PROPHECY FEST in der Balver Höhle 2021 • TAG 1: Freitag, 10. September (mit ARTHUR BROWN, DORDEDUH performing NEGURĂ BUNGET u.a.)

 - Enter the Cave of Hellfire! -

30. Oktober 2019, Pre-Opening-Night des Überjazz Festivals in Hamburg. Das war mein letztes nicht-virtuelles Musikfestival. Aber da ich ja bereits vor einer Woche meine neunzehnmonatige Konzertpause mit Camel Driver und Pfund beendet habe, glaube ich, dass ich dieses Review trotz leichter Einrostungerscheinungen schon irgendwie auf die Reihe bekommen werde.

Für den nach all dieser Pandemiepause noch nicht mit meinem Geschreibsel vertrauten Leser an dieser Stelle gleich der Hinweis, warum die meisten Fotos in meinen Berichten so "komisch" aussehen: Es handelt sich um Bilder aus der Digital Harinezumi 3.0, einer in Kennerkreisen für ihre spezielle eigenwillig trashige Anmutung geschätze, japanische Spielzeugknipse, die sich inzwischen zu einer erstaunlich wertvollen digitalen Antiquität entwickelt hat.

Zur optischen Eingewöhnung reisen wir einfach mal schnell von Schleswig-Holstein durch einen den Tag zur Nacht machenden Wolkenbruch zum Hotel im Auenland Sauerland, und von dort gleich weiter zur Steinzeithöhle in Balve:

Wenn ich ganz ehrlich bin, dann hätte ich diese Fahrt für das diesjährige Billing unter normalen Umständen wohl nicht auf mich genommen. Doch ich war ja nicht nur ziemlich ausgehungert, sondern musste ja auch irgendwann mal - möglichst vor dem nächsten Roadburn Festival - ein bisschen üben, wie ich mehrtägige Veranstaltungen plus lange Autofahrten mit geänderten gesundheitlichen Voraussetzungen für mich organisieren kann. (Zum Glück ging das ziemlich reibungslos.)

Anderseits wäre ohne Covid-19, bei voller Planungsfreiheit mit allen internationalen Bands, wohl auch das Programm sicherlich stärker gewesen. Das Label hat in Übersee schließlich u.a. Kayo Dot und Coven im Stall.
Ein Teil von mir hatte natürlich auch unter aktuellen Umständen schon stark gehofft, dass die Anfang des Jahres gesignten Magma (ja, die französischen Zeuhl-Legenden Magma!) evtl. ihre Aufwartung machen könnten. So gesehen blieben Prophecy Productions, die hier dieses Jahr ihren fünfundzwanzigjährigen Geburtstag feierten, unabhängig von der tatsächlich gebotenen Qualität ganz klar unter ihren potentiellen Möglichkeiten.

Statt eines Programmheftes hatte es ja schon bei meinem letzten Prophecy Fest (2017; also das vorletzte, da das Festival seitdem alle zwei Jahre stattfindet) ein Artbook mit zwei Sampler-CDs zur Begrüßung gegeben, Dieses Jahr war das Format jenes Buchs noch größer und es enthielt sogar 4 CDs. Die Geschichte und Diskographie des Labels habe ich ehrlich gesagt bisher nur oberflächlich überflogen. Es reichte allerdings, um über meinen Bruder die seit Ewigkeiten komplett verschüttete Erinnerung an meine erste Begegnung mit Prophecy Productions vor drölfzig Jahren zumindest teilweise freizubuddeln.
Es ist ja auch nicht so, dass ein für beide Seiten peinlicher Gästebuchkonflikt aus der prä-sozialmedialen Zeit (aber einer aus dem Prophecy-Lager hatte mit extrem dreister Tonstudio-Werbung angefangen! Nana nananah!) irgendeinen brauchbaren Erinnerungswert hätte. Aber jetzt ist der Bullshit nun mal in meinem Kopf und muss da wieder raus, haha.

Prophecy Fest - Goodies + Merch-Einkäufe

Außerdem gab es diesmal auch einen Festivalbecher, den man vor Ort gar nicht brauchte, da die Getränke sowieso in Pfanddosen ausgegeben wurden. Ich vermute mal, dass das noch zu den Corona-Maßnahmen gehörte, von denen insgesamt erstaunlich wenig zu merken war, bzw. deren deutlichste Folgen sogar ausgesprochen positiv waren.

Um den Eingangsbereich zu vergrößern, lag die Bühne nämlich nun nicht mehr mit dem Rücken zum Höhlenausgang, so dass man an ihr vorbeigehen musste, sondern weiter hinten. Zwar musste der Boden des Publikumsbereiches recht aufwendig erhöht und auf eine Ebene gebracht werden, doch der Aufwand hat sich auf jeden Fall gelohnt und sollte zukünftig hoffentlich wieder betrieben werden. Denn es sah nicht nur von allen Seiten besser aus, sondern klang auch von allen Seiten besser. Dazu war auch die Luft viel frischer, man fühlte sich vor der Bühne nun tatsächlich fast wie auf einem regengeschützten Sommer-Open Air.

der Höhleneingang 

Da die Veranstaltung unter amtlich dokumentierten 3G-Regeln (geimpft, genesen, frisch getestet) stattfand, die Zuschauerzahl aber sogar noch unterhalb der aktuell erlaubten Menge bei maximal 999 lag, entfielen Masken- und Abstandsregeln für die Besucher. Es wurde am Eingang zeitweise im Schnellverfahren auf Krankheitssymptome getestet, doch insgesamt waren die Umstände beinahe so vorpandemisch normal, dass ich mich tatsächlich erst eine Weile daran gewöhnen musste.

Man musste sich also nicht um allzu viel kümmern, was auch das Motto meiner bei anderen Festivals ja durchaus gerne übertrieben akribischen Vorbereitung war. Wenn es eh nur eine Bühne gibt, dann muss man sich keinen detaillierten Plan ausarbeiten. Ich ging also erfrischend unwissend an dieses Wochenende heran.

Nur in die ersten, ab zwölf Uhr mittags spielenden Bands hatte ich schon reingehört, um mich zu vergewissern, dass ich während meiner Anreise nichts wesentliches verpassen würde.

Zum Glück gab es tatsächlich nur mittelprächtigen Neofolk und anderes für mich ebenso nebensächliches Zeug. Und dass einige Höllenabschnitte auf der Autobahn dann doch noch zu weiterer Verspätung als erwartet sorgten und verhinderten, dass ich rechtzeitig zu den 2017 schon einmal gesehenen Sun Of The Sleepless am Ort des Geschehens eintraf, fand ich auch nicht weiter tragisch.

(Die bereits donnerstags draußen stattfindende Aufwärmparty war für mich eh nie ein Thema.)

