Resterampe 2020 (mit BLUES PILLS, JESU und MIZMOR)

Ok, die Überschrift klingt jetzt ein wenig despektierlich. Ist aber gar nicht so gemeint. Hier frühstücke ich einfach noch ein paar Musikveröffentlichungen des letzten Jahres ab, die erst kürzlich in meine Sammlung eingegangen sind.

Den Anfang macht ein Bündel aus vier Wiederveröffentlichungen des Black/Sludge/Funeral Doom- Metal-Projekts Mizmor:

MIZMOR - Mizmor (Tape) (2012/2020)

MIZMOR - Mishlei (Tape) (2018/2020)

MIZMOR - Yodh (Tape) (2016/2020)

MIZMOR - Cairn (Tape) (2019/2020)

Das überwiegend auf Kassetten spezialisierte Label Tartarus Records hat letztes Jahr alle drei Studioalben von Mizmor in luxuriös anzuschauenden Versionen im schwarzen Karton inklusive Booklet mit Texten und Artwork neu herausgebracht. Dazu kommt die erstmals 2018 erschienene Compilation "Mishlei", welche alle Tracks der Split-Releases zwischen Debüt und "Yodh" vereint und faktisch auch ein vollwertiges Album darstellt.

Alle vier zusammen gibt es mit Rabatt und inklusive Logo-Patch als Set. Und weil mein bisher einziger Mizmor-Tonträger die "Yodh: Live at Roadburn 2018"-CD gewesen ist, war der Versuchung, hier zuzuschlagen, einfach unmöglich zu widerstehen. Zum Glück!

Denn diese räudig mächtig epochale, musikalisch so bösartige, aber inhaltlich durchaus sehr ernsthaft durchdachte Diskographie, hat einfach keinen Schwachpunkt. "Cairn" ist ganz klar das krönende Meisterwerk, doch alles davor zeigt schon sehr deutlich den Weg dahin.

Wer sich in Black Metal getunkte Yob, Conan und Bell Witch vorstellen mag, auf Longtracks und auf extreme Vocals mit Wiedererkennungswert steht (diese aus einem hohlen Baumstamm zu kriechen scheinenden Growls klingen, wie das ikonenhafte Cover von "Yodh" aussieht), der bekommt mit Mizmor eine wunschlos beglückende Vollbedienung.

Und dieses Tape-Quartett ist natürlich ein Juwel in meiner jungen Sammlung.

JESU - Never (blue in white vinyl 12" EP) (2020)

Neulich im Review des neuesten Jesu-Albums "Terminus" hatte ich ja noch zu Protokoll gegeben, die vorangegangene Comeback-EP des Justin-Broadrick-Projekt ausgelassen zu haben, da es mir zu effektüberladen experimentell war und ich mich einfach noch nicht hineinhören konnte.

Inzwischen habe ich mich dann doch mal getraut, das immer noch in Farbvarianten erhältliche Vinyl zu bestellen. Anders als die als Beikauf mitgenommene Final-CD "Reading All The Right Symbols Wrong" von 2009, die mich auf Anhieb abholte, bleibe ich auch dabei, dass es sich bei "Never" zumindest für mich um das vielleicht bislang schwierigste Werk Broadricks (in meiner Sammlung; ich bin weit davon entfernt, Komplettist zu sein) handelt. Das Ding musste ich mir schon relativ mühsam erarbeiten.

Nicht, dass es sich hier um besonders komplizierte Musik handelt. Allerdings wurde die an sich auch emotional sehr direkte und eingängige Basis der vier Stücke dermaßen durch den Pixelschieberfleischwolf gedreht, dass der Mix aus Shoegaze und Elektro schon einen sehr fragmentarischen und künstlich distanzierten Eindruck macht.

Jetzt, da der Knoten geplatzt ist, kann ich den surreal träumerischen Charakter von "Never" auch voll genießen. Für Newbies, die nicht eh schon Fans sind, halte ich die EP allerdings für sehr herausfordernd. Da erschließt sich das stilistisch deutlich geerdetere Full-Length-Album mit Sicherheit trotz des langsameren Durchschnittstempos schneller.

BLUES PILLS - Holy Moly! (2CD Digibook) (2020)

Zum Abschluss nun noch ganz andere Töne. Die Gemeinsamkeit zu Jesu ist, dass ich auch hier zunächst skeptisch war und lange mit dem Kauf (bzw. dem Hinzufügen auf meine Geburtstagswunschliste) zögerte.

Blues Pills ohne die naturtalentiere Wundergitarre von Dorian Sorriaux? Fehlt da nicht eines der wichtigsten Markenzeichen?
Dazu kommt die Neigung der Band, sich als erste Single gerne Stücke auszusuchen, die sehr formelhaft und on the nose sind und mich für sich erst einmal nicht allzu mächtig umhauen.

Letztendlich waren hier aber alle Sorgen müßig.

Der seit jeher für die zeitgeistige Authentizität verantwortliche Musiknerd und Hauptsongwriter Zack Anderson wechselt vom Viersaiter auf die Gitarre, was natürlich - in gar nicht so dramatischen Ausmaß - nicht mehr ganz so filigran und brilliant daherkommt, allerdings u.a. durch mehr direkten Dampf ausgeglichen wird. Sehr schnell wird klar, dass "Holy Moly!" das bisher am stärksten rockende Album der Band geworden ist.

Die von mir so hochgeschätzten Motown/Soul/Gospel-Elemente von "Lady In Gold" sind allerdings nicht verloren, sondern blitzen hier und da weiterhin hervor. Und wie!
Elin Larsson wird ja gewohnheitsmäßig von Album zu Album (und wenn live gespielt werden darf auf den Touren dazwischen) immer besser, und das gilt hier besonders für die hohen Soul-Schreie wie in "California", einem der Songs, die aus dem vorherrschenden Powertrio-Uptempo ausbrechen.
Zu jenen gehören auch das dunkle "Dust", das bittersüße "Wish I'd Known", der mit Piano und Streichern zu unerwarteter Größe wachsende "Song From A Morning Dove" und die abschließende Bluesballade "Longest Lasting Friend".

Moment! Habe ich da etwa tatsächlich "Trio" geschrieben? 

Technisch ist das für "Holy Moly!" korrekt, denn Neu-Bassist Kristoffer Schander posiert bisher nur auf Bandfotos und in Videos. Bis auf die überschaubaren, aber stets umso wirkungsvolleren Gastmusikereinsätze hören wir hier also tatsächlich das Trio LarssonAndersonKvarnström.

Vermutlich war es für die Band auch wichtig, im kleinen Kreis an diesem Ding zu werkeln. Das Resultat zeigt auf jeden Fall eine eng zusammengeschweißte und gewachsene Gruppe. Das Wunderkinder-Image früherer Tage ist komplett abgestreift und weiterer Souveränität und Songwritingqualität gewichen.

Ein großartiges Album. Vielleicht sogar das beste der Blues Pills. Allerdings  müsste man die Songs wohl live erleben, um diesen Eindruck zu verifizieren.

Eine deutliche Steigerung zur Debüt-EP "Bliss" von 2012 ist "Holy Moly!" ohne Frage. Komische Aussage, ich weiß. Darauf komme ich auch nur, weil eben jenes vergriffene Teil der Digibook-CD-Version des Albums als Bonus beiliegt.

Angesichts der vielen Neuaufnahmen und Liveversionen der hier vertretenen Hits "Bliss", "Astral Plane", "Devil Man" und "Little Sun" halte ich das Ding nicht zwingend für den allerheiligsten Gral, aber es ist halt wie es ist: Auch wenn man ein Blues Pills-Song schon neunundneunzig mal gehört hat, ist er halt beim hundertsten Durchlauf noch super.

Ok, "Devil Man" war mir in der Vergangenheit durchaus schon mal über, haha.

EMMA RUTH RUNDLE & THOU - The Helm Of Sorrow

Most reviewers will obviously compare this collaborative EP of Thou and Emma Ruth Rundle with their previous full-length record "May Our Chambers Be Full". It's from the same sessions and the first limited special edition already featured the EP as an appendix.

Well, the thing with me is...
that I had ordered a copy on violet vinyl of said LP, but the retailer didn't receive enough items, so my order got canceled and I was a little sore and didn't buy the standard black version instead. I've pre-ordered a new coloured pressing now, but that will only arrive in a couple of months. And since I'm trying to develop a habit of not listening to albums to death online before I receive the actual physical copy, I'm really not familiar with the album yet.

I know that it probably is a strong album of the year 2020 contender though, because I'm a) not blind and have read stuff in the internet and I'm b) not deaf (yet) and have seen their joint performance at Roadburn Festival 2019, which was the whole cause for this liaison in the first place.

EMMA RUTH RUNDLE & THOU - The Helm Of Sorrow (12" EP) (2021)

With the disclaimer above it's clear that I can't really tell if the creative shares of the artists are distributed in the same way as on the album, but what is obvious on first listen is that the experimental slude/doom band is not collaborating just with the singer Emma Ruth Rundle, but with the whole package of guitarist, songwriter and singer.

"Orphan Limbs", the first track of the twenty minute EP, starts very quiet and reduced, centered around her typical guitar tone and surprisingly not her lead vocals, but those of Emily McWilliams, who has been a long-time member of the extended Thou family for a long time. (front left singer on this NPR music tiny desk concert)
Only in the last quarter of the song, when the volume is turned up and the shrill shrieks of Bryan Funck embody pure bestial anxiety, it is confirmed that the rest of this record will presumedly feature some super thick and heavy shit.

Further proof comes in exhibit B, "Crone Dance", where Funck and Emma Ruth Rundle share vocals equally. Technically it's inevitable that the comparison to Cult Of Luna and Julie Christmas comes to mind, even though the vibe of the tracks reminds me more of Subrosa and a version of My Dying Bride with multiplied gravity and bleakness. That final riff is so bad-ass heavy, you can bury a black whole under it.

"Recurrence" is the second track which sees ERR only on a bit of background vocal duty, while her dark melancholic guitar mixes with the sludgiest riff work, over which - almost a little too repetitive - Funck screeches out his entrails again.


Most reviewers will obviously compare the final track "Hollywood" with its original version from The Cranberries.

Well, the thing with me is...
I didn't really care neither for the band nor the scene or genre in the Nineties and I'm not even sure if I have ever heard the song before or if it just sounds loosely familiar because of its vocal phrasing similarities to "Zombie".

I know that this interpretation is pretty awesome though. Not only works the intensity of Thou extremely good with dark 90s alternative rock vibe (which along with a certain grunge influence seems to be a theme throughout the whole EP), but this is also where Emma's breathy voice shines the most.
Just as her famous 2 Minutes To Late Night cover of Kate Bush's "Running Up That Hill" she also absolutely nails this stylistically very different performance.


All in all this is one of those short records you can easily listen to on a loop.

Despite their generally interesting promise I somehow couldn't really find myself in the mood to explore Thou beyond that one show and the occasional clip here and there until now, so I clearly came into this as a fan of Emma Ruth Rundle, and I'm glad that this killer EPs has now properly introduced me to the band.

Will surely be continued when the full-length finally arrives here.

MONO - Beyond The Past • Live in London with the Platinum Anniversary Orchestra

Livealben haben dieser Tage ja eh schon einen bittersüßen Beigeschmack.

Und wenn sie dann auch noch von einer der mächtigsten Livebands der Gegenwart auf der Spitze ihres Schaffens kommen... puh. Schweig, meine Seele, und lass dich treiben!

MONO - Beyond The Past • Live in London with the Platinum Anniversary Orchestra (2CD) (2021)

Die (99%ig) instrumentalen Postrock-Giganten Mono sind auf der Bühne grundsätzlich eine Bank, wie ich selbst bisher viermal erleben durfte, zuletzt als eines meiner letzten Prä-Corona-Konzerte im Dezember 2019 (knapp eine Woche vor dem hier aufgenommenen Konzert) und am epischsten ein halbes Jahr vorher, als sie in Tilburg das komplette Album "Hymn To The Immortal Wind" mit dem Jo Quail-Streicherquartett und Flügel darboten.

Die Idee, mit Orchester aufzutreten, ist für die Gruppe also nicht neu und wurde in der zwanzigjährigen Bandgeschichte auch schon ein paar mal in unterschiedlichen Größenordnungen  realisiert. Vor allem ist sie natürlich auch extrem naheliegend, da Mono auf ihren Studioalben schon seit jeher mit orchestralen Arrangements arbeiten.

Diesen live einzubeziehen ist also "nur" eine weitere Schicht Volumen, Bombast, Gefühl auf den ohnehin schon unglaublich lauten, überwältigenden Grundsound der vierköpfigen Band an sich. Wobei "nur" selbstverständlich das letzte Wort ist, welches man im Zusammenhang mit diesem hier perfekt für die Ewigkeit konservierten Konzert benutzen darf. Die Wand an Klang und Emotionen, welche Mono und die zahlreichen Mitstreiter hier entfesseln, erreicht eine naturgewaltige Größe, die selbst in der Diskographie der Japaner herausragt.

Natürlich gab es vor kurzem erst die noiserockmusikalisch rauhere Steve-Albini-Studiosession auf "Before The Past • Live From Electrical Audio", doch selbst diese kann sich "Beyond The Past" gegen Ende seiner zweistündigen Spielzeit noch einverleiben, als einem auch hier der über viertelstündige Brocken "Com(?)" mit vollem Besteck durch den Körper gejagt wird.

Und an diesem Punkt ist schon so wahnsinnig viel geschehen. Das Konzert folgt zunächst zwanzig Minuten lang dem letzten Albums "Nowhere Now Here", welches insgesamt die Hälfte der Tracklist ausmacht und einige der zahlreichen Highlights markiert. So hatte mich eruptive Auftakt mit "After You Comes The Flood" blitzschnell in der Tasche und "Breathe", der erste Song der Bandgeschichte mit hauseigenem Gesang durch Basserin Tamaki, unentrinnbar verzaubert. Und was soll man erst zum Titelsong oder dem später im Set auftauchenden Spannungsbogen von "Meet Us Where The Night Ends" sagen?

Das reguläre Programm endet mit einer enorm dynamischen Version von "Halycon" und dem beinahe unverzichtbaren Überflieger "Ashes In The Snow", ehe es in der Zugabe vor dem bereits erwähnten Finale noch eine besondere Überraschung gibt, nämlich die Livepremiere des Stücks "Exit In Darkness" mit Sängerin A.A.Williams von der gleichnamigen EP. So eigenwillig sanft, warm und charismatisch... Gänsehaut!

Das Orchester, die auch hier wieder präsente Freundin der Band, Cellistin Jo Quail, alles ist hier ideal eingebettet. Die Dramaturgie der insgesamt zwölf Stücke lässt die zwei Stunden wie im Fluge vergehen. Dieses Livealbum kann alles. Vermutlich sogar die Kinder ins Bett bringen und zum Frühstück Eier kochen. Ich kann mir nicht vorstellen, wie man das Gefühl, diese Genregroßmeister persönlich zu erleben, besser einfangen (und für alle, die nicht speziell bei diesem überlebensgroßen Event dabei gewesen sind, noch ein extra Kirsche obendrauf servieren) kann.

Ich würde "Live in London with the Platinum Anniversary Orchestra" auch ganz klar Mono-Neulingen als Einstieg empfehlen.

Ich selbst habe mir jedenfalls das Doppel-CD-Digipack bestellt. Natürlich gibt es von Pelagic Records auch wie immer schöne limitierte Vinylausgaben, die ich mir diesmal verkniffen habe, da ich mir schon von einer anderen Labelveröffentlichung, die ich hier demnächst bespreche, das (nicht ganz) schwarze Gold gönnen musste. "Musste". Ihr wisst schon...

Das Livealbum erscheint offiziell am Freitag, den neunzehnten März. Wie lange die physischen Tonträger tatsächlich auf sich warten lassen, weiß man speziell heutzutage ja nie wirklich, doch dass sich das Warten auf jeden Fall lohnt, kann ich hiermit hoch und heilig versprechen!

MANSUR - Karma

Das nächste logische Review nach den beiden neuesten Reissues von The Mount Fuji Doomjazz Corporation und The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble ist natürlich der Blick darauf, was einer der treibenden Köpfe dahinter, Jason Köhnen, heute so macht.

Mansur überzeugten ein paar Monate vor dieser Debüt-LP ja bereits mit der EP "Temple". Womit wir auch schon bei meinem persönlichen Dilemma mit dieser Rezension sind. Da die konzeptionelle Prämisse stabil bleibt, habe ich eigentlich gar keine andere Wahl, als vieles von dem, was ich letztes Jahr schon schrieb zu wiederholen.

MANSUR - Karma (clear vinyl LP) (2020)

Wie schon auf der EP besteht das Trio aus Sängerin Martina Horváth, Ex-Phurpa-Mitglied Dimitry El Demerdashi an der Oud (orientalische Kurzhalslaute) und Jason Köhnen an beinahe allem anderen, also Percussions, Flöten, Keyboards, Samples und wer weiß, was noch alles... Dazu gesellen sich in den zehn durchschnittlich etwa viereinhalb Minuten kurzen Stücken hier und da noch Gastmusiker an Kontrabass und Violine.

In Köhnens Diskographie verortet sich der Sound von Mansur am ehesten auf halber Strecke zwischen dem frühen Kilimanjaro Darkjazz Ensemble, welches auf "Here Be Dragons" ähnlich nahtlos Zeitlosigkeit und Moderne verband, und den noch stärkeren Arabismen und Mystizismen des direkten Vorgängerprojektes The Thing With Five Eyes.

Insgesamt setzt sich hier der Trend weg von westlichen (Doom)-Jazz- und Klassikeinflüssen, hin zur immer weiteren weltmusikalisch folkloristischen Öffnung fort. Horvárths und El Demerdashis Anteile treffen sich für mich dabei zwischen The Moon And The Nightspirit, Dead Can Dance und Saba Alizadeh. Und mit jedem Vergleich, der mir in den Sinn kommt, fühle ich mich hier ein bisschen wie ein Frevler, der versucht, das magische Moment dieser Musik fort zu analysieren. Zum Glück bin ich zu doof, um das zu schaffen.

Köhnen war ja schon auf mehreren Alben sehr erfolgreich darin, ein menschheits- und weltumspannendes Bild zu malen, und so ist auch Mansurs "Karma" eine Geistesreise um die Welt, bei der man immer glaubt, über mehreren Orten auf gegenüberliegenden Seiten des Globus gleichzeitig zu schweben.

Diese Musik ist fremd und entrückt und gleichzeitig zutiefst vertraut.
Und auch wenn "Karma" bis auf den Ausnahmetrack "Logos" klanglich vordergründig erst einmal wenig mit den dröhnenden Kehlkopfgesängen von Phurpa zu tun hat, so scheint mir hier doch die Gemeinsamkeit einer wilden prähistorischen Urkraft gegeben, eines alle Kulturen verbindenden, auch durch die elektronischen Elemente nicht wegmodernisierten, schamanistischen Elements, welches der Musik eine substanzielle Tiefe verleiht, welche direkt jenen Teil des vererbten Unterbewusstseins triggert, der nach der höheren Bedeutung des Seins fragt.

Die Frage bleibt natürlich wichtiger als die Existenz einer Antwort. Ob hier tatsächlich wissentlich Sinn verbreitet wird, oder ob einfach nur fantastische Schauwerte betörend zusammengefügt wurden, spielt angesichts des - zu den Maximalzielen, die Musik anstreben kann zählenden - Resultats letztendlich nämlich gar keine Rolle.

Denn ein Meisterstück haben Mansur hier in jedem Fall kreiert.

Auf transparentem Vinyl (auch in schwarz und auf CD erhältlich) präsentiert Denovali die Scheibe nicht sensationell, aber gewohnt - und angemessen - schick.

Gesamturteil: ein Traum!

Die Videos von Mansur bleiben auch mit dem Album sehr sehenswert:

THE MOUNT FUJI DOOMJAZZ CORPORATION - Anthropomorphic / THE KILIMANJARO DARKJAZZ ENSEMBLE - Here Be Dragons

Und hiermit geht Denovalis Vinyl-Wiederveröffentlichungsreihe der Alben von The Kilimanjaro Darkjazz Ensemble und dessen improvisatorischeren Alias The Mount Fuji Doomjazz Corporation in die nächste Runde!

Wie immer gilt dabei, dass es sich um Doppelalben auf farbigem Vinyl handelt, an dem es optisch, haptisch, klanglich nichts zu Meckern gibt. Alle Alben sind ebenso auf CD erhältlich.

THE MOUNT FUJI DOOMJAZZ CORPORATION - Anthropomorphic (Clear Yellow vinyl 2LP) (2011/2020)

"Anthropomorphic" sticht nur durch sein knallgelbes Cover aus der Diskographie der Doomjazz Corporation heraus, sondern unterscheidet sich auch in einem anderen Punkt von "Succubus", "Doomjazz Future Corpses", "Egor" und "Roadburn", die ja alle in einer Liveshow mitgeschnitten wurden.

Dieses Album wurde hingegen auf drei verschiedenen Konzerten in den Niederlanden, Polen und Russland von unterschiedlichen Bandbesetzungen aufgenommen - was man allerdings ohne Vorwissen gar nicht merken würde. Auch wenn die vier LP-Seiten als "Space", "Dimension", "Form" und "Function" betitelt sind, morphen die drei Teile zu einem großen einstündigen Stück zusammen, so wie es in der rein digitalen Bandcamp-Version ja auch präsentiert wird.

Der erste, bei weitem längste Teil, der bis tief in die zweite Seite hineinragt, wird nur von Hilary Jeffery an der effektgetränkten Posaune und Eelco Bosman an der selten konkret fassbaren, dröhnenden Gitarre bestritten.
Im zweiten Teil übernimmt Jason Köhnen das Gitarrenfundament, welches sich mit den Elektrogeräuschen Gideon Kiers' vermengt, über das Sarah Anderson an der Geige und Nina Hitz am Cello ihre Bilder malen.
Bis auf das Cello kommen im dritten Teil dann alle Instrumente zusammen und werden durch sparsame, aber umso effektivere Einsätze von Drums (Ron Goris) und mystischem Gesang (Charlotte Cegarra) komplettiert.

Melodien schälen sich nur selten heraus. Wer erwartet, dass dies irgendwann zu einem "richtigen" Song wird, der ist hier verkehrt. Nein, "Anthropomorphic" hat noch nicht einmal einen Schluss, sondern fadet auf dem Tonträger aus, kann im Kopf aber noch eine Ewigkeit weiterlaufen.
Alles hier ist Textur und Atmosphäre, bis zur Unendlichkeit verlangsamter Free Jazz. Und da dies auf meisterhaftem Niveau geschieht, muss es auch gar nicht mehr sein. Gerade die relativ reduzierte Besetzung der Corporation für drei Viertel der Albumspielzeit, übt hier einen besonderen Reiz auf mich aus.

Grafisch - und dann noch mit den gelb transparenten Schallplatten - ist das Ding natürlich auch ein Traum. Das ist ganz großes Design.

THE KILIMANJARO DARKJAZZ ENSEMBLE - Here Be Dragons (Swamp Green vinyl 2LP) (2009/2020)

Was die Vinylfarbe angeht, ist die neue Pressung des zweiten Darkjazz Ensemble-Albums "Here Be Dragons" ganz klar subtiler, kann man ohne Gegenlicht doch glatt übersehen, dass es sich überhaupt um grün statt schwarz handelt.

Das passt auch zum musikalischen Inhalt, der wesentlich tiefer und facettenreicher ist, als ein das oberflächliche Anspielen eines beliebigen seiner neun Tracks vermitteln würde.

Was das Kilimanjaro Darkjazz Ensemble macht, ist schon stets nachvollziehbarer strukturiert als die Slow-Motion-Eskapaden der Doomjazz Corporation, wer also eher auf übersichtliche Songs, teilweise sogar mit samtweich gesäuselten Gesangsstrophen (Ich fühle mich oft ans Kaiti Kink Ensemble erinnert.) steht, der legt diese Alben sicher eher auf.

Und auf "Here Be Dragons" ist die Idee der Band wohl am dichtesten realisiert.
Unmengen cineastischer Bilder beschwörender Jazz, der einem durch das getragene Tempo sehr viel Zeit gibt, all seine sehnsuchtsvollen Streicher-, Posaunen-, Klaviereinsätze zu genießen.

Da die Rhythmen komplett von Elektroinstallateur Gideon Kiers gesampelt / programmiert sind, verschiebt sich allein hierdurch schon der stilistische Rahmen hier und dort weg vom tatsächlichen Jazz zu Dub, fast schon Trip-Hop und Post Rock, ehe im finalen "The MacGuffin" alles zerfasert und sich in Ambient und Noise auflöst.

Atmosphärisch bleiben Köhnen, Cegarra und Co. dabei allerdings immer sehr koherent und entlassen einen für keinen Moment aus der spannungsgeladenen Szenerie ihres imaginären Films.
Neben dem Corporation-Album "Succubus" scheint mir "There Be Dragons" so das am klarsten das Genre Doomjazz definierendste Werk des Ensembles zu sein.

Essentiell.

BANDCAMP DAY Februar 2021 mit CHELSEA WOLFE feat. EMMA RUTH RUNDLE, RYLEY WALKER and KIKAGAKU MOYO und BURNPILOT

Auweia, ich horte und ordere im Moment doch schon wieder viel mehr Musik, als ich überhaupt angemessen konsumieren kann! Und dann kommt auch noch der Bandcamp Friday aus dem Winterurlaub zurück. Für die nächsten Monate gilt also wieder, dass jeweils am ersten Freitag Bandcamp auf Gebühren verzichtet und hundert Prozent der Einnahmen an die Künstler/Labels gehen.

Da ich wie gesagt erstmal wieder mit dem Hören hinterher kommen muss, habe ich mich einigermaßen zurückgehalten und ein paar interessante Veröffentlichungen zunächst nur vorgemerkt.

Diese drei waren allerdings zwingend fällig: 

CHELSEA WOLFE feat. EMMA RUTH RUNDLE - Anhedonia (download) (2021)

Bereits vor einer Woche erschienen, ist dieser gemeinsame Song der beiden Sargent House-Gewächse Chelsea Wolfe und Emma Ruth Rundle natürlich für jeden Fan ein absoluter No-Brainer. Mit beiden Künstlerinnen an Gesang und Gitarre, und von Ben Chisholm mit reichlich Synthieatmosphäre unterlegt, ist "Anhedonia" eine auch textlich sehr bewegende Düsterballade, die viele Hörer unweigerlich nach einem gemeinsamen Album schreien lässt.
Ich persönlich finde nicht, dass man diese Magie überstrapazieren sollte. Doch ein physischer Labelsampler, der verschiedene einzeln veröffentlichte Solosongs und Kollaborationen (natürlich inklusive Namen wie Lingua Ignota, Brutus, Dylan Carlson, Jaye Jayle, Mutoid Man) zusammenstellt, wäre schon eine Idee, oder?

RYLEY WALKER and KIKAGAKU MOYO - Deep Fried Grandeur (download) (2021)

Der Singer/Songwriter Ryley Walker war mir bisher nicht bekannt, und allzu viel wird mich dieses Album über seinen regulären Sound sicherlich auch nicht lehren, handelt es sich doch um die Liveaufnahme eines Konzerts vom Le Guess Who? Festival 2018, für das ihn die Veranstalter gebeten haben, mit einer anderen Band des Billings zu kooperieren. Zur Freude aller Freunde erstklassiger Psychedlic-Rock-Improvisation hat er dafür die Japaner Kikagaku Moyo ausgewählt.
Ähnlich wie deren Jam mit Earthless, den ich 2018 auf dem Roadburn Festival bezeugen durfte, ist das, was die insgesamt neun Musiker hier vom Stapel lassen, Garant für offene Münder und entrückte Glückseligkeit. Allerfeinster weltmusikalisch angehauchter Jam auf einem Niveau, das ähnlich noch von Größen wie Brian Ellis oder Causa Sui rausgehauen werden dürfte. Wem das auf Schallplatte erschwinglich über den Weg läuft, der sollte auf jeden Fall zugreifen!

BURNPILOT - Infinitism (black/white vinyl) (2020)

Dieses aktuelle Album des Pink Tank Records-Trios aus der Stadt, die es nicht gibt, kam bereits letztes Jahr im April raus, ging damals allerdings wie so vieles komplett an mir vorbei. Zum Glück konnte ich mit nun aber immer noch eines der letzten Exemplare der schwarz/weiß geteilten Schallplattenversion sichern.
Beide Seiten bestehen jeweils aus einer langen, überwiegend instrumentalen Krautrockachterbahnfahrt, was mit der traditionellen Selbstbeschreibung als "Psychedelic Punk" nur noch punktuell rudimentär zu tun hat, was mir aber gar nichts ausmacht, da diese abenteuerlich ausschweifende, hier tanzbar auf der Bassdrum umpffumpffende, dort ruhelos voranpreschend rockende und anderswo elektronisch wabernde Version der Band ja auch schon live 2018 mein Lieblingspilot gewesen ist. "Infinitism" ist in Nachbarschaft von Alben wie Slifts "Ummon" und "\ /" von den Labelkollegen Camel Driver nun auf jeden Fall auch einer meiner Psych-Lieblinglinge 2020.  

EDIT 19.02.: Die LP ist zwischenzeitlich angekommen. Ist schwer, klingt gut und sieht schön schwarzweiß aus.

It's February. Obviously. (But what does it mean for this blog?)

 

In previous years this picture would have looked different, because I made it a Christmas tradition to gift myself a calendar with prints of concert photographs I had taken with my Harinezumi camera during the year.
This time there was of course a painful lack of material to do that, so I just bought an empty calendar on which I tape some old stuff at the beginning of each month. Which is nice too, since it gives some old prints a purpose for a couple of weeks.

But yeah, it's now one year since I was able to write about a live show on this blog. Which is not only sad for the fact that I fucking need live music in my life, but also because those live reviews have kind of become the soul of this whole blog operation.
Of course they never made the majority of entries here, but without them my motivation - or let's better say my creative inspiration - to write about music in general is... not really declining, but surely wavering to some degree.

Partially it may also be an attention matter. Not that I generally have a big problem with writing mostly for myself and a rather small crowd (I wouldn't randomly switch between english and german or just change the blog title as often as I do if I had), but it is nice to get some traction here and there. And that mainly happens through artists who actively share my writings on facebook (like Laibach as a prime example) and live reviews plus the occasional other lucky link.

Some photographic topics also have that potential to attract viewers, but I've been getting more and more behind in scanning, editing and publishing my pictures, and I don't see that changing in the near future. Especially for the editing part I just rarely find the nerves these days, even though I mostly just clean up scratches and lint from the negatives.

I didn't even bother to compilate my photographic highlights of 2020 here. I have still shot stuff (both released and unreleased) which I'm pretty happy with, but there are just too many distractions and changes outside of my hobbies right now, and ultimately I have to draw some lines where I admit that just don't have enough time and energy left at the moment.

One of said changes is that I'm transitioning into a new full-time job outside of my home right now. I know, that's not the most exemplary move during a pandemic, but it's just impossible to learn new tasks and processes from the reclusive comfort of your home office. It's a relatively safe environment, the occasional covid-19 test inclusive, though. That test isn't as bad as I imagined it to be, but boy, I'm still very much in for the vaccine, so please bring it!

And while there are of course significants ups about my new occupation (why else would I've taken it?), there are of course a couple of downsides, which might affect the form and/or frequency of this blog. Less opportunity to listen to music is undoubtly a major one, but also the luxury of just writing or proof-reading a couple of lines during lunch break will surely be missed.

So if there'll be significantly less post here in the future, you have an idea why that's the case. But maybe there won't even be such a drastic difference. I honestly don't know. Let's just see how things go...


What I know for sure though is that it's only around ten hours until the next Bandcamp Friday.

So what are you waiting for? Get this one!

Or this!




Or this!





It's all pay what you want, so where's the harm? Come on! :)

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD - K.G.

Klar, King Gizzard & The Lizard Wizard sind eigentlich auch immer ein Kandidat für mehrere Rezensionen in einem Post. Denn während ich dies hier tippe, sind auf YouTube bereits erste Videos zum nächsten Album zu sehen. Mal ganz abgesehen von den fünf (oder sechs? oder drölf?) Live-, Demo- und Frühphasenveröffentlichungen, welche die Band jüngst zur Veröffentlichung durch jedes Label, das Bock darauf hat, freigegeben hat... Puh, ich kann und will da nicht mehr zwingend mitkommen, deswegen bleibt es hier zunächst bei einer LP.

Um dieses "normale" Studioalbum führt allerdings für den Fan von "Flying Microtonal Banana" kein Weg vorbei. Jene Anfang 2017 erschienene, nach der eigens dafür gebauten Custom-Gitarre benannte Scheibe trug ja den Untertitel "Explorations Into Microtonal Tuning Vol. 1". Doch auch wenn es auf nachfolgenden Alben hier und da weitere Songs gab, die sich arabischer Mikrotonalität verschrieben hatten, ließ der zweite sich komplett diesem Konzept widmende Teil auf sich warten. Bis jetzt!

KING GIZZARD & THE LIZARD WIZARD - K.G. (recycled black wax LP) (2020)

Der sehr nahöstlich klingende instrumentale Opener "K.G.L.W." scheint sofort klar zu machen, was hier Sache ist und bereitet einen perfekt auf ein "Microtonal Banana", Teil 2 vor.

Doch natürlich kommt bei den Australiern immer alles etwas anders als erwartet. "K.G." geht die Idee der Mikrotonalität nämlich insgesamt sehr viel subtiler und vor allem mit weniger nervenaufreibendem Getröte und Wiederholungen an. Im Gesamteindruck scheint das Album vielmehr in der Tradition der leichter zugänglichen Hitschleuder "Gumboot Soup" zu stehen.

Zwar sind auch unausweichliche Arabismen eingewoben, doch spielen sie eine eher untergeordnete Rolle. Und auch die Rhythmen, so anspruchsvoll sie auch klingen, sind viel häufiger im klassischen Viervierteltakt gehalten als man es sowohl in arabischer Musik als auch gerade bei dieser notorisch schräg zählenden Band erwartet.
In erster Linie wollten King Gizzard & The Lizard Wizard hier anscheinend einen bunten Strauß starker Songs präsentieren, bei denen das besondere Tuning einfach eines von vielen Werkzeugen darstellt.

Das Instrumentarium ist entsprechend breit aufgestellt und umfasst neben Bass, Gitarre und Drums ein ganzes Arsenal an Tasten-, Blas- und Streichinstrumenten und vor allem jede Menge Perkussion.

Und stilistisch ist das Ganze natürlich schwieriger einsortierbar denn je. Psychedelic Rock, klar. Aber auch zuckersüß balladiges, fast schon jazzfusionistisches, Stonerrock oder das Robotertanzbein schwingende türkische Disco. Was auch sonst?

(Nein, den das letzte Werk dominierenden Thrash Metal gibt es diesmal nicht um die Ohren geknallt.)

Vor allem die elektronischen und sanften Töne setzen Highlights, doch Ausfälle gibt es auf diesem super kurzweiligen Album eh keine. Aufregender, beeindruckender und hochgradig leichtfüßig unterhaