günüülün Vürüffüntlüchüngün vün Müts Güstüfssüns Thü Ünd zü vürdünkün hübün, hüt müch müt düüsüm füszünüüründün Ülbümcüvür günz klür rümgükrüügt. Ünd züm Glück üst üüch düü Müsük üüf düm drüttün Stüdüüülbüm düs üngürüschün Trüüs grüßürtüg!


JÜ - III (vüülüt vünül LP) (2021)

Künzüptüünüll künn mün düü Müsük üüf "III" üls dün Vürsüch bütrüchtün, düvürsü Fürmün vün Wültmüsük - jüdüch müt klürüm Schwürpünkt üüf jüvünüsüschür Gümülünmüsük - dürch düü Lünsü üünüs üürüpüüschün Jüzzrück-Püwürtrüüs üntür Üntügrütüün üstüürüpüüschür ünd nürdüfrükünüschür fülklürüstüschür Lüütününstrümüntü ünd üdvüntgürdüstüschür Ülüktrünük nüü zü üntürprütüürün.

Klüngt vürküpft, üst jüdüch lütztündlüch üün wüldür Rütt, dür Üssüzüütüünün vün Küng Crümsün büs Küng Güzzürd, vün Sünyüwü büs Müng Tüng, vün Jühn Zürn büs Jüsün Kühnün hürvürrüft.

Ünd wünn üüch nüch düü üüf dür Hülftü dür zühn Trücks vürtrütünü Güstsüngürün Dürü Güürfü ührü mül glückünhüll schwübündü, mül  müstüsch-güspünstüg schüürügü Stümmü übür düüsüs psüchüdülüsch prügrüssüvü, üüschwüüfünd üxpürümüntüllü Schüülüüfün püsütüvür müsükülüschür Büklüppthüüt ürhübt, dünn üst üs kümplütt üm müch güschühün.

Üüch wünn üs küntümplütüvü Mümüntü hüt, üm üünün zwüschündürch (ünd üm Ündü) rüntürkümmün zü lüssün: düüsüs süpür übwüchslüngsrüüchü Füüürwürk ün Spüülfrüüdü ünd üngüwühnlüchün Üdüün ünd Kümbünütüünün fützt üünfüch!

Ünd düss mür düs Ürtwürk düzü üüch nüch günz güt güfüllt, ürwühntü üch bürüüts.

Füzüt: Hümmür!





2021-10-10

cassette craze chronicles VIII (feat. BRÍI, LUCY ADLINGTON & MIKE VEST and REPEATED VIEWING)


New tapes, new spinning... and already with the first one it's going out of control...








REPEATED VIEWING - The Family (2021)

Spun Out Of Control is a label specialised in limited cassette runs of synth music, which I am familiar with since Heinrich Dressel's "Shapeshifting". Yeah, that's not super long, but anyway here's the second tape I ordered from them. In the realm of John Carpenter inspired synthwave music, there are three, probably equally represented kinds of albums: just an album albums, actual soundtracks and soundtracks to imaginary obscure VHS movies. "The Family" is one of the latter.
Something with the involvement in an accidental death, satanic bikers, forbidden love and an unhappy ending, horror/slasher stuff, probably with a pinch of laboured and pretty bad humour. But honestly, you're only watching this trash for the astoundingly cool music in it anyway, right?
There's not much on this album by Alan Sinclair's one-man project Repeated Viewing, on which I could elaborate in detail, but if you're into Carpenter Brut, Zombi, Mitch Hunter and shit like I am, then chances are good that you might dig this. Cool.








BRÍI - Sem Propósito (2021)

Oh, another synth soundtrack release! At least for the first three or four minutes you could think that. Than it dawns to you, that it might rather be trance music - before it takes a turn to blasting black metal. And of course it does! This is a new album of Brasilian avant-garde extreme music project Bríi after all. And it seems like the shackles of genres and conventions are sitting even looser than on "Entre Tudo que é Visto e Oculto". Or at least the execution of the idea is even more radical now, as Serafim, who is only aided by two guest vocalists on this album doesn't give us any real time to breathe and digest what we're hearing. Instead he feeds us an hour of ideas in only two big unnamed chunks, each filling twenty-eight minutes and twelve seconds of one side.
Beside the ingredients electronic trance music (as in ambient, techno and synthwave) and black metal there are also elements akin to post rock and also - fitting, since the tape is being distributed by Lovers & Lollipops - a good amount of guitar-driven psychedelic rock.
I've already mentioned a spiritual connection to Esoctrilihum in my last Bríi review, yet in comparison this stuff is a lot more seamless, accessible and hypnotic. In its endless flow this album rather reminds me of the mesmerizing Russian blackgaze masterpiece "Ladoga" by Olhava. One hour is definitely not too long fo this album, especially since around the forty-minutes-mark, where a normal LP would end, the whole things just kicks itself to another level of awesomeness.
Even though huge amounts are something entirely different, I think I can already count "Sem Propósito" among my favorite metal releases of 2021. 








LUCY ADLINGTON & MIKE VEST - House Of Worship (2021)

No track titles, just side A and B, both sides filled with sound to the brim. Same as we just had with Bríi, albeit in this case both tracks are only twenty-two minutes short each. Other similarities these two tapes share are their love for ambient atmospheres and repitition. The genre is a different one though.
Lucy Adlington is a new artist for me, while I'm familiar to her cooperator Mike Vest as grandmaster of drone doomers Bong. And there you have it: "House Of Worship" is pure drone, recorded in a church, like its title suggests.
The trademark Bong guitar tone, which seems to carry Eastern enlightenment and mysticism is clearly recognizable, but there are more things going on. More guitar noises and feedbacks, scattered percussions - and my favorite, an old detuned piano, which opens the second half.
While a certain viscious darkness lurks deep in the shadows of this live recording, this isn't a drone which forces itself onto you as a purely punishing experience, yet rather lets you chose how you want to go through it yourself. And especially during that atmospherically thick and rich second mass I choose transcendence.
With an edition of 30 copies, coming with an original petal from the house of worship, this release could hardly be much more limited, so I'm very glad to call this treasure my own.

And whatever reasons UK customs had to return the little package to Lucy without explanation, so she had to try to send it a second time, I personally just file it under fuck Brexit, once again, for the bazillionth time. 






2021-10-09

Sula-Trio mit ELECTRIC MOON meets TALEA JACTA, SULA BASSANA und ZONE SIX


Dave Schmidt aka Sula Bassana haut gut raus dieses Jahr. Aber da ich hier ja ohnehin zunehmend auf Sammelreviews setze, passt das natürlich. Da höre ich doch gleich in drei anstehende bzw. gerade erfolgte Veröffentlichungen gleichzeitig rein!

Hmm...  komischer Klangmus. Also doch hintereinander. Aber schnell, bevor das limitierte Zeug schon wieder ausverkauft ist!





ZONE SIX - Psychedelic Scripture (2004/2021)

Das älteste Album hier (auf dem Dave für Bass, Percussions und Flöte verantwortlich ist) ist die erste Doppel-LP-Pressung eines ursprünglich 2004 auf CD erschienenen, live improvisierten Werkes. Plus zwei Bonustracks von 1998, welche die Spielzeit von ca. 50 Minuten noch einmal um über zwanzig Minuten verlängern.
So space ambient waberig und blubbernd wie auf "Psychdelic Scripture" habe ich Zone Six selten gehört. Die Synthies sind hier Hauptdarsteller und das macht sehr viel Spaß. Wenn wir in Genre-Archetypen sprechen, dann steckt hier von der Stimmung her sicherlich eine Menge "Echoes"-Mittelteil drin. Im Grunde könnte ich mir das auch ohne große Rhythmik und Gitarrenbeteilung reinziehen. Ist aber natürlich beides auch dabei. Insbesondere "The Pipe Dream" entwickelt dabei geradezu einen funky Drive.
Die Bonustracks betonen dann noch mehr das "Rock" in Psychedelic Rock. Das dies andere Aufnahmen aus einer ganz anderen zeit sind, merkt man sofort, aber hey, ich gehöre auch nicht zu den Leuten, die groß meckern, wenn auf einen halbstündigen Jazzklassiker noch Extras ganz anderer Bandbesetzungen gepackt werden, um die Rille vollzubekommen. Mehr gute Musik ist mehr gute Musik. Trippy! (Was auch sonst?)







SULA BASSANA - Loop Station Drones (2021) 

Basierend auf einer einfachen Grundidee und in mehreren, sogar in ihrer Entstehung auf Bandcamp nachverfolgbaren Sessions alleine zu Hause aufgenommen, sind die "Loop Station Drones" sozusagen das hässliche Schwesterlein (rein optisch, weil jemand wohl gerade keinen Bock auf Covergestaltung hatte, haha) der großartigen "CV Sessions".
Statt CV-Kabel-Modulation bilden auf den sieben Tracks dieses Albums nun Effektschleifen die Basis. Teilweise unterstützt von analogen Elektrokonservenbeats, improvisiert Sula mit Gitarre und alten Synthies sich hier bis auf wenige Overdubs live bis zur vollkommenen Entrückung wieder durch eine erstaunlich vielfältiges und doch stets unverkennbar seine Handschrift tragendes Klangmultiversum. Vom zum Roadburn Redux veröffentlichten Opener "Roadburn Haze" über die epochale "Karawane der Unsterblichen" bis zum "One Way" durch das "Stargate" manövrierten "Dopeshuttle" fällt kein Abschnitt dieser Reise ab. Dafür schlüpft man doch gerne in den Krautonautenanzug. Vor allem ist die Produktion der Sula Bassana-Soloalben ja mittlerweile auf einem überaus fetten Grundniveau angekommen - ein sehr voller, abgerundeter Hörgenuss.
LSD gibt es als CD getarnt bei Sulatron Records. Die Vinylversion erscheint voraussichtlich nächstes Jahr auf Pancromatic Records.







ELECTRIC MOON meets TALEA JACTA - Sabotar(2021)

Auch dieses Album wurde bereits zum Roadburn Redux angeteast. Es handelt sich um die Liveaufnahme einer im September 2019 gespielten, gemeinsamen Show von Electric Moon mit dem portugiesischen Duo aus Gitarre und Percussions Talea Jacta im leider zwischenzeitlich der Pandemie zum Opfer gefallenen "Sabotage"-Club in Lissabon.
Portioniert in drei Tracks stehen hier die Zeichen ganz und gar auf ungehemmtem Freakout. Mit viel wilder Trommelei, aber auch folkloristischen Einsprengseln und Arabismen gewürzt, brennt das Mondwürfelquintett ein Psych-Rock-Feuerwerk ab, welches die vierzig Minuten Spielzeit wie zwanzig vergehen lässt. Ganz ähnlich wie bei Electric Moons Kooperation mit Papir bleibt am Ende die Frage was, schon vorbei? und unbedingter Bock auf mehr davon.
Dass dieses Album direkt aus den Stereokanälen des Livemischpults gezogen wurde und nicht weiter gemixt werden konnte, hat ihm auf jeden Fall nicht geschadet. Die Energie dieses Zusammentreffens  wurde eingefangen, und das ist jenseits von allen Gedankenspielen, was wo vielleicht noch etwas optimiert werden könnte, was hier zählt.
Ganz starkes Teil! "Sabotar" erscheint am 19. November.






SINISTRO - Live At Roadburn

Woah, langsam! Ganze zwei Blogeinträge hintereinander ohne Roadburn-Bezug!

Das geht aber nun wirklich nicht.



SINISTRO - Live At Roadburn (white vinyl LP) (2021)

Die Portugiesen Sinistro begannen vor zehn Jahren als reine Instrumentalgruppe, welche Elemente aus Ambient, Soundtrack und Post Rock mit derbe, also wirklich derbe reinknarzendem Doom Metal verband.
Doch schon 2013, ein Jahr nach dem selbstbetitelten Debüt, veröffentlichte die nur mit Buchstabenkürzeln statt der vollen Namen der Musiker auftretende Band eine gemeinsame EP mit der Fado-Sängerin und Theaterschauspielerin Patrícia Andrade, welche sie so erfolgreich um eine im Doom-Genre so noch nicht gesehene und gehörte, charismatische Note erweiterte, dass sie für zwei auf Season Of Mist erschienenen Alben zum festen Mitglied wurde.

Sinistro live, Roadburn 2016

Zu den ersten Auftritten in dieser Konstellation zählte auch die Performance im Green Room des Roadburn Festivals 2016, welche sie für mich zur wichtigsten Neuentdeckung dieser Festivalausgabe machten. Die Gruppe spielte in den folgenden Jahren noch auf weiteren prestigeträchtigen Veranstaltungen und tourte u.a. gemeinsam mit SubRosa und später als Support von Paradise Lost durch Europa.

Immer beeindruckend war die Kombination der gnadenlos verzerrter, sich tonnenschwer auf die Brust wuchtender Heaviness mit dem leidenschaftlichen portugiesischen Gesang Andrades und ihrer im besten Sinne überaus theatralischen Performance.
Ich rede in der Vergangenheit, denn inzwischen ist die Gruppe zur instrumentalen Urbesetzung zurückgekehrt und wird in dieser voraussichtlich nächstes Jahr ein neues Studioalbum rausbringen.

Und so präsentiert sich das nun wahlweise in schwarzem und weißem Vinyl erhältliche Livealbum auch als Rückblick auf diese Zeit und Abschluss einer Ära, mit Tourdaten und Plakaten dieser Zeit. Auch das Backcoverfoto stammt nicht vom Roadburn-Auftritt, wurde aber vermutlich ausgewählt, weil darauf alle Musiker inklusive Drummer - mehr oder weniger - zu sehen sind.
Das Frontcover allerdings ist eines jener tatsächlich vor Ort entstandenen Gemälde, die Kim Holm in jenem Jahr live vor oder neben der Bühne hockend von zahlreichen Künstlern angefertigt hat, und hätte wohl nicht besser ausgewählt werden können.

Als für sich alleine stehenden Album ist Sinistros "Live At Roadburn" nicht perfekt, alleine schon, weil es nur vier der sechs tatsächlich gespielten Songs enthält - dazu noch in veränderter Reihenfolge -, und dadurch insgesamt nur auf die Länge einer EP kommt.

Über die Gründe dafür kann ich nur spekulieren. Zum einen mag es natürlich sein, dass man das Ding auf eine Einzel-LP beschränken wollte. Ich kann mir allerdings ebenso vorstellen, dass die nicht veröffentlichten Stücke einfach nicht gut genug klangen. Der Sound ist nämlich teilweise schon grenzwertig. So wünschte ich mir passagenweise den Gesang lauter, doch wahrscheinlich ist dies nicht möglich, da auch der gesamte mächtige Bass- und Gitarrenwumms über das Gesangsmikrophon dann noch übertriebener als ohnehin schon wäre. Nein, leicht zu produzieren waren Sinistro sicherlich nie.

Als bandhistorischen Rückblick auf eine ihrer wichtigsten Shows und nostalgische Erinnerung an eine der eigenständigsten und besten Konstellationen im modernen Doom erfüllt diese Platte ihren Zweck aber auf jeden Fall. Und da ich mich an keinem der Songs jemals satt hören kann, steht einer mehrfachen Rotation hintereinander von "Live At Roadburn" auch nichts im Wege.





2021-10-02

BANDCAMP DAY October 2021 with CHELSEA WOLFE, DICTAPHONE and NICK HUDSON

At least until the end of the year Bandcamp Fridays are still a thing, so here we go again! I'm skipping a tape I ordered yesterday, because that will as always be covered in an upcoming segment of my cassette craze chronicles.


NICK HUDSON - K69996ROMA:EP (2021)

Following his last album "Font Of Human Fractures" (english version of that review on Veil Of Sound) Nick Hudson gets weirder and even more experimental with this new EP, which starts with the epic album track, but then features seven completely new pieces. Those are all shorter - mostly between three and four minutes -, but all in all this release has enough meat on the bones to already feel like a whole album.
The reason to label this as an EP is probably less its running time, yet rather its less songwriting-orientated, more fragmentary nature. While Hudson can never hide his baroque art pop heart for long, there are lots of other sounds in play here: break beat electronics, kraftwerkian boing boom tschak vocals, spooky Clipping. sound collages. Speaking of: also hip hop influences. Piano ballads, tense almost-dream pop, black metal. Yes, seriously.
I bought the digital download, but I'm still contemplating whether it would have been a better idea to order one of the two super rare CD versions of this crazy sick masterpiece. It's just the uncertainty of how much taxes and fees there will be on top of it, which made me hesitant. I'm already paying the post office enough for the special "service" of not delivering stuff to my door... 







CHELSEA WOLFE - Woodstock / Green Altar (2021)

Chelsea Wolfe released two tracks from the "Birth Of Violence" sessions.
"Woodstock" is an eerie piano cover of Joni Mitchell's song, "Green Altar" is an album outtake and the rare case of a pure love song with lines like "Your love is a waterfall" or "Such love could make an atheist turn to God". The instrumental with acoustic guitar and electronic ambient sounds still conjures that special dark goth folk feeling, which makes it so very distinctively Chelsea Wolfe. Both tracks are simple, wonderfully crafted, just beautiful.






DICTAPHONE - Goats & Distortions 5 (2021)

Shhh! Don't tell anyone, but I did not buy this on Bandcamp Friday! I don't even own it on BC at all, but got a download as a freebie with my last Denovali Records delivery. I am already here recommending Bandcamp music though, so why not include it here, right?
Dictaphone are without a doubt among the best doomjazz (if you still want to call it that) artists I've heard so far. There's a lot of rhythm for the genre, both ethnic and electronic and also a lot of indefinable sounds and samples happening in the background.
The smooth and steady bass of Oliver Doerell holds it all together, while the violin of Alex Stolze and the bass clarinet and saxophone of Roger Döring fill the soundscape with yearning and soul. Amazing arrangements and performances. A profoundly deep and rewarding listening experience. 




2021-09-26

2 x Necio Records: ROSTRO DEL SOL - Rostro Del Sol / SATÁNICOS MARIHUANOS - Inmerso En El Ande

READ A LONGER ENGLISH REVIEW OF SATÁNICOS MARIHUANOS "Inmerso En El Ande" ON VEIL OF SOUND!


Ja vielen Dank, ihr hoffnungslos mit der verklärten Vergangenheit verklebten Vinylsammler, die ihr unbedingt alle überflüssigen Reissue-Bullshitboxen längst totgehörter Megastars haben müsst und damit den Verdrängungswettkampf um den Zugang zu den begrenzten Presswerkkapazitäten befeuert!

Eigentlich war mein Plan ja, diese beiden Alben von Necio Records nach Eintrudeln der Schallplatten mit hübschen fröhlich bunten Fotos der Platten zu rezensieren, doch da Kleinstlabels sich u.a. durch eure Bemühungen um das Wohlergehen der Majors ja nun weit hinten anstellen müssen, würde dies mittlerweile bedeuten, mindestens bis April 2022 mit dem Review zu warten, und das kann es ja auch nicht sein. Zumal ja nach wie vor Exemplare vorbestellbar und beide Werke auch digital zu haben sind.
(Mal ganz davon abgesehen, dass ich - wie am obigen Hinweis zu erkennen - für eines ja auch schon vor einer geraumen Weile eine Kritik für das Veil Of Sound-Webzine geschrieben habe...)

Also, los geht's!


ROSTRO DEL SOL - Rostro Del Sol (2021)

Bikerclubs über Mayatempel-Ruinen. Zu Tito & Tarantula tanzende Vampirköniginnen. Die zehn Meter tiefen Furchen im Gesicht von Danny Trejo.  "Are you a Mexican or a Mexican't?"
Fast alles was ich über Mexiko weiß, habe ich von Robert Rodriguez gelernt. Ein wenig noch von Will Ferrells "Casa de Mi Padre", Spaghetti-Western und Lucky Luke. Aber ich glaube, die letzten Quellen sind bei genauerer Betrachtung etwas rassistisch.
Musikalisch herrscht natürlich Mariachi. Und The Mars Volta. Helge Schneider, klar. Und selbstverständlich Carlos Santana, der alte Schamane.

Das ist schon einiges, aber ich bin trotzdem bereit, meinen Horizont zu erweitern. Von den bemerkenswerten Auswüchsen der mexikanischen Fauna, welche das Cover von Rostro Del Sols selbstbetitelten Debütalbum zieren, hatte ich beispielsweise bisher noch gar nicht gewusst!

Und was die Musik angeht, so muss ich wohl mein Traditionalistenbashing von weiter oben zumindest teilweise zurücknehmen. Denn mehr wie aus den späten 1960ern bis mittleren 1970er Jahren könnte dieses instrumentale lateinamerikanisch gewürzte Jazzrockfusionfest kaum klingen. Der Drive und die sehr präsente Orgel deuten auf Peak Carlos und ähnlich frei aufspielende Klassiker aus der Periode hin.
Rostro Del Sol klingen authentisch, atmen und leben diesen Sound. Mal funky, mal proggiger, mal etwas entrückter, mal bluesverankert ("Backyard Blues"), mal von wilden Drums über Jazzbassläufen bestimmt ("Bop C Sketches"), mal durch sanftes oder wilde Licks schmetterndes Saxophon zum Quintett erweitert, ist diese Band immer Herr über ihren Sound.

Diese Jungs wissen ganz genau, was sie wollen und setzen es perfekt um. Retro-Musik, klar, aber garantiert ohne jede museale Staubschicht. Wer wie ich Brian Ellis' "Quipo" zu den persönlichen Lieblingsveröffentlichungen von Necio Records zählt, den sollte auch "Rostro Del Sol" glücklich machen.





Nach diesem Genuss reisen wir nun weiter nach Süden, bis zur peruanischen Heimat des Labels, und machen uns auf eine Reise von den Gipfeln der Anden bis in alle erhellten Gipfel und dunklen Grotten unseren eigenen Verstandes:
 


SATÁNICOS MARIHUANOS - Inmerso En El Ande (2021)

Es wird nun etwas weniger filigran, dafür aber schwerer, dunkler und auch emotional dichter.
Stoner Rock, Doom Metal, aber auch fast schon freche Anleihen an Maiden, Purple und Metallica sind die Zutaten aus denen die Marihuanasatanisten ihre Suppe kochen. Ihre spezielle Würze erhält sie durch überraschende Spritzer aztekischer Hot Sauce:

Immer dann, wenn man gerade denkt, dass es jetzt doch einen Tick zu eintönig geraten könnte, gibt es einen Black-Metal-Ausbruch hier, einen Powertrio-Freakout dort - oder ein Aufblühen zu majestäischer Post-Rock-Erhabenheit.

An sich sind Satánicos Marihuanos auf diesem Album ein Trio, doch hier und da steuern immer höchst effektiv Gastmusiker Synthesizer und "Ambient Sounds" bei. Und wenn wir die Suppe ganz artig essen, dann spendieren sie uns sogar elegant eingebetteten satanisch keifenden oder mystisch entrückten Gastgesang.

"Inmerso En El Ande" ist kein Album, welches versucht, durch ungezügeltes Frickelspektakel oder Brutalitätsrekorde zu beeindrucken, sondern vielmehr eines, welches auf Stimmungen setzt, coole Heaviness und Atmosphäre im ausgewogenen Verhältnis bietet und dabei eben immer den richtigen Ton zur richtigen Zeit trifft.

Auch ohne Weed und Teufelsanbetung sehr gut!





2021-09-25

OF BLOOD AND MERCURY - The Other Side Of Death

Wenn nicht gerade Roadburn ist, was ja leider nur eine knappe Woche im April einnimmt, dann ist irgendwo immer "Live At Roadburn". Nach dem sensationell gut gemachten Streamingfestival Roadburn Redux dieses Jahr gehört dies zum Glück zu den Dingen, die auch in diesen Zeiten Bestand haben.

Verknappt auf hundert handsignierte CDs ist nun das erste Livealbum eines Redux-Streams aus dem 013 in Tilburg erschienen.


OF BLOOD AND MERCURY - The Other Side Of Death - Live In Tilburg (CD) (2021)

In meinem bewusst nicht so umfassend wie sonst geschriebenen Festivalreview habe ich diese Performance zwar nur in einem Halbsatz erwähnt, doch das bedeutet nicht, dass sie mich nicht gefesselt hätte. Tatsächlich hatte mich dieses commissioned piece, also extra für das Festival komponierte Werk verzaubert wie kaum eine andere Show.

Normalerweise wohl ein Quartett, standen Of Blood And Mercury für "The Other Side Of Death" als Duo auf bzw. vor der Bühne und überzeugten mit einem von über Synthies schwebenden Gitarren und oft elektronisch noch weiter entrücktem Engelsgesang bestimmten Ambient Pop. Experimentell und doch bis zum Hitverdacht eingängig erinnerte das dreiviertelstündige Programm vor allem an neuere Werke von Ulver.

Mein Fazit bleibt, dass die Show der Belgier vor allem wunderschön geraten ist. Und dank des perfekten Sounds und fehlenden Publikums, könnte dies natürlich auch beinahe als Studioalbum durchgehen.
Gerade deswegen lässt die Band die CD wahrscheinlich nicht einfach ausfaden, sondern lässt uns am Ende noch einige Momente mit ihnen in dieser merkwürdigen Stille sitzen, um sehr effektiv zu dokumentieren, in welcher Gesamtsituation dieses Werk entstanden ist.



Von der limitierten CD sind zum Zeitpunkt dieses Textes noch eine Handvoll erhältlich, danach gibt es das Album nur noch digital zum bewusst unrealistischen Mondpreis von 777,00 Euro, d.h. eigentlich möchten Of Blood And Mercury es in dieser Form gar nicht anbieten; doch ganz ohne Download lässt sich auf Bandcamp eben nichts veröffentlichen.

Ganz verzichten müssen normalverdienende Zuspätkommer auf den Genuss allerdings nicht. Auf YouTube kann man die exzellent gefilmte Performance nämlich nach wie vor komplett genießen: 




NICK HUDSON - Font Of Human Fractures

READ AN ENGLISH REVIEW OF THIS ALBUM ON VEIL OF SOUND!


Eines meiner absoluten Lieblingsalben des Jahres 2020 war ja "The Quiet Earth" der englischen Band The Academy Of Sun, eine weitläufige Sammlung genauso ansteckender wie intelligenter Ohrwürmer, irgendwo im Stildreieck von Post Punk, Synthie Pop und Singer/Songwriter Piano Artrock, um es an dieser Stelle mal ganz dürftig simplifizierend zusammenzufassen.

Und während ich eigentlich immer noch dabei war, immer neue verliebenswerten Details in diesem Meisterwerk zu entdecken, beschloss Nick Hudson, Hauptsänger/Songwriter der Gruppe, einfach mal, ein neues Soloalbum zu veröffentlichen.



NICK HUDSON - Font Of Human Fractures (LP) (2021)

Solo heißt hier aber nicht allein. Nick Hudson, der hauptsächlich an Gesang und Klavier zu hören ist, aber auch für Orgel, Synthesizer, Programmierung, Vibraphon und einiges mehr zuständig ist, wird durch das ganze Album von Lizzy Careys Geige begleitet und begrüßt eine Handvoll weiterer Gastmusiker zu mehreren Tracks. Während es hier und da ein paar Stellen gibt, die leicht als Academy Of Sun-Kompositionen verkauft werden könnten, bewegt sich der Großteil der Musik auf "Font of Human Fractures" in einer unterscheidbar andersartigen Atmosphäre.

Interessanterweise sind die beiden Stücke, die einer Bandperformance noch am nächsten kommen, ausgerechnet die beiden, die Hudson nicht selbst geschrieben hat. Dennoch sind sie perfekte Beispiele, um die Vielfalt des Albums zu umreißen:
"Tokyo Nights", geschrieben von Penelope Hudson und John Darrell, klingt, als hätte jemand einen eher einfachen, um nicht zu sagen albernen New-Wave-Song der frühen 80er mit J-Pop-Elektronik gemischt, um ihn zu etwas Größerem aufzublasen. Es ist immer noch ein kurzes Stück, das eher im Kontext als als eigenständiger Song funktioniert.

Das achtminütige "Dambala" hingegen ist beinahe das genaue Gegenteil. Es gibt Songs, die von einer zeitlosen Grandiosität erfüllt sind, so dass man kaum glauben kann, dass sie tatsächlich irgendwann von jemandem geschrieben wurden. Es ist einfacher, sich vorzustellen, dass sie seit Ewigkeiten in einer Paralleldimension zu unserer Welt existierten und nur darauf warteten, dass ihre Interpreten sich mit dieser Dimension verbinden, um sich vom Song beseelen und fernsteuern zu lassen.
"Dambala", ursprünglich aufgeführt vom bahamischen Reggae/Folk-Künstler Exuma, ist ein Werk dieser Kategorie und Hudsons Interpretation wird ihm gerecht. Wenn Klavier, Streicher und komplettee Band zu voller Pracht anschwellen und er "You won't go to heaven / You won't go to hell / You remain in your graves / With the stench and the smell" singt, dann ibt es keinen Zweifel dass dies als Doomsday-Epilog nach dem Ende von Allem gedacht ist. Nick Hudson knüpft natürlich noch mit seinem letzten Track "End Credits" daran an, aber das ist schon ok.


Das Album hält weitere Highlights bereit, beginnend mit dem Opener "Surkhov's Dream", einer eindringlichen Komposition für Orgel, Horrorfilm-Soundtrack-Streicher und Noise, in der Hudson auch die Bandbreite seines Gesangs zwischen sonoren Spoken Words und einem bis zu Falsetthöhen ansteigenden Refrain.
Hudsons Stimme ändert ihre Farbe von Track zu Track, abhängig von der Tonhöhe, in der er sich gerade bewegt. Manchmal erinnert er mich dabei an Leonard Cohen oder Brendan Perry (Dead Can Dance), manchmal eher an Holly Johnson (Frankie Goes To Hollywood). Und Krystoffer Rygg in diese Liste aufzunehmen - sowie Ulver im Allgemeinen als musikalische Referenz - ist auch nicht fehl am Platz.

Auf "Come Back When There's Nothing Left", einer der schrägsten, experimentellsten und dennoch sehr zugänglichen Passagen des Albums, klingt er allerdings überhaupt nicht wie er selbst. Ganz einfach, weil er es nicht selbst ist, der hier singt, sondern sein Brotherfromanothermother Toby Driver (Kayo Dot), mit dem er nicht nur mehrmals als Support- und/oder Bandmitglied durch Europa getourt ist, sondern auch letztes Jahr das fantastische improvisatorische Gemeinschaftsalbum "Black Feather Under Your Tongue" aufgenommen hat.

In Bezug auf Font Of Human Fractures bleibt jedoch noch ein episches Stück übrig, welches zwingend erwähnt werden muss: Hudson hat sich das Klavierspielen zum Teil dadurch gelehrt, dass er obsessiv Tori Amos entschlüsselt und gecovert hat. Und wenn es ein Verbrechen ist, ihr Spiel perfekt nachzuahmen, dann schickt ihn "The Ballad of K69996 Roma" zweifellos ins Gefängnis. Schade, denn dieser Song hat abgesehen davon noch so vieles mehr zu bieten, z.B. eine Solo-Jodeleinlage, welche überhaupt nicht fehl am Platz erscheint.

Aber egal, wie viele Aspekte dieses Albums man auch herauspickt, das Herzstück des Ganzen ist im Grunde einfach nur ein Typ, der sich an die Klaviatur setzt und ein paar phänomenale Songs schreibt. Wenn Du also auf großartiges Songwriting stehst und es dir egal ist, ob du genau festlegen kannst, welche Art von Musik du eigentlich gerade hörst, könntest Du hier genau richtig bedient werden.

Und falls dies zutrifft, wirst du Nick wahrscheinlich genau wie ich großzügig nachsehen, dass er "Teenage Hudson Summons Epona" mit auf das Album geschummelt hat.
Nicht, dass dieses orchestrale Instrumentalstück, das er im Alter von sechzehn Jahren aufgenommen hat, schlecht wäre - aber come on, das grenzt schon irgendwie an Angeberei!

Als Ausgleich dafür ist das Album anders als "The Quiet Earth" aber auch in einer kleinen Vinyledition erschienen. Es ist also alles gut.

Der Rezensent hängt übrigens weiterhin hoffnungslos hinterher, denn jetzt, wo dieser Text das Licht der Öffentlichkeit (oder wie auch immer man den kleinen exklusiven Zirkel meiner Leserschaft bezeichnen mag) erblickt, hat Hudson auch schon eine neue EP nachgelegt, welche "The Ballad Of K69996 Roma" laut Eigenaussage durch ein Prisma aus... schwuler kommunistischer Black Metal Chamber Elektronika bricht.

Klingt nach einem Teil dieses gefährlichen Linksrucks, der in Deutschland bald verboten wird. Also höre ich da wohl besser bald mal rein!






2021-09-22

KÖNIG MUSKELMAGEN UND DER EIDECHSE ZAUBERER - Schmetterling 3000

Nein, der Titel dieses Posts ist kein Google translate freak accident!

Für ihr achtzehntes Studioalbum (seit 2012!) haben King Gizzard & The Lizard Wizard sich den Spaß gemacht, das Cover incl. Credits und Texten in verschiedensprachigen Versionen zu veröffentlichen.

Wie immer waren diese zudem in zufällig ausgewählter Farbe gepressten, limitierten Vinylversionen schnell ausverkauft, und ich vermute mal ganz stark, dass die japanischen, chinesischen und thailändischen Varianten zu den ersten gehörten, die nicht mehr zu bekommen waren. Denn nicht nur gehören diese vom ästhetischen Standpunkt her zu den Interessantesten der Auswahl, sondern sie scheinen mir auch inhaltlich am stimmigsten, sprich:

Die Musik auf "バタフライ 3000" / "蝴蝶 3000" / "บตั เตอรฟ์ ลาย 3000" klingt für mich einfach extrem danach, als sei sie fernöstlicher Popkultur entsprungen.


KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD - Butterfly 3000 - Schmetterling 3000 (Butterfly Blue vinyl German edition) (2021)

Es sollte ja inzwischen bekannt sein, dass die bekloppten Australier mal mehr mal weniger deutlich auf fast jedem Album ein eigenes Konzept und oft auch eine musikalisch neue Ausrichtung ausprobieren.
Als Beispiele seien hier der psychedelische Unendlichkeitsdauerlauf "Nonagon Infinity", die mikrotonal gestimmte Trilogie aus "Flying Microtonal Banana", "K.G." und "L.W.", das Boogie-Album "Fishing For Fishies" und die Old-School-Thrash-Metal-Attacke "Infest The Rats' Nest" genannt.

Sehr selten - vielleicht sogar noch nie - ist ein King Gizzard-Werk allerdings in sich von Song zu Song so konsequent auf einen Stil und Sound festgelegt geblieben wie "Butterfly 3000".
Ich will damit nicht sagen, dass es hier gar keine ausschweifenden Rockelemente oder Anflüge anderer Stimmungen gibt (man höre nur "Black Hot Soup"), doch zu neunzig Prozent ist dieses Album ein geradezu über-positivistischer, mit Glückshormonen aufgeladener Sonnenstrahl der extremen Zuckersüßlichkeit.

Die optisch durch das komplette Layout vermittelte Idee wurde also mehr als perfekt umgesetzt...

Das musikalische Mittel dazu ist ein ebenso eigenwilliger wie merkwürdig spezifischer Mix aus Elektronik, Dream Pop und Psychedelic Rock, der auf Synthesizer-Loops zu basieren scheint, die sich z.T. auch durch mehrere Songs ziehen, so dass im Grunde der Eindruck einer großen zusammenhängenden Suite entsteht.

Stu Mackenzie hat vermutlich Recht, wenn er behauptet, dass es sich hier um das bisher mutigste Album von King Gizzard & The Lizard Wizard handelt. Es ist wie gesagt sehr auf eine noch weitgehend unerprobte, und für viele Hörer gewiss anstrengende Variante der Band festgelegt. Wer hier mit den ersten ein, zwei Songs nicht klarkommt, der wird auch mit dem Rest nicht warm werden - oder muss vielleicht auch nur seinen ersten Schock überwinden.
Ich war nämlich ganz zuerst auch etwas überrumpelt und skeptisch. Doch jetzt liebe ich den Schmetterling - und werde sogar den Verdacht nicht los, dass es sich hier mindestens um ein Top-5-Werk aus der Eidechsenzauberer-Diskographie handeln könnte!

Auch wenn die Bilder ähm... manchmal ein wenig von der kompletten Qualität der Musik ablenken, lässt sich das ganze Album auch als irrer Trip in zehn Videos erleben:

(Falls Du gerade nicht so viel Zeit hast, dann skippe zu "Catching Smoke"! Herrlich!)






2021-09-19

BEES MADE HONEY IN THE VEIN TREE und WHITE NOISE GENERATOR im Fundbureau, Hamburg (18.09.2021)

Bees Made Honey In The Vein Tree


Ich würde sagen, ich habe die vergangenen zwei Wochen Urlaub ganz gut genutzt, um den Livemusik-Faden wieder aufzunehmen. Und man kann es sogar fast wörtlich nehmen, habe ich doch nun schon mehrere Bands gesehen, die zuvor auf dem Pink Tank Festival 2019 in Heide gespielt hatten, welches zu der Handvoll letzter Veranstaltungen gehörte, die ich erleben durfte, bevor die Welt in die große Zwangspause ging.

Am 3. September beendete ich die lange Durststrecke zunächst mit zwei Pink Tank Records-Gruppen, von denen Camel Driver damals dabei gewesen waren. Gestern nun ging es erneut ins Hamburger Fundbureau, diesmal sogar mit zwei Wiederholungstätern.

Die äußeren Umstände haben sich in den vergangenen vierzehn Tagen etwas geändert. Statt 3G durften diesmal nur Geimpfte und Genesene teilnehmen, wobei ich ja annehme, dass der Anteil lediglich Getesteter unter Leuten, die Bock auf Konzerte haben, inzwischen eh nicht mehr allzu signifikant sein dürfte. 
Praktisch war der Abend dadurch wieder einen Schritt normaler, weil der Publikumsraum nun wieder offen ohne Sitzbänke war. Ein wenig seltsam ist da natürlich, dass die Auflage, eine Maske zu tragen, sobald man sich im Raum bewegt, nach wie vor bestehen blieb - zumal ich es inzwischen auf dem Prophecy Fest noch weiter gelockert (allerdings mit Checks auf Krankheitssymptome) und trotz 999 Besuchern inzidenzfallfrei erleben durfte.

Aber je nach Bundesland und Location werden uns wohl noch eine Weile von unterschiedlichen Details in den Sicherheitskonzepten überraschen lassen müssen. Wen das verärgert statt nur verwundert, der sollte vielleicht besser noch einige Monate zu Hause bleiben! Aber letztendlich sieht es ja in allen Bereichen des Alltags ähnlich aus. Und ich für meinen Teil bin echt froh, dass das Bühnenleben nun tatsächlich Schritt für Schritt wieder zurückkehrt.


White Noise Generator

Doch nun zur Musik - und die startete gestern mit einem gewaltigen Wumms!

Was Gesang und Songwriting angeht bin ich zwar immer noch nicht der größte Fan von White Noise Generator, aber die Erinnerung daran, was es bedeutet, einen überwältigend fetten Rickenbacher-Basssound im kleinen Club um die Ohren gedröhnt zu bekommen, mochte dafür entschädigen.
Auch wenn Sleep-Stonerdoom-Riffklumpen schon zu den wichtigsten Bestandteilen gehörten, war die Band für mich auch diesmal nicht komplett in einer stilistischen Ecke festzunageln. Vielleicht fände ich sie auch noch geiler, wenn sie sich konsequenter und meinetwegen auch gerne conanmäßig stumpfer an einzelnen Versatzstücken ihres Sounds abarbeiten würden. Für den Bandnamen finde ich ja, dass das Ganze im Grunde viel zu viel Musik ist. Wenn es nach diesem ginge, dann hätten wir es wohl eher mit Getöse der Marke Merzbow meets Sunn O))) zu tun. 

Trotzdem super fett. Am besten gefiel mir ganz klar das psychedelische, aber doch im Hawkwind-Stil nach vorne rockende Finale.









Bees Made Honey In The Vein Tree

Der Grund, warum ich mir das Ticket für diesen Abend besorgt hatte, waren allerdings Bees Made Honey In The Vein Tree, welche nicht nur das kombinierte Versprechen aus den beiden Malen, die ich sie vorher bereits gesehen hatte und ihrem fantastischen "Grandmother"-Album einlösten, sondern ganz klar noch eine Schippe nachlegten.

Spätestens mit der Vorstellung eines neuen Tracks vom kommenden Album machten die Stuttgarter klar, dass ihr oft shoegazig trippiger Drone Doom mit Postrockelementen noch nicht am Ende seiner Evolution steht. Die Wucht ihres Klangs muss sich so wenig vor den Größen der genannten Genres verstecken wie die Dichte ihrer Stimmungen. Auch der lange Atem, mit dem sie über atmosphärische Gitarren-Effektloops meditieren, ehe sie sich mit voller Wucht in Herz und Magengrube hämmern, ist Teil dessen, was diesen Auftritt so großartig gemacht hat.

Alles in allem ein enorm fetter Abend - und meine Ohren sind jetzt auch wieder komplett auf das richtige Malträtierungslevel für kommende Bedröhnungsaufgaben justiert.




2021-09-18

AGUSA - En Annan Värld

Es ist wieder an der Zeit, sich wie ein kleines Kind zu fühlen, welches mit großen Augen und Ohren alles in der Welt zum ersten mal entdeckt.

Vier Jahre nach dem selbstbetitelten vierten Album sind die Schweden Agusa mit einer neuen Langrille zurück!



AGUSA - En Annan Värld (green vinyl LP) (2021)

Die Musik von Agusa, dieser herrlich ausschweifende, aber dabei immer mehr auf Freude an sich selbst als auf Angeberei gebügelte, rauschhafte 70er-Jahre-Instrumentalprogrock hat auch auf diesen beiden Longtracks - "Sagobrus" bringt es auf fünfundzwanzig Minuten, "Uppenbarelser" immerhin auf einundzwanzig - nichts von ihrer magisch entrückenden Erzählkraft eingebüßt.

Wie der Titel auch ohne Schwedischkenntnisse leicht übersetzbar verrät, versetzt einen auch "En Annan Värld" wieder in eine andere Welt. Und was Agusa mit Orgeln, Gitarre und vor allem der unverkennbaren Querflöte für eine ehrliche, spürbar aus dem Herzen kommende Bildgewalt entfalten, ist für mich in dieser einmaligen Magie mit kaum einer ähnlich klingenden aktiven Band vergleichbar.

Doch Vorsicht! Das glücklich staunende Kind kann sich hier durchaus mal erschrecken und ein wenig gruseln, denn der dunkle, durch ein großartiges Stillleben auf dem Cover repräsentierte Wald, hält doch ein paar äußerst dichte, dunkle, einem weniger Luft zum Atmen lassende Täler bereit!

Wenn bedrohliche Trommeln mögliches Unheil ankündigen oder unerwartet gespannte Jazzrock- und sperrige Krautrockelemente in die Harmonie platzen, dann läuft das Kind besser schnell in Sicherheit zum nächsten Feentanzplatz, an dem die spanische Gitarre einen in vermeintlich mediterrane Sonnenwärme taucht.

Eine Unsicherheit bleibt jedoch immer. "En Annan Värld" ist diesmal kein Ort der vollkommen sorgenvergessenen Flucht aus unserer Welt. Der Effekt von Agusa ist hier also ein wenig anders als vom Großteil des vorherigen Materials gewohnt, Er ist jedoch nicht minder wirkungsvoll, gerade weil er ein wenig dichter an der psychologischen Erfahrung unserer tatsächlichen Realität liegt. Und doch erfolgt die Vermittlung dieses Gefühls so wie der Fan es kennt, auf mystischen Märchenpfaden.   

Nein, auch dieses Album kann und will nicht losgelöst von seiner emotionalen Wirkung seziert und überanalysiert werden. Es geht nach wie vor allem darum, sich in die wortlose Geschichte zu versenken - und dies gelingt intensiver denn je zuvor. Denn irgendwie scheint dieses Quintett es fertigzubringen, ein immer noch dichteres Zusammenspiel, eine immer noch fassbarere, geradezu mit einem Messer durchschneidbare Atmosphäre zu entwickeln.

Wahnsinnig gut.