Hekate

Prophecy ist stilistisch ja mittlerweile nicht mehr leicht zu fassen, doch es gibt so ein paar Merkmale, die sich viele Gruppen auf dem Label teilen. Eine nicht so gute Angewohnheit sind deutschsprachige Texte, bei denen man immer aus Angst vor Cringe-Poesie reflexartig alle Kenntnisse der eigenen Muttersprache ausblendet. Nett hingegen ist, dass komplett unabhängig vom Genre immer gerne zusätzlich Trommeln und andere Perkussionsinstrumente für Sänger, Gitarristen oder wer sonst gerade Zeit und Lust hat, auf die Bühne gepackt werden.

Auf die einerseits mystisch organischen, aber dann doch auch elektronisch unterkühlten Neofolker Hekate traf gleich beides zu. Unterm Strich war die Band aber zum Warmwerden ganz ordentlich. Außer diesem generellen Eindruck ist allerdings auch nichts konkretes nachhaltig hängengeblieben. 

Dordeduh performing Negură Bunget

Beeindruckender wurde es nun mit den Rumänen Dordeduh, die mir seit ihrer Wacken-Show 2014 ein Begriff sind. Heute gab es allerdings - zum wahrscheinlich letzten mal - ein exklusives Programm aus Material ihrer Vorgängergruppe, der symphonisch-folkloristischen Black Metaller Negură Bunget.

Gerade wenn bei einigen Stücken (vgl. Prophecy-Trademarks weiter oben) noch zusätzliche Trommeln und hängendes Holzbrett zum Einsatz kamen, war es für mich zwar ohne Songkenntnis nicht mehr eindeutig von dem zu differenzieren, was die Band heute macht, aber super bleibt super. Heftig, aber auch sehr kreative und eigenständige Bedienung. Ein Auftritt, der auf jeden Fall gefühlt zu schnell zu Ende ging.

Dornenreich

Huch, da hätte ich im ersten Entwurf doch glatt eine Band vergessen! Naja, wer sich an meinen Bericht vom zweiten Festivaltag 2017 erinnert, der weiß, dass ich eher so nicht der Fan von Dornenreich bin, schon weil es sich hier um die schlimmsten Vertreter und vermutlich auch Begründer der bereits erwähnten Prophecy-Tradition der teutonischen Schlimmpoesie handelt.

Mein Plan war also, der Höhle komplett fernzubleiben und im Auto eine längere Entspannungspause einzulegen. Doch da meine Blutzuckerpolizei mir irgendwann anriet, bald mal einen Happen Kohlenhydrate zu mir zu nehmen, bewegte ich meinen Hintern dann doch früher als erwartet zum Currywurstwagen und bekam wieder ein bisschen Dornenreich mit. Zu meiner Überraschung trat erneut die akustische Duoversion der Gruppe auf, was sich damals schon als zumindest während der Gesangspausen eigentlich ganz passabel anhörbar entpuppt hatte. Ich musste also zumindest nicht mit dem heißen Teller in der Hand panisch fliehen.

Arthur Brown

79 Jahre ist Arthur Brown bereits jung, und ich hätte vor einem Jahr vermutlich nicht einmal gewusst, dass der Mann immer noch die Bühnen dieser Welt unsicher macht. Aber hey, als Fan des Sun Ra Arkestra weiß man ja, dass da durchaus noch fünfzehn weitere Jahre drin sein könnten. Der "God of Hellfire" teilt sich mit den Free Jazz-Legenden auf jeden Fall eine Vorliebe für crazy bunte Glitzerfummel. Tatsächlich verschwand der kleiderständerschlanke Mann zwischen jedem Song zum Kostümwechsel, während seine Band in mal chaotischen, mal atmosphärischen oder exzessiv abrockenden Interludes die Muskeln spielen ließ.

Klingt für jemanden, der nicht dabei gewesen ist, evtl. ein bisschen doof, war aber in Wirklichkeit komplett großartig. Die drei Musiker (Drums, Monsterbass und wechselweise Gitarre und Orgel) hexten einen fetten mit Blues und Psychedelik getränkten Proto-Hardrock, der die perfekte Grundlage für die Performance des Meisters bot.

Ich will nicht so tun, als ob ich Brown-Experte sei. Klar, jeder kennt den Refrain von "Fire", doch das Ding wurde selbstbewusst schon früh, ich glaube an dritter Stelle der Setlist, verbraten, und alles andere war für mich im Grunde Neuland. Machte aber gar nichts, denn dass sich hier rechtmäßige Klassiker noch und nöcher aneinanderreihten, war auch so unschwer zu überhören.
Und vor allem: Was für ein fantastischer Sänger ist der Typ noch immer? Im Grunde eine volle Bluesröhre, die mich stark an Chris Farlowe erinnert, inklusive aller Achterbahnfahrten in spitze Falsetts und tiefere Lagen - aber doch noch eine ganze Ecke verrückter.

Ein irrer Auftritt, welches ein Publikum mitriss, das zu großen Teilen sicherlich aus Novizen seines Materials wie mir bestand. Für meinen Geschmack ganz klar und zweifelsfrei das Tageshighlight. 

Primordial

Ein abschließender Höhepunkt für viele Fans waren danach offensichtlich auch die schwer abräumenden Primordial.

Dieser Metal, der aus so vielen Subgenres so nahtlos zusammengefügt wurde, dass man relativ schnell die Kategorisierung sein lässt und das Kind einfach Metal nennt, ist gut gemacht und mir grundsätzlich sympathisch. Auf Tonträger bräuchte ich das aber kaum. Vielleicht war meine Aufnahmefähigkeit für heute aber auch aufgebraucht oder das Niveau durch Arthur Brown zu hoch geschraubt? Wer weiß... Da der Tag definitiv lang gewesen war, habe ich mich nach ein paar Stücken verabschiedet und auf den Rückweg ins Hotel gemacht.

Kurz vorm Schlafengehen schaute ich dort erstmals in den Livestream des komplett übertragenen Festivals rein, der sich als ziemlich gut gemacht herausstellte. Primordial hauten da allerdings auch gerade in den Sack.

Teil 2 dieses Festivalberichts gibt es hier:

PROPHECY FEST in der Balver Höhle 2021 • TAG 2: Samstag, 11 . September (mit DOOL, DORDEDUH, SPIRITUAL FRONT, E-L-R u.a.)

MONGOLITO - Pure

MNGLT? Was ist das?

Die Innenseite der Digipak-CD, die mich neulich als Promo erreichte, gab mir immerhin schon Aufschluss, dass es sich um ein Projekt des Wolvennest-Gitarristen Marc De Backer handelte, bevor ich es lesen musste. Manche Typen kann man eben schon daran, dass man sie wegen Hut und Sonnenbrille nicht erkennen kann, erkennen.

Dieses Internet verriet mir dann allerdings noch, dass der Name eigentlich Mongolito lautet, und dass unter diesem schon eine ganz beachtliche Menge Soloalben auf die Welt gekommen sind. Hmm. Abgekürzt gefällt es mir im Zusammenhang mit dem Cover eigentlich besser.

MONGOLITO - Pure (CD) (2021)

Zu De Backers Hauptband Wolvennest stehe ich ja ein bisschen ambivalent. Ob live oder im Studio, ob alleine oder in Kooperation mit Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand oder anderen Künstlern wie zuletzt als The Nest auf dem Roadburn Redux - die Gruppe bietet immer gutes und mächtiges Zeug, gibt mir allerdings dabei auch stets das Gefühl, dass es noch ein oder zwei Schritte gibt, die sie ohne große Mühe weiter gehen könnte, um mich noch wesentlich mehr zu überzeugen. Eine zugegeben etwas diffuse Enttäuschung über aus meiner Sicht ungenutztes Potential sozusagen.

Mit diesem Album habe ich kein vergleichbares Problem, und vielleicht liegt dies schon gleich am zweiten Track "The Death Of Yet Another Dream", mit dem alleine mich das Album im Grunde als Fan eintütet.  Wie ein aus absolut nicht nachvollziehbaren Gründen unveröffentlichtes Highlight aus der "Mourning Sun"-Phase der Fields Of The Nephilim - oder zumindest ein Albumfinale von Dool - überschüttetet das Instrumental einen mit düstermorriconeskem Bombast, von dem man sich wünscht, dass er einen bis in die Ewigkeit weiter umspült. Besser geht Rockmusik nicht. Ok, mit Carl McCoy am Mikro, aber das war's auch. Dies ist klar eines meiner Lieblingsstücke der letzten Monate.

Doch alles andere auf "Pure" fällt deswegen nicht ab. Zwischen Gothic, Western, Doom Metal und Post Rock mit Dark Ambient-Elementen, der einen großen Teil seiner Macht aus wirkungsvoller Wiederholung schöpft (dies gilt vor allem für die mantra-artigen Textzeilen, wenn De Backer tatsächlich mal singt), setzt Mongolito seine Vision in allen sechs Stücken perfekt um.

Und selbst wenn er die gemeinsam mit DéHa (Drums, zusätzlicher Bass und Synthesizer) eingespielten Kompositionen vor allem als Backdrop für endlos ausschweifende Rockstar-Gitarrensoli wie in "Slowly" nutzt, lässt einem das gemächlich stampfende oder schwebende Grundtempo der Stücke immer noch genügend Räume, welche sich mit Bildern aus der eigenen Phantasie ausschmücken lassen.

"Pure" ist ein sehr evokatives Werk ohne erkennbare Mängel. Da kann ich nur meine vorbehaltlose Empfehlung aussprechen.

KING WOMAN - Celestial Blues

Es gibt ja viele Bands und Künstler, deren Namen mit "King" beginnen, doch kaum einer drückt ein ähnlich großes Selbstbewusstsein aus wie King Woman.

Und gerade durch die größere Konzentration auf Sängerin Kristina Esfandiari, welche die Band in der visuellen Präsentation ihres aktuellen Albums vollzieht, gewinnt der Name nur noch mehr an Kraft - selbst wenn er sich über dem jetzt schon ikonenhaften Rückseitenportrait Esfandiaris als gefallener Engel Lucifer in eher dezenter Schriftgröße zurücknimmt.

KING WOMAN - Celestial Blues (blood red vinyl LP) (2021)

Kristina ist nicht nur auf Cover und in den Videos zum "Celestial Blues" die Hauptdarstellerin, sondern steht auch musikalisch ganz klar im Mittelpunkt. Ihre Stimme, mal zart gehaucht, mal ungehemmt brüllend, dazu sehr häufig in sich zu ungewöhnlichen Stimmfarben mischenden Harmonien gedoppelt, ist das Zentrum aller neun Stücke.

Das bedeutet im Umkehrschluss aber ganz und gar nicht, dass die Musik hier eine beiläufige oder untergeordnete Rolle spielt. Es wirkt einfach nur so, als sei alles um die Gesangsperformance und Esfandiaris oft beschwörerisch repetive Texte, in denen sie als Lichtbringerin und aus dem Paradies verstoßene Eva an den ganz großen Mythen kratzt, herum arrangiert wurde. Vor allem die aggressiven Ausbrüche und Tempovariationen scheinen direkt ihrem bloßen Willen zu entspringen.

Dadurch, dass die stilitische Hauptzutat Doom ist, kommen mir gerade wegen der erwähnten Gesangsharmonien sowohl Undersmile als auch SubRosa in den Sinn, doch insgesamt klingen King Woman hier mit ihrer in Grunge und Alternative Rock verhafteten Riffästhetik und einigen vom Shoegaze beeinflussten Passagen noch weit mehr nach Kindern der Neunziger Jahre.

Vieles was die Gruppe auf "Celestial Blues" macht, scheint aus jener Zeit vertraut. Und doch klingen King Woman überhaupt nicht nostalgisch im Gestern schwelgend, sondern packen den Hörer mit ihrem rebellischen Doom Metal im Hier und Jetzt.

Dass hier jeder einzelne Song ein für die Verhältnisse des Genres regelrecht radiokompatibel kompakter Hit ist, sollte King Woman zusammen mit Esfandiaris genauso kompromissloser wie charismatischer Performance eigentlich schon reichen, um in höhere Bekanntheitsgrade katapultiert zu werden und zum heißesten Doom-und-Gloom-Eisen des Jahres zu avancieren.

Die Top Ten meiner Alben des Jahres ist mit dem himmlischen Blues jedenfalls schon wieder durcheinander gewürfelt worden.

Die farbige Schallplattenversion macht dazu in blutrot und mit ausgeschnittenem "Morning Star" auf der Rückseite der Hülle auch gut was her. Die Großartigkeit des Coverfotos hatte ich ja schon angeschnitten.
Da kann man die etwas schwierige Lesbarkeit einiger Passagen des Lyricsheets leicht verkraften.

MANSUR - Minotaurus

Ich habe das Gefühl, dass es momentan vor allem zwei Label gibt, bei denen mich mindestens jede zweite Neuveröffentlichung das virtuelle Portemonaie zücken lässt, WV Sorcerer Productions und Denovali. Bei letztem ist im Grunde Jason Köhnen alleine schon der Grund, ständig zuzuschlagen.

Zum Glück sollten die wiederaufgelegten Backkataloge von The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble und The Mount Fuji Doomjazz Corporation ja nun bald durch sein, doch der Mann werkelt ja nach wie vor in zahlreichen Nachfolgeprojekten

Alleine mit dem Trio Mansur hat er seit letztem Jahr eine EP, ein Debütalbum und nun bereits den dritten Schlag "Minotaurus" (oder "Minotavrvs", je nachdem welcher Quelle man glaubt) veröffentlicht.

MANSUR - Minotaurus (red clear vinyl LP) (2021)

So unzweifelhaft gut "Temple" und "Karma" auch waren - als Rezensent hatte ich ja ein wenig Sorge, dass es nichts zu berichten geben könnte, außer dass die erfolgreiche Formal noch einmal angewandt wurde und noch mehr gleichwertige Tracks hervorgebracht hat.

Doch tatsächlich probieren Köhnen, Dimitry El Demerdashi und Martina Horváth auf dem neuen, unter vierzig Minuten kurzen Album einen etwas anderen Ansatz aus.
Statt sorgfältig auskomponierter und übereinander geschichteter Arrangements sind die sechs Stücke auf "Minotaurus" allesamt freie Improvisationen. Die Grundlage bilden Bass/Elektronik, die an das Köhnen Pandi Duo erinnert, ein flüsternder bis dröhnender Fluss, der selten aus einem klaren Anfang entspringt oder in ein erkennbares Ende mündet, sondern einfach in wechselnder Intensität da ist, fließt und gleitet.
Darüber mystizieren Oud und in der Ferne schwebender Gesang, uns auf eine außerkörperliche Seelenreise zwischen Schwarzem Meer, Mittelmeer und Persischem Golf versetzend.

"Minotaurus" ist mehr Landschaft, Reise und Gefühl als strukturierte Liedersammlung. Nennt es orientalisch folkloristischen Darkjazz, antiken Ambient oder mythologischen Drone... letztendlich geht es auch auf diesem Album wieder um den Griff nach seit prähistorischer Zeit präsenter, alle unsere Kulturen und Konditionierungen vorausgehender Ursprünglichkeit.

Eine Übung, welche die beiden Herren und die Dame in Mansur meisterhaft beherrschen.
Einzig, dass ein paar Tracks mir etwas zu plötzlich in die Leere ausfaden, wirft mich ein klein wenig aus der Stimmung heraus. Vielleicht wären nahtlos ineinander greifende Überblendungen hier die bessere Wahl gewesen. Trotzdem bleibt dies wunderbare Klangkunst.

Auf ähnlich kräftig roten, leicht transparent Vinyl gepresst wie "Temple" macht "Minotaurus" auch optisch wieder etwas her. Erneut also ein rundum stimmiger Release aus dem Hause Denovali. 

CAMEL DRIVER und PFUND live im Fundbureau, Hamburg (03.09.2021)

Camel Driver

Es ist der erste Samstag des Monats und ich thematisiere hier mal nicht den vergangenen Bandcamp-Freitag. Ich habe mir zwar ein Tape und eine Vorbestellung gegönnt, doch die werden später an anderer Stelle gewürdigt.

Nein, ich schreibe hier und heute tatsächlich einen kurzen - weiß ich überhaupt noch, wie es geht? - fucking Konzertbericht! Neunzehn verdammte Monate ist mein letztes leibhaftiges Konzert, mit Twin Temple und Hexvessel nun schon her. Und wenn eines gestern überdeutlich wurde, dann wie unbeschreiblich sehr ich den Scheiß vermisst habe.

Überhaupt fielen mir zahlreiche Dinge auf, die ich in all der Zeit nicht gemacht habe. So bin ich z.B. genauso lange auch nicht in Hamburg gewesen. Keine nächtliche Autobahnheimfahrt mit stimmungsvoller Nachtfahrmusik. Ich bin ja gar kein Motormensch, aber auch das hat als Teil des Gesamterlebnisses gefehlt.
Die Parkplatzsuche eher weniger. Wobei die eigentlich einfach war. Nur den Teil, wo ich ich zur innerstädtischen Stauvermeidung einen illegalen U-Turn gemacht habe, ohne den Polizeiwagen direkt hinter mir zu bemerken, den hätte ich mir auch sparen können. Dank Überschuss auf meinem Karmakonto kam ich jedoch glücklicherweise mit einer mündlichen Verwarnung davon. Puh!

Das Fundbureau, in dem ich vorher noch nie gewesen war, entpuppte sich als schöner kleiner Club, dem auch frühe Sperrstunde und Pandemiemaßnahmen nichts von der grundsätzlichen Sympathie rauben konnten.
Die Veranstaltung fand nach 3G-Maßgaben als kapazitätsbegrenztes Sitzkonzert statt, wobei ich von meinen Gesprächen ausgehend mal stark vermute, dass 90 bis 100 Prozent der Anwesenden unter die Kategorie geimpft (statt genesen oder getestet) fielen.
Man musste also Nachweis und Ausweis vorzeigen und wann immer man herumlief seine Maske tragen, doch sobald man saß durfte man sie abnehmen. War also alles längst nicht so bizarr wie manche der Events, von denen man in den letzten anderthalb Jahren so gehört hat.

Beide Bands des Abends kamen aus Kiel und waren mir bereits durch mehrfache Begegnungen, vor allem in Heide, bekannt. (Das letzte Pink Tank Festival mit Camel Driver im Oktober 2019 ist ja ohne Covid-19 quasi gerade erst gewesen.)
 

Pfund

Den Anfang machten Pfund, ehemals Testosteroll. Leider kann ich an dieser Stelle kein Copyright auf ein Pfundbureau-Wortspiel anmelden, denn darauf kam ein anderer Besucher leider schon vorher.

Das Quartett (sorry, Gitarrist Nr. 2 stand für Fotos zu weit im Schatten) mischte Stonerrock, 90er-Jahre-Alternative, Doom, Blues und was auch immer ihm sonst unter die Pranken kam, zu einem wuchtigen Mix, der auch sitzenderweise mächtig zum Mitgrooven einlud.

Natürlich hätten sie hier wahrscheinlich auch in mittelprächtiger Form gewinnen können, Sowohl vor als auch auf der Bühne war eine große freudige Erleichterung zu spüren, dass dieses von von vielen Leuten doch stark unterschätzte Gemeinschaftserlebnis Livemusik nun allmählich doch wieder zurückkehrt. Die Form mag noch nicht ganz wie gewohnt sein, doch zur Erzeugung eines satten Pfunds Glücksgefühle reicht es immerhin schon. 

Camel Driver

Nicht nur durch ihre Konzerte, sondern u.a. auch durch ihr phänomenales letztes Album haben sich Camel Driver den Status meiner liebsten aktiven Band aus Schleswig-Holstein erspielt. Wobei "aktiv" in Bezug auf die jüngere Vergangenheit selbstverständlich relativ zu betrachten ist.
So war dann auch dieser Abend für das Instrumentaltrio die leicht verspätete Releaseshow für "\ /", an dem das Ding beinahe komplett durchgespielt wurde.
Dieser locker durchgezockte, mit Orientalismen gespickte Stonerprogmetalpsychpostrock ist schon eine Klasse für sich und macht jedes Mal Bock auf mehr.

Was wohl auch als Fazit für den Abend als Ganzes herhalten darf. Schauen wir mal, nächste Woche um diese Zeit werde ich bereits über die Hälfte meines ersten Festivals hinter mir haben. Bin mal gespannt, ob das ähnlich lässig und ohne irgendwelche Diabetikerprobleme (sind für mich ja jetzt auch die ersten Shows mit dem Quatsch an der Backe) läuft.

MONO - Pilgrimage Of The Soul / WANG WEN 惘闻 - 100,000 Whys

My favorite post rock band is dropping a new album in September!

Since I cannot for the life of me decide which group I am actually referring to with that statement, I am glad that Pelagic Records made it true for both bands at choice:

On September 17th Mono, one of the most epic and important live bands of the present - as recently proven on "Beyond The Past" - will be releasing a new double record.

On September 24th finally follows the physical release of  Wang Wen's "100,000 Whys".
The follow-up of the sensational "Invisible City" has already been around on Bandcamp since October 2020, yet I bravely withstood the temptation to immerse myself in it until a vinyl version was on the horizon.

With both groups (and this label) it's almost a no-brainer that you got to have it as a 12", since you can always expect an exceptionally beautiful packaging, which perfectly compliments the music.
So you can for sure expect me to show off my copies of both albums in a future post.

Now however let's turn one ear to Japan and the other to China and focus on what we can hear!

MONO - Pilgrimage Of The Soul (2021)

First of all a bit of advice I wish I could take to heart more consequently myself for anyone reviewing music: Just don't fucking read the promotional texts! In case of this album it could make you search for influences which - if they are even there at all - are present to a much smaller degree than suggested.
It is true that Mono are incorporating more electronic elements, but to talk of "faster tempos that are clearly influenced by disco and techno" seems like a sensationalistic exaggeration to me.

I'm not saying you shouldn't dance to the beat of "Imperfect Things", but at its core this is all still very much at home in post rock. So instead of Zement abducting you into the 90's Berlin club scene it's actually rather a closer approximation to Wang Wen's style of recent years which you can witness on "Pilgrimage Of The Soul".

Where I will definitely agree with the promo is that this album may indeed be the most dynamic and diverse the Japanese intrumentalists have ever done. Which in itself already is quite an accomplishment, when you already have over twenty years and ten albums worth of some of the most monumental escapism soundtracks under your belly.

The amazing changes between breathingly light and devastatingly heavy are all still there, just as the larger than life guitar layers and occasional glockenspiel, strings and grand pianos. The new grooves and synthetic textures which are around for maybe a quarter of the total playing time, only add to the scope and colour palette of the album's grandiosity in a fresh way.

With Mono's previous studio album "Nowhere Now Here" as well as their last two EPs having reached a level of production quality, which seems impossible to improve, just as there is no further cumulation of pure classical orchestral elements in the cards than on the latest live album, this broadening of the palette undoubtly is a logical creative decision.

And boy how it pays off! Because as much as it doesn't even seem believable at this point, the quartet may very well have outdone themselves yet again. The enormous climax and epilogue of "Innocence" or the incredibly deep, moving, hopeful and melancholic double finale of the all-trademarks-on-board epic "Hold Infinity In The Palm Of Your Hand" and the piano and strings ballad "And Eternity In An Hour" alone catapults "Pilgrimage Of The Soul" into spheres most artist will never even come close to.

Of course this won't become everyone's favorite Mono work - and it's too early for me to put it into perspective with everything else I know from them either -, but it will surely and rightfully win them new fans and cement the observation that you should always expect the pinnacle of outstanding post rock mastery from this band.

Ultimately there's not much more to say, but all the more to just feel, while Mono lead you through a larger world inside of yourself. And if you think you've already grown accustomed to their special powerful grip of your primal emotions, "Pilgrimage Of The Sould" might still - even without actual oomphoomphoomph techno - very much surprise you!

Maybe you've caught it somewhere between the lines:

If you seriously want to make my jaw drop to the floor and then nail it there for good, just record an album, which not only keeps up with Mono's "Pilgrimage Of The Soul", but which also immediately captures all my senses in an even more profound way. Enter Wang Wen!  

WANG WEN 惘闻 - 100,000 Whys (2020/2021)

Of course it isn't and shouldn't be a competition, yet while their live performances don't reach that same level of swansy, sheer sonic intensity their labelmates from Japan are often pushing into, the sound spectrum and compositonal variety of Wang Wen's music has often been a couple of steps ahead the successful Mono formula.

While the base of their sound could easily be described as post rock closely related to Mono, but with not only Chinese instead of Japanese, yet also much more prominent traditional influences in it, there is still more to them. And as tempting as it still is for me to compare the two bands, it has probably never been as appearant as on "100,000 Whys" that Wang Wen have developed a completely independent identy.

Not only is the interplay of often morriconesque guitars and keyboards, with carefully dosed, albeit still irrestistibly addictive horn, trumpet or flute melodies elevating the traditional post rock game to a league of its own, but it's also part of a larger toolset, with which Wang Wen can surprise you with exotic sounds and effects or entirely stir away into any musical direction of their choosing whenever they want.
Subtle mood changes through alterations from acoustic to artificial percussions or a much more sudden full-on electronic extravaganza? A jazzy bassline here, a venture into prog rock there? Latin sketches or ominous vocal incantations?
It's all game, yet it's never too much or distracting from the very coherent, eminently hopeful and uplifting spirit of this album.

"100,000 Whys" is definitely easier accessible than "Eight Horses" and probably also than "Sweet Home, Go!" or "Invisible City", but that doesn't mean it's any less sophisticated.
Even though the music sometimes disguises itself as pure entertainment without a double bottom of deeper aspiration, going so far as calling one track just "Shut Up And Play", it's of course always a display of fantastic compositional thought and craftsmanship, realized with everyone playing the exact right thing at the right time to make it work.

It's an album that allows you to just lean back and let yourself be flooded by its magic, but also caters to you when you're in a more proactive listening mode, ready to detect all kinds of impressive, but never show-offy (in terms of technical wankery) way.

Everything about this is just so delicately balanced. The production is once again powerful, super clean and perfectionist, but never sterile. It just all works together so incredibly well.
How good is this going to become once I hold the actual vinyl artwork in my hands?

I don't even need to love this more than I already do.

Right now for me the only imaginable possibility of Wang Wen not having delivered the post rock masterpiece of the year would be if you counted "100,000 Whys" by its digital premiere as a 2020 release. But yeah... no... I love this band way too much to do so.

LINGUA IGNOTA - Sinner Get Ready

"Caligula", Kristin Hayter aka Lingua Ignota's last full length (and one of my absolute favorite albums of 2019) was - still is! - an emotionally devastating, unfathomable colossus of  wrath and punishment, combining the harshness of her debut "All Bitches Die" with baroque neo-classical ideas and pushing those to the most glorious and hideous extremes.

With such an outstanding landmark in its neck there's no way of reviewing her newly released double album without drawing comparisons to its predecessor.

Yet due to the range displayed in her smaller digital releases since then, but also owed to the toll performing the material live took on her voice - plus her coming out of an operation against her chronical back pain - made it seem very likely that she would change the direction of her project to a more... let's say sustainable format.

The first two singles, both grand, hauntingly beautiful compositions centered around Hayter's piano and clean singing voice, strongly confirmed that assumption.

Accompanied by stunning videos "Pennsylvania Furnace"  and "Perpetual Flame Of Centralia" also did a great job of introducing the setting and central themes of the album.

However they are also purposely misleading, if you think you can build your expectation for the style of the whole album on them. Oh no, get ready for more... 

   

LINGUA IGNOTA - Sinner Get Ready (red in clear vinyl 2LP) (2021)

After the first single it already feels redundant to mention that "Sinner Get Ready" was inspired by Kristin Hayter staying in Pennsylvania during the pandemic. Furnace is a Pennsylvanian community and the song title "The Solitary Brethren Of Ephrata" features a biblically named Amish city also located in that state.
Nevertheless the central key location, which offers us a manifold metaphor for the understanding as well as the placement of this album within Lingua Ignota's dicography, has to be Centralia.

The area in and around Centralia is a largely abandoned lost place. I don't know how it really looks there, but one can imagine a calm and a certain beauty of nature reclaiming its place. Though under the deceptive surface of silence burns a fire.
It's a literal fire which broke out in a coaling mine under the borough of Centralia in the 1960s, an actual perpetual flame which is expected to last for up to 250 years. So according to recent scientific projections mankind will probably not survive long enough to watch it die out.
While the road through Centralia has recently been renewed (probably parallel to the early conception of "Sinner Get Ready") older pictures show huge fissures in it, through which smoke and life-threatening gases leaked out.

The raging fire at its prime was "Caligula".

In the same picture "Sinner Get Ready" is Centralia. At first sight a scene of sparse melancholy, yet with an all the more unsettling underbelly.

Lingua Ignota paints rural Pennsylvania as a morbid place shaped by the firm grip of religious beliefs. That old destructive fire, which man was always drawn to, burns in a particular American way here, shaping the inner and outer reality of societies and souls with a strictness and totality which is hard to grasp at least from my thankfully very heathenish Northern German point of view.

Hayter's lyrics are appeal and condemnation of the Pennsylvanian God. They are personal and part of a bigger conceptual field at the same time, with each and every line being written as a powerful quotable statement or invocation.
Just as I did at the beginning of my review for "Caligula" I could easily recite a whole bunch of lyrical excerpts here, but what is probably more useful to highlight the different nature of "Sinner Get Ready" is a list of several instruments being used by the singer and her collaborators Ryan Seaton and Seth Manchester alongside the piano.

Where "Caligula" - especially during its heaviest parts - relied a lot on samples and a rather fragmentary nature, the new album is a much more tangible and traditional affair with a mostly stripped down tapestry of actual instruments performing compositions between American folk, gospel and a more primal, universal worship music.
The naturalistic aspect of this is materialized with banjo, bells, bowed banjo, cello, clarinet, frame drums, guitar, harmonica, mandolins, melodicas, mountain dulcimer, organ, pennywhistle, saxophones, saxophone neck, shruti box, singing bowl, tibetan cymbals, triangels, wooden flute, wooden shakers, woodwind mouthpieces... while synths add further layers of atmosphere and drone.

Interestingly there are parts of the album - take the instrumentals of "Many Hands" or "The Sacred Linament Of Judgement", where the combination of drones, plucked and bowed strings and percussion sounds very reminiscent to thekind of Asian experimental music I'm drawn too lately. Especially Senyawa's masterpiece "Alkisah" finds a surprising relative and counterpart here.
Albeit coming from a culturally very different place, there's a shared sense of anachronism at work, which connects Hayter's twisted americana with the neubautish take on Indonesian folk, even though Lingua Ignota lives in a much bleaker reality.

As she takes us through this misogynic religious world, which is spiritually not too far from the barn where Tori Amos once infamously nursed a piglet, it is noteworthy, how brilliantly her journey is structured.

Side A is the prologue and challenge, which you have to overcome, as "The Order Of Spiritual Virgins" seems to drag out into eternity and "I Who Bend The tall Grasses" finds Kristin screaming into our faces with unforgiving intensity, not as black metal influenced as on "Caligula", but in a much more "real" and similarily frightening way. 
The next two sides are the main act, which features more archaic darkness, the harsh dark gospel of "Repent Now Confess Now", as well as the balladic grandeur of the two singles.

The albums biggest surprise however may come in the finale before it fades out with the false peace of "The Solitary Brethren Of Ephrata":

"Man Is Like A Spring Flower" is a multi-layered, almost orchestral piece, yet brought to life with "prepared piano", Moog Grandmother, Moog Voyager, Korg Wavestation, FM8 Soft Synth, Roland TB-303, Wurlitzer etc.
No, my familiarity with these tools is limited, but the effect clearly is a surprising introduction of a whole new palette of sounds, as if suddenly the recording studio had turned into a krautrock laboratory inhabited by a contempory classical composer, which in combination with Hayter's voice ascedning to its most operatic mode, opens the album up a lot and takes it to a whole new, unexpected level.

"Sinner Get Ready" is an amazing work of art from start to finish, and its packaging does it justice. With photographs by Hayter herself, the gatefold cover perfectly captures the mood of the musical narration.
Available in various vinyl colours, I find the red in clear variant to be very complimentary to the artwork.

All in all "Sinner Get Ready" has no reason to hide from "Caligula". It may be less punishing, it doesn't have the scary jump scares and such, but it is equally as profound and somehow horryfying. And probably even more cohesive as a complete work of art.  

A masterpiece and strong AOTY contender. Period.

CZLT - Junkyard

READ AN ENGLISH REVIEW OF THIS ALBUM ON VEIL OF SOUND!

[I've recently joined Veil of Sound as a guest writer. I will - hopefully regularly - share selected reviews there, which may be slightly altered translations of texts from this blog (like in this case) or completely new alternative write-ups. I've honestly haven't made up my mind up about that a hundred percent, so we shall see.]

Und wieder einmal stelle ich hier eine Veröffentlichung meines aktuell anscheinend liebsten Labels WV Sorcerer Productions 巫唱片 vor, wobei dieses Album in gleichwertiger Kooperation mit Ascetic Visions und Homo-Sensibilis Sounds das Licht der Welt erblickt hat. Irgendwo schwammig zwischen Esoterik, Weltmusik, Psychedelik, Okkultismus, Advantgarde und Metal, zwischen Ost und West verortet sind diese Adressen aber alle.

Und es ist kaum ein Album vorstellbar, welches diese Ansätze ursprünglicher und unverfälschter vermitteln könnte als "Junkyard", Soloalbum von Czlt, ein Kürzel, hinter dem sich der Belgier Guillaume Cazalet verbirgt, Mitglied diverser musikalischer Projekte, von denen die aktuell in Kennerkreisen hohe Wellen schlagende Drone/Doom/Jazz-Big Band Neptunian Maximalism wohl das prominenteste ist.  

CZLT - Junkyard (violet vinyl LP) (2021)

Wo genannte Band auf ihrem epochalen Debüt "Éons" und dem dieses Jahr erschienen Livealbum "Solar Drone Ceremony" auf - ja was wohl? - überschäumenden Maximalismus setzt, da ist CZLT zwar ebenfalls vielschichtig, verpackt dies jedoch subtiler in einer zunächst reduzierter erscheinenden Form.

Die Instrumente sind Sitar und dazu passend mikrotonal gestimmte Gitarre. Das Genre ist Drone Metal.
Wobei der "Metal"-Part hier im Grunde eher Formsache ist, die auf einer unterschwelligen Grunddüsternis, vor allem jedoch den Assoziationen, die der Gitarrensound hervorruft, beruht.

Die typischsten Eigenschaften, die der nicht mit Sunn O))) oder den bei Kombination mit Sitar unbedingt referenzwürdigen Bong vertraute Headbanger mit Metal verbindet, treffen auf dieses aus zweit unbenannten Longtracks bestehende Album nämlich nicht zu.
Es mag noch so sehr Klischee sein, doch überwiegend ist Metal, ob rasend, groovend, stampfend, nun mal eine Musik, die mich dazu zwingen will, mich in Bewegung zu entladen.
"Junkyard" allerdings regt eher dazu an, sich im zeitvergessenen Zustand aufzuladen.

CZLT ist Drone. 

Drone (Dröhnen) an sich stellt ja erst einmal gar kein Genre dar, sondern ist einer der ursprünglichsten, integralsten Bestandteile von Musik überhaupt. Jede alte Kultur kennt ihre eigenen Drone-Instrumente, die ihr hilft, sich über diese Welt hinaus zu bewegen.
Und wo kein fassbares Werkzeug gezupft, gestrichen, geschlagen oder geblasen wird, da springt der menschliche Kehlkopf in die Bresche, wie wir es beispielsweise aus den Höhen des Himalaya kennen.

Auch Cazalet setzt dieses Mittel ein, genauso gekonnt, allerdings weniger vordergründig als bei Neptunian Maximalism. Der tibetisch inspirierte Gesang gehört hier gleichwertig zu modernen elektronischen Geräuschen zu einem ominösen Klangstrang, der sich untrennbar als Textur mit der dominanten, geduldig donnernden Gitarre und der permanent darüber solierenden Sitar verwebt.

"Junkyard" ist ein Album des langen, unmerklichen Aufbaus. Es gaukelt Stillstand vor und lädt deine Seele ein, entrückt in dieser Regungslosigkeit zu schweben. In Wahrheit jedoch brodelt und wächst es unter der Oberfläche, knapp unterhalb der Schwelle offensichtlicher Wahrnehmung. Es ist das langsame Augenöffnen eines erwachenden Riesen. Und wo Du glaubtest, deinen Geist auf leeren befreienden Durchzug gestellt zu haben, sporuliert tatsächlich eine tiefe Inspiration.

Nun gibt es in meinem Plattenregal durchaus schon einige Alben mit ähnlichem Effekt. Was CZLTs Werk unter diesen herausstehen lässt ist die Dichte, in der (Metal-)Moderne und Tradition untrennbar verschmelzen.
Der Schlüssel dazu ist schlicht, wie eingehend sich hier mit allen Versatzstücken auseinandergesetzt wurde. Guillaume Cazalet kennt nicht nur sein Effektboard, sondern strebt auch in Sitar und Kehlkopfgesang nach Wissen und Meisterschaft. Im Resultat ergibt das eben nicht nur mächtigen Wumms mit schöngeistig exotischem Anstrich, sondern befriedigt in seiner fundierten Virtuosität auch auf einer intellektuellen, mit der Kunst von Komponisten wie Eyvind Kang oder Jóhann Jóhannsson vergleichbaren Ebene.

Und was das Ganze mit dem titelgebenden Autofriedhof zu tun hat... das mag der interessierte Hörer den Liner Notes entnehmen. Ich muss an dieser Stelle ja nicht alles verraten.

Nur dass neben der Musik auch die limitierte violette Vinylversion inklusive zwei Postern sehr gefällt, das sei hier gerne noch gesagt.

CLARA ENGEL - Dressed In Borrowed Light

Wenn ich hier schon beim Bandcamp-Freitag bin: Seit gestern ist dort noch ein weiteres Album vorbestellbar, in welches ich schon seit einer Weile komplett hineinhorchen durfte.

Es stammt von der kanadischen Singer/Songwriterin Clara Engel, welche in der Vergangenheit u.a. schon mit Künstlern wie Thor Harris (Swans) oder Aidan Baker (Nadja) zusammengearbeitet hat.

CLARA ENGEL - Dressed In Borrowed Light (download) (2021)

Eines weiß ich bereits jetzt mit Gewissheit: Spätestens eine Woche nachdem ich dieses Review veröffentlicht habe, fällt mir garantiert die ultimative Referenz ein, um die Musik dieses Albums zu beschreiben. Irgendwie habe ich nämlich das Gefühl, dass es da draußen einen perfekten Vergleich sowohl für den Gesang als auch die Musik der Multiinstrumentalistin gibt, der mir beinahe auf der Zunge liegt...

Doch was soll's, ich komme auch so zurecht. Clara Engel selbst zitiert die Stilbezeichnungen experimenteller Folk und minimalistischer Holy Blues, welche die sechs durchschnittlich über sechsminütigen Lieder von "Dressed In Borrowed Light" tatsächlich schon sehr gut umreißen.
Es ist hauptsächlich mit akustischen Saiteninstrumenten, elektrischer Gitarre und sparsamer Perkussion von ihr selbst und ausgewählten, jeweils auf einem Track vertretenen Gastmusikern (u.a. an Lap-Steel-Gitarre, Cello und brendan-perryeskem Backgroundgesang) umgesetzte, lyrikbetonte Balladenmusik zwischen Americana und nicht geographisch verortbarem, universellen Anspruch.

Wer auf das reduziertere Material von Chelsea Wolfe, Marissa Nadler, Angel Olsen, Louise Lemón, Jarboe oder auch (natürlich mit ganz anderer Stimmfarbe) Steve von Till steht, der findet hier nirgends eine hundertprozentige Entsprechung, aber doch so viele zwischen diesen Künstlern variierenden Ansatzpunkte, dass dieses Album mit hoher Wahrscheinlichkeit zumindest interessant sein sollte.

Mir gefallen die wunderbar auf den Punkt arrangierten Kompositionen und das unaufgeregte, nicht effektheischende und dennoch sehr packende Timbre in Engels Stimme ausgesprochen gut.

Dies ist ganz klar eines der pursten, schönsten, am direktesten die Gefühle ansprechenden Alben, die mir dieses Jahr untergekommen sind.

"Dressed In Borrowed Light" erscheint digital am 20. August. Ein physischer Tonträger ist derzeit noch nicht angekündigt, wäre aber sehr sehr wünschenswert.

BANDCAMP DAY August 2021 mit LINGUA IGNOTA, RHIZOM FIGHTERS und SPIRAL SADNESS

Hey, der Bandcamp Friday ist wieder da!

Boah, ich komm doch eh schon nicht mit meiner neuen Musik hinterher... naja, habe mir trotzdem ein paar Tapes bestellt. Über die schreibe ich dann demnächst etwas in meinen Cassette Craze Chronicles.

So bleibt an dieser Stelle eigentlich nur Lingua Ignota zu erwähnen. Ihr neues Album "Sinner Get Ready" ist gestern erschienen, doch darum soll es hier noch nicht gehen. Es hat mich allerdings daran erinnert, dass ich die letzte digitale EP Kristin Hayters im Februar geskippt hatte, weil mir da gerade nicht der Kopf dafür frei war.

Mit einem Cover der Hardcorepunkband Iron Lung und noisegetränkten Interpretationen von Georg Friedrich Händel und Johann Sebastian Bach, versehen mit Hermann Hesse zitierenden spoken words durch Daughters-Sänger Alexis Marshall und Hayters eigenem Gesang in seiner ätherischsten, opernhaftesten Form, spannt "Agnus Dei" in insgesamt nur knapp über viertelstündiger Spielzeit einen weiten, von weißem Rauschen bedeckten Bogen, dessen Atmosphäre so dicht ist, dass man sie mit einem Messer blutig zerschneiden könnte.

Banausen werden hier bewusst eingeladen, dies als reinen Krach abzutun, Kenner wissen es besser. Denn wieder einmal beweist sich Lingua Ignota als eine der relevantesten musikalischen Künstlerinnen der Gegenwart. Besonders das klassische Titelstück ist wahnsinnig gut.

Und damit der Text hier nicht schon zu Ende ist, schummel ich hier jetzt auch noch zwei Alben des tschechischen Undergroundlabels Stoned To Death hinein, die ich mir gar nicht am Bandcamp Friday besorgt, sondern neulich als Download zusammen mit dem kranken Scheiß von Národní Diovadlo geschenkt bekommen habe:

Die Rhizom Fighters sind ähnlich irre wie jene Gruppe aufgestellt. Das Duo verbindet tollwütiges Freejazz-Drumming und Trompete mit experimenteller Elektroverwirrung. Und auf "Otua" kommt noch grindcoretaugliches Heisergebrüll dazu. Das Resultat ist abgefahrene heavy Improvisationsmucke, die das Avantgarde-Rad vielleicht nicht neu erfindet, jedoch durchaus spannend ist und einfach super viel Spaß macht.
Ach scheiß drauf, ich kauf mir jetzt doch eine der auf hundertfünfzig Stück limitierten und nur vierzehn Euro günstigen LPs von "Say No To Automatism!"
Um das einfach so liegenzulassen, bin ich wohl auch zu sehr von John Zorn und den Dead Neanderthals beschädigt, haha.

Nicht zwingend physisch haben muss ich hingegen das selbstbetitelte Debüt von Spiral Sadness.
"Sadcore" nennt sich diese kauzig, elektroakustische Low-Fi-Gruftimusik, auf der gerade der mit starkem Akzent und immenser Antriebslosigkeit dargebrachte Postpunksprechgesang schnell sowohl cringy als auch ermüdend rüberkommt.
Genügend interessante Ideen, um ab und zu mal einen Track einzuwerfen, gibt es hier schon, und irgendwie ist es auch ein Ereignis, dieses Zeug mal gehört zu haben. Ob man dieses jedoch mit einer Kassette zementieren muss? Ich glaub eher nicht. #sad
Es kann halt nicht jede Veröffentlichung eines Labels ein Volltreffer sein.

 

SABA ALIZADEH - I May Never See You Again

30M Records is a young label from Hamburg taking up the cause of spreading the gospel of experimental music from Iran. Fittingly one of the first 30M releases is from the one Iranian musician who I can already instantly name from the top of my head, since his last work "Scattered Memories" (on Karlrecords) left a huge impression on me and consequently ended up in the ranking of my top 22 favorite albums of 2019.

SABA ALIZADEH - I May Never See You Again (2021)

Given the title of its predecessor it seems a bit monothematic when the promo text for the new album talks about "meditations on the subject of memory". This new album is different than "Scattered Memories" though.
Where that album heavily featured the city of Tehran in themes and samples, "I May Never See You Again" comes across as a closer, yet more abstract internal monologue.

The pieces which are easisest to access are probably the two collaborations with German singer  Andreas Spechtl (Ja, Panik), who irradiates a calmness, which reminds me of Toby Driver's last solo albums, respectively the smoother performances on later Kayo Dot records.

There are also tracks, which prominently focus on Saba Alizadeh's masterful spike fiddle craft and partly pair it with haunting droning electric sounds. Due to the longing atmospheric tone of the kamancheh I find those very easy to enjoy, too.

The more experimental Alizadeh gets, the more it sounds like his music has been recorded somewhere in a metaphysical space within the body, and sometimes the intimacity created by this is a little much to bear, be it in "Ablution", which seems to drown in bubbling and rushing inner ear noises or in the closer "Azin", which finally goes too "artsy" for me. It's just uncomfortably close breathing noises, and I frankly cannot stand it. Luckily skipping this shortens the whole listening experience only insignificantly - and pieces like "Norouz 99", "Phasing Shadows" or the title track more than make up for it.

All in all Saba Alizadeh once again leads the listener on a subtle sonic adventure, which demands and rewards attention.

However as an entirety "I May Never See You Again" doesn't feel as cohesive as "Scattered Memories" for me. I'm mostly missing parts of the richness in Persion folkloristic influences and field recordings, which made that release so spectacular and tied it together, here.