a digital quad feat. BORIS, BRUTUS, CHURCHLICKERS and EMMA RUTH RUNDLE

Yeah. Fittingly on the day after Bandcamp Friday here's a quartet of my recent digital purchases.




CHURCHLICKERS - Live at MS Stubnitz - 2025/07/17 (2025)

At this point the MS Stubnitz, an event ship moored close to bridges over the Elbe, is hands down my favorite live music location in Hamburg. The only thing which sucks about it is that the booking is so good, that there are just too many worthwhile shows to visit.

One night I missed was the latest performance of Hamburg's own Churchlickers there back in July. Thankfully the trio is giving us this live EP from that show now. Two tracks of great instrumental Post Rock with some Punk vibes and Metal intensity, played without bass on guitar, drums and keys, which gives their sound a distinct note.

Great stuff for paywhatyouwant bucks - so what are you even waiting for?

BRUTUS - 2015 Collected (2015/2025)

The Belgian Post Hardcore Punk Metal and whatnot trio Brutus takes us back to the beginning of their discography with a compilation of their first four 7" singles, which were originally released in 2015 - plus one short new bonus track - with new mix and mastering.

And what do you think? Yes, of course it's unmistakably Brutus - and it's great. Stijn's creative guitar, Peter's rumbling bass and as always front and center Stefanie's wild and emotional performance on drums and vocals already come together in their very regognizable unique way, which they have only perfected further in the following decade.

These seven tracks however already kick ass as if there's no tomorrow.

BORIS - Japanese Heavy Rock Hits (Re-Master) (2021/2025)

An actually very similar kind of reissue is this remastered compilation of Boris's four 2021 singles, also extended with bonus tracks. I already own three of those singles - each of them in Kiss fashion presenting one band member on the cover - while the fourth one just was too expensive on the second-hand market.

Stylistically these nine tracks, which add up to fifty minutes playing time, are all over the place in the best way, from pure Noise celebrations and Drone Metal crunch to silly party bangers and what's probably the band's own twisted version of Glam Rock to a stunningly beautiful piece with Wata on vocals.

A great, positively weird collection of Japanese Rock hit heaviness.

EMMA RUTH RUNDLE - Music From The Bella Vista (2025)

Finally it's time for something more mellow. This has been out there over half a year and even been released on vinyl. Yet that pressing was quite limited and is recently offered for 425 Euro on Discogs. No thanks, I'm content with the download then.

"Music From The Bella Vista" is a companion piece to interdisciplinary artist Emma Ruth Rundle's first poetry collection. Its two each twenty minutes long tracks are calm collages of improvised piano music, ambient field recordings and spoken poems.

Dipping her toes into Contemporary Classical music Rundle has created an in comparison to "EG2: Dowsing Voice" completely different and for many listeners probably far more accessible full-on Experimental album here, which radiates peacefulness and quiet contemplation. Subtle and beautiful!

cassette craze chronicles XLII feat. MAUD THE MOTH, SOLAR CORONA ELEKTRISCHE MASCHINE, TAVARE, THE MOND and THISQUIETARMY x OTAY:ONII

Ok, since I already have enough new tapes for the next epsidode this post is overdue as fuck. So let's not waste time and press PLAY!

MAUD THE MOTH - The Distaff (2025)

This is not a transparent vinyl edition. I had actually ordered that one, together with Messa's "The Spin". Yet somehow my retailer kept putting me off from month to month, even though both limited editions were already on the market. So at some point I canceled that order and rather got the albums in other formats. And I must say that the Woodford Halse tape version of Maud The Moth's "The Distaff" was a great choice, since it surely must be the loveliest edition of the release, with a slipcase, a cut-out J-card and the possibilty to put in an alternatiove cover artwork. A very nice item!

And musically? While Amaya López-Carromero remains the sole songwriter of her project, and her piano work and ethereal or operatic vocals are still the main attraction on her new album, it features a lot of guitar by her Healthyliving bandmate Scott McLean (who also contributes Moog synths and saxophone) and drums, which often make it feel like a "real" band effort.
On top of that it can of course never be wrong to also have Alison Chesley aka Helen Money on cello on your recording.

"The Distaff" is an impressive journey through dynamics and emotions. From the small and brittle to the surprisingly crushing and cathartic it's an amazingly beautiful achievement. And it does it all in complete defiance of genre conventions. Neoclassical, Doom, Ethereal Wave, Singer-Songwriter, Experimental Folk, Post Rock... the tag list on the album's Bandcamp page goes on and on - and nothing is wrong there, while it still feels as if this is made of a dozen more stylistic influences.

Maud The Moth doesn't try to outdo the the hooks and earworm qualities of Healthyliving's 2023 debut, yet instead impresses with touching heavenly heights and profound spiritual depths. Mesmerizing art.

THISQUIETARMY x OTAY:ONII - Howl And Tell (2025)

Speaking of captivating female singers there's no way around the spellbinding magic of Lane Shi Otay:onii, who seems to be everywhere right now - yet still I keep missing my chances to see her live in Hamburg due to clashes with other shows...

For this album the Chinese-American artist spontanously teamed up with Candian Drone guitar master Eric Quach aka Thisquietarmy. So this is just the two of them - guitar and effects on one side, vocals, keytar and kazoo on the other interacting with each other. A duet and dialogue here, a harmonious or deliberately cacaphonous merging there. Whatever happens, the artistic chemistry is always palpable.

At the latest once you reach the feral despair ofthe album's midpoint in "Limps Dragging Towards Saturn Slowly", there's no denying that this a meeting of exceptional experimental artists, who know how to make your bones rumble and your soul shake. A logical sequel to Hypnodrone Ensemble's "The Problem Is In The Sender - Do Not Tamper With The Receiver", where they met before, yet a much closer and more dangerous experience. Amazing waves of emotional Noise!

The cassette design is solid, I especially like the full print on the shell itself.

TAVARE- Too Small To Be So High (2025)

Smooth transition to another core member of the Hypnodrone Ensemble with Aidan Baker's trio Tavare featuring him on guitar, Tim Bakker on bass and Angela Muñoz (who's also part of the Ensemble) on drums.

Their music is quite quiet, a minimalist semi-acoustic form of slow-motion Alternative and Post Rock, very song-driven with all members singing. It is stripped down, but ambitious enough to still intrigue you. Atmospherically this actually reminds me a lot of good old SubRosa, but Tavare have their own very distinct vibe, providing an excellent soundtrack for winding down with songs that keep getting stronger with each listen.

Could this be one of my favorite Aidan Baker projects? Possibly. But he has so many, right? Well, who cares? Especially the natural, imperfect but just right feeling and tasteful harmony vocals on "Too Small To Be So High" are just balm for the soul.

And the interestingly structured "Left Behind" alone makes me happy that I got this cassette, which comes in an all-cardboard packaging, from Cruel Nature Records. A cool, lovely release.

SOLAR CORONA ELEKTRISCHE MASCHINE - Live At Cafe Oto (2024)

And now we're getting really trippy with a live release from last year, featuring a live performance from 2023, when the Portuguese Improvisational Stoner Rock band Solar Corona played an especially cosmic, hypnotic, infinitely improvised and above all very electronics-based show in London - hence the "Electric Machine" extension of the band name.

In two long Kraut jams with robust robotik backbones sounds are pulsating, oscillating, creaking, wafting and drifting through the cosmos like an android's mind discovering its soul and consciousness and the beauty of the stars in existential wonder.

The hand-numbered tape comes in an interestingly designed, layered combination of one transparent, one shiny silver J-card and prints on the cassette tray. A good visual fit for this great Experimental Psychedelic music. Awesome stuff!

THE MOND - 3 修正ニュートン力学 (2019)

My introduction to the Czech trio The Mond and their self-titled 2016 album hasn't been long ago. I actually featured it in the previous edition of the cassette craze chronicles.

Three years later their combination of Electronics, trumpet / bass clarinet, synths, organ and electric guitar still creates a distinct range of sounds. And while this is still home at the crossing of Experimental Free Jazz and Psychedelic Noise the performances on "3 修正ニュートン力学" (which unsurprisingly I cannot pronounce) actually feel less bonkers and more focussed here. Still way too crazy for the average consumer, but that's a basic prerequisite of everything Avantgarde, right?

The kind of weirdness that makes me happy, with a nice artwork that doesn't hurt either.

Ideologische Orgelei mit HAMPUS LINDWALL, KALI MALONE und LUCY RAILTON

Freunde der Randgruppenkunst und exzellenten Experimentalmusik, dieses Rezensionstrio ist für euch! Drei aktuelle Alben von Sunn O)))-Gitarrist Stephen O'Malleys streng kuratiertem Nischenlabel Ideologic Organ, alle digital, oder ansprechend verpackt auf CD (wie in meiner Sammlung) oder als LP zu haben. Maximal effektiver Minimalismus in unterschiedlichen Spielarten.

Wir beginnen mit dem konzeptionell - insbesondere in Bezug auf den Labelnamen - wohl reinsten Werk:

KALI MALONE - The Sacrificial Code (CD) (2019/2025)

Remastered und mit einem zusätzlichen Track versehen auf insgesamt über fünfundsiebzig Minuten Spielzeit verlängert, dröhnt Kali Malones 2019er Album "The Sacrificial Code" nun in neuem Glanz.

Das Cover verrät den Inhalt: nur Malone alleine auf der Pfeifenorgel. Außer einer einminütigen Unterbrechung durch Kirchenglocken nach einer knappen Stunde keine anderen Klänge oder Mitmusiker. Nur die Zeit außer Kraft setzendes, majestätisch introvertiertes Orgelspiel, bei dem ein Schlussakkord schon einmal anderthalb Minuten gehalten werden kann.

Die absolute Gegenthese also zur Aufmerksamkeitsspanne der Generation Social Media. Ungefilterte musikalische Schönheit verpackt in konsequent minimalistischen, in präsizer Detailverliebtheit auf jede kleinste Resonanz und Textur fokussierten Kompositionen, die sich über den Hörer legen wie eine überweltlich meditative Macht aus einer fremdvertrauten Dimension des erhabenen Stillstands.

Schlicht und anspruchsvoll entzieht diese Musik sich trockener Erklärbarkeit. Der Intellekt des Hörers darf sich entspannen, während der Code direkt in der Seele wirkt. Und so kann auch ich mich nur der kontemporären Kritik anschließen, die "The Sacrificial Code" schon vor sechs Jahren zum Meisterstück gekürt hat. Unvergleichlich.

LUCY RAILTON - Blue Veil (CD) (2025)

Ok, ganz unvergleichlich vielleicht nicht. Denn im Grunde macht das Debüt-Soloalbum der Cellistin Lucy Railton, welche vor zwei Jahren auch an Kali Malones mammutösen 3-CD-Epos "Does Spring Hide Its Joy" mitgewirkt hatte, etwas ganz ähnliches wie "The Sacrificial Code", nur eben basierend auf ihrem respektiven Instrument.

In sieben Phasen werden auch hier ohne jede Hast die Mikrostimmungen und (dis)harmonischen Schwingungen erkundet. Nicht formale Strukturen bestimmen den Fluss der Musik, sondern die physische Präsenz des Cellos selbst, sein Puls und Atem.

Neben "befriedigend" und "zufriedenstellend" existiert eine tiefere, viszeralere Bedeutung des englischen Begriffs "satisfying", die beispielsweise in satisfying videos idealerweise getriggert wird. Für dieses Phänomen gibt es meines Wissens nach keine wirklich adequate deutsche Übersetzung. Es ist jener Impuls, der auch in Railtons Cellospiel wirkt. Man muss sich "Blue Veil" nur in Ruhe hingeben.

Mit einem kompakteren Format von vierzig Minuten fällt dies bei geringerer Erfahrung mit Deep-Listening-Musik vermutlich etwas leichter und enthebt einen weniger aus der Zeitwahrnehmung der Außenwelt als Malones Herausforderungen, für die man sich ja mitunter Platz im Kalender freischaufeln muss.

HAMPUS LINDWALL - Brace For Impact (CD) (2025)

Der Sunn O))-Drone Metal-Crunch ist unverkennbar. Der Opener und Titeltrack von Organist Hampus Lindwalls Album "Brace For Impact" überfällt den Hörer sogleich mit einem dramatischen Gastspiel Stephen O'Malleys, über sich in einer akustischen Illusionsspirale scheinbar endlos nach oben ziehen Kirchnorgelklängen.

Der Rest des Albums gehört dann Lindwall allein. Ebenso wie Kali Malone und Lucy Railton entzieht sich sein Spiel komplett der bequemen rhythmischen und melodischen Erfassbarkeit. Und zu Beginn übt auch er sich in chronometrisch eingefrorener Langsamkeit.

Noch im Laufe des zweiten Stücks "Swerve" emanzipiert er sich jedoch deutlich von den Labelgenossinnen. Er erkundet ein ganz anderes Klangspektrum der Orgel als Kali Malone, sucht nach fiesen, gruseligen, kraftvollen Stimmen, die auch durch Effekteinsatz manipuliert sein dürfen. Und vor allem gibt er sich auch schnelleren Tempi und scheinbar chaotischerer Ausdrucksweise hin.

"Brace For Impact" scheint mal gespenstisch wirbelnder Livesoundtrack zu einem Horror-Stummfilm zu sein, mal die in unvorhersehbar wildem, oft geradezu brutalem Stakkatowahn freidrehende Eskalation eines tollwütigen Phantoms der Oper.
Eine geistige Kernverschmelzung der avantgardistischen Randbereiche von kontemporärer Klassik und Jazz mit einem Resultat, das man sowohl als konstruierte Kopfmusik, jedoch noch leichter als konsequenten Orgelpunk verstehen kann. A special flavour of Hirnfick, made in St.-Antonius-Kirche Düsseldorf.

MANSUR - Pentatonic Ruins

The return of The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble hopefully doesn't mean that Jason Köhnen abolishes other projects which are partly similar in atmosphere. Mansur have at least released their fourth album this year.

MANSUR - Pentatonic Ruins (golden vinyl LP) (2025)

Does this count as a "real" album though? The title, which has also been a track of the trio's 2020 debut EP "Temple" already hints at the material not being completely brand-new.

What Dimitri El-Demerdashi (oud), Martina Horváth (vocals) and Köhnen (all the rest) did on these nine tracks is new enough though. The recycling doesn't even necessarily reveal itself on first listen.

"Pentatonic Ruins" is a collection of renamed and reworked tracks from Mansur's previous releases. In the words of the label Denovali Records these new adaptions present them "in a more hypnotic and trance like manner", which pretty much tracks. There's more focus on the Electronics juxtaposing the timeless Folk elements, while the production also highlights the dreamy Ambient sounds. And above all Horváth's mystical voice hovers more front and center for immediate mesmerisation.

So far the trio couldn't do wrong - and this golden LP isn't where that happens either. Enchantng musical spells from start to finish, an album like drifting through the clouds. Gorgeous!

TARUN BALANI - ڪڏهن ملنداسين Kadahin Milandaasin

If I bought every piece of music I like, I would have drowned in crippling depth a long time ago. So I generally resist many temptations. There are some albums though which I don't even need to finish to know that there's no way around them ending in my collection. The wonderful latest contemporary Jazz Fusion work of Tarun Balani is such a case.

TARUN BALANI - ڪڏهن ملنداسين Kadahin Milandaasin (LP) (2025)

On paper Tarun Balani may be the drummer and composer (also contributing synths and some vocals) on this album, his main assignment however is what he utilizes all these skills for - being a convincing storyteller.

The story told on "Kadahin Milandasin" is tracing his Sindhi heritage through his grandfather's migration from Sindh to New Delhi. The voice telling it is a modern Jazz Fusion quartet whose biggest formal anomaly is the lack of a bass player, which is mostly compensated by the lower end of the piano and electronic means with very subtle lines keeping the compositions together. Balani himself shows the potential to drive the rhythm section into a much flashier, crazier direction, yet ultimately plays with little ego, lying back in favor of the bigger musical picture.

All seven songs are emotionally carried by either Sharik Hasan's piano or Olli Hirvonen's electric guitar, both rather expressing an achingly beautiful sense of longing and reflection, long before you even find yourself entertaining mundane questions like that of genre and style. The answer to that one however lies somewhere between smooth Fusion, Sindhi Folk music, maybe also some Arabisms and Classical influences. The relevance of the answer exists - yet beyond setting up the cultural backdrop it seems small in comparison to the sheer emotional power of this music.

And I didn't even mention Adam O'Farrill yet. If there is a star of the show on "Kadahin Milandasin", it must be his both introspective and expressive, yearning trumpet. What a wonderful elevating performance!

If you know my Jazz preferences and affection for Middle Eastern and Subcontinental musical flavors it's hard to miss the parallels to both Yazz Ahmed and Jaubi, from the interweaving of modern and traditional sounds, to the inherent cultural exchange and the story-driven nature of their compositions. Add to that that especially the guitar licks remind me of some of John Zorn's more laid back works several times, you end up with a package that's like catnip for me. Yes, if you love those artists too, it's hardly imaginable that you don't like Tarun Balani.

A phenomenal album, and a beautiful vinyl pressing, released by the German label Berthold Records.

EDENA GARDENS - Dispossessed

Nicklas Sørensen, Martin Rude and Jakob Skøtt are back.

No, that sounds wrong.

With this new studio recording being the fifth release of Edena Gardens in the span of only four years it doesn't actually feel like the Danish trio has ever actually been away. At least I cannot claim that I've grown tired of their previous output thus far. But of course I will gladly take this new offering anyway!

EDENA GARDENS - Dispossessed (LP) (2025)

The improvisational instrumental Psychedelic super group made out of members of Papir, London Odense Ensemble and of course El Paraiso Records founding band Causa Sui presents itself in an often dry, stripped down way on "Dispossessed".

The album starts with the slow cowboy Doom chords of "Hiraeth", very akin to Earth and maintains a relaxed bluesy atmosphere, which sometimes lifts off into wider dreamier spheres, while still keeping one foot firmly in the dirt of the bare ground.

Between desert Americana and Post Kraut the organic flow of guitar, bass (or baritone guitar) and drums switches of your body clock with each of the eight tracks seperating you farther from your common perception of time.

As the ultimate logical conclusion of this experience the slow motion twangs, howls and Ambient textures of the ten-minute piece "Aftenstjerne" are a great way to close this album.

While many cover artworks of the label are created by Jakob Skøtt, "Dispossessed" is actually graced by a painting of another band member, bassist Martin Rude.

Visually and acoustically: beautiful work, everyone! 

CIRITH UNGOL - Live At The Roxy

Ich habe gerade mein Exemplar des erwartet bekloppten neuen Igorrr-Albums bekommen, bei der Gelegenheit aber auch mal wieder mit einer anderen Metalblade Records-Band auf der komplett anderen Seite des Oldschool/Newschool-Spektrums aufgeschlossen. Yep, ich habe mir endlich Cirith Ungols letztes Studiowerk "Dark Parade" auf Vinyl zugelegt - und außerdem dieses noch neuere Livealbum, welches man im Grunde als eine der am einfachsten rezensierbaren Veröffentlichungen dieses Jahres betrachten kann. 

CIRITH UNGOL - Live At The Roxy (2CD + DVD) (2025)

Wer die Band kennt, der ahnt schon, was diesen Text so leicht zu verfassen macht. Cirith Ungol sind einfach das Paradebeispiel einer Kultband, die nach Jahrzehnten Funkstille zurückkehrt und dabei einfach alles richtig macht.

Mögen die Heavy-Metal-Pioniere auch noch so gigantischen Einfluss auf bösartige Doom-Spielarten, Death Metal und andere Genres gehabt haben - es brauchte reichlich freundschaftlichen Druck, die Kalifornier um Sänger Tim Baker und Drummer Robert Gaven, Urmitglied seit 1971(!), zur Reunion zu drängen. Und zu reichen Fantastilliardären kann man in dieser Sparte auch mit noch so viel Kult nicht werden.

Der Antrieb, diese Wiederkehr auch über einzelne Festivalauftritte hinaus über mehrere Jahre fortzuführen, war also die ehrliche Lust, wieder Musik zu machen und live aufzutreten.
Doch wo bei manchen Veteranen neue Alben eigentlich nur als kurzfristige Aufmerksamkeitserreger für die nächste Tour dienen, auf der dann doch nur die bewährten Klassiker abgenudelt werden, haben Cirith Ungol es auch geschafft, den alten Spirit vor der Trennung Ende 1991 in großartigen neuen Alben einzufangen, die sich vor Klassikern von "Frost and Fire" bis "Paradise Lost" nicht verstecken brauchen.

Cirith Ungol live in Hamburg 2024

Und so ist es dann auch sehr passend, dass"Live at the Roxy" tatsächlich auf der release-Party zu "Dark Parade" aufgenommen wurde und mit dem kompletten 2023er Album beginnt, ehe eine weitere Stunde mit unsterlichen Krachern wie "I'm Alive", "Black Machine", "The Frost Monstreme", "Masters of the Pit" und "King of the Dead" anbricht.
Und beides ist einfach großartig! Die Balance zwischen den immer etwas fieser als bei den meisten anderen Heavy-Metal-Bands der Siebziger und Achtziger klingenden Riffs und edlen Soli. Das urige und doch nicht anders vorstellbare Powerdrumming, das einmalig fies schrille und gerade live enorm überzeugende Organ des Frontmanns... Die Songs natürlich. Alles stimmt hier. Da es auch am Sound auf dieser Doppel-CD gar nichts zu mäkeln gibt, kann das Urteil nur lauten: Perfekt! Mit Sicherheit eines der geilsten Livealben des Jahres.

Die dritte Disc des Digipaks enthält das Ganze als Bonus noch auf DVD. Diese enthält keinen Schnickschnack, der einzige Punkt des Startmenüs ist Play. Und mehr braucht man auch nicht. Denn das Konzert ist sehr nah dran aus mehreren Perspektiven abgefilmt, man fühlt sich mittendrin in dieser schweißtriefenden Show für die Ewigkeit. Geil!

Auch wenn es sich - genau wie auf dem Deaf Forever Birthday Bash letztes Jahr - in der Qualität der Show nicht niederschlägt, ist der einzige Wermutstropfen dieses Auftritts wohl, dass Originalgitarrist Jim Barraza hier bereits aus gesundheitlichen Gründen aus dem Reunions-Lineup zurückgetreten war.

Dessen ungeachtet taugt "Live at the Roxy" aber tatsächlich auch, um Neulinge mit dieser einmaligen Gruppe anzufixen. Ich kann mir jedenfalls gut vorstellen, dass sich dies langfristig zu meinem meistgespielten Cirith Ungol-Album entwickelt.

Selbstverständlich geht kein Cirith Ungol-Album ohne Michael Whelan-Fantasycover. Ordnungsgemäß erlegt also Schwertschwinger und "Playbarbar" Elric wie seit jeher posierbewusst sein x-hundertstes Monster. Was will man mehr?

WITCH CLUB SATAN live im Bahnhof Pauli, Hamburg (25. September 2025)

Ausverkauftes Konzert im Bahnhof Pauli. Hätte ich's überlebt, kein Ticket zu bekommen? Wahrscheinlich, schließlich habe ich Witch Club Satan ja bereits im April auf dem Roadburn Festival erlebt. Trotzdem sieht es statistisch natürlich schöner aus, zwei der drei Chancen, die Norwegerinnen live zu sehen (beim Colossal Weekend 2024 wegen paralleler Laibach-Show ausgelassen) genutzt zu haben!

Da es keinen Supportact gab, sind wir auch - nach langer Wartezeit - direkt drinnen im Geschehen! Das Trio ist mittlerweile zu fünft auf der Bühne, da die Bassistin unübersehbar mit Zwillingen schwanger ist. Von dieser Entwicklung abgesehen war der Großteil der theatralischen Show mir natürlich schon bekannt:

Zunächst betraten die Black-Metal-Hexen die Bühne in heidnisch gehörnten, brustfreien weißen Outfits, welche außerdem ausgerechnet gehäkelt sind, was eine fürs Genre außergewöhnliche Ästhetik erzeugt, die zeigt, dass Witch Club Satan bei allem Respekt fürs schwarzmetallische Erbe auch einige sich selbst nicht zu allzu ernst nehmende ironische Brechungen in ihr Konzept eingewoben haben.

Die stilistische Basis der Band ist grober, ursuppiger Black Metal ohne herausragende Virtuositäten - und im zweiten Eindruck, wenn ich ehrlich bin, auch in Sachen zwingende Riffs durchaus noch steigerungsfähig. Die Idee scheint hier häufig noch größer als die Mittel zur Umsetzung zu sein. Interessant wurde es vor allem, wenn die drei Damen von den üblichen Kreischkonventionen abwichen, oder während der zahlreichen ritualistischen und von der feministischen Botschaft getragenen Zwischenspiele, in denen sich intensive Erzählung mit seltsamen Lauten und eigenwilligen Harmonien mischten.

Ob mystisch myrkuresk oder elektronisch, die gelegentlichen drastischen Ausbrüche aus der todesschwarzen, manchmal auch punkigen Oldschooligkeit sind notwendig und gehören so untrennbar zur Show wie die visuelle Komponente. Und wer jene zu "sex sells" herabstuft, der war wahrscheinlich nicht dabei und schätzt auch die sich identifizierende Reaktion der weiblichen Fans auf die Gruppe verkehrt ein. Auch wenn WCS zweifellos attraktive Menschinnen sind - wem es gar nicht um Musik, sondern primär um Titten und Ärsche geht, der findet sicherlich nach wie vor passendere Alternativen auf der Reeperbahn.

Jene wären sicherlich auch weniger spooky als der freizügigste, aber auch horrorfilminspirierteste schwarze Perücken-Look, den die Band im Mittelteil des Auftritts auffuhr. Gibt es hinter der Bühne einen The Ring-Brunnen?

Nach dem letzten Kostümwechsel betrat das letzte Drittel der Show dann Neuland, welches ich noch nicht von Roadburn kannte, mit ausgerechnet aus hellblauen Jeans und Glitzeraccessoires genähten Barbarinnenoutfits, in denen zwei Bandmitglieder auch überraschende (gefährlich plötzlicher Sprung zum Crowdsurfing!) ins Publikum wagten. Mit der aktuellen Single "You Wildflower" war hier auch eines der musikalischen Highlights zu verordnen.
Verzichtet wurde hingegen auf einen ins Publikum gerichteten Kunstbluteinsatz, so dass meine vorsorgliche rote T-Shirt-Auswahl sich als unnötig herausstellte und ich kein neuen Social-Media-Profilbild mitnehmen konnte.
 
Insgesamt war es auch ohne die spezielle Roadburn-Magie wieder eine tolle, lautstark abgefeierte Show. Allerdings hatte ich durchaus den Eindruck, dass ein Teil des ersten Eindrucks sich in der Wiederholung verbraucht und das Konzept mit der Zeit zwangsläufig nach größerem Spektakel und/oder stärkerem Songmaterial verlangt, wenn es längerfristig interessant und relevant bleiben möchte. Es wird also interessant sein, zu sehen, ob und wie die Damen sich dieser Herausfordrung stellen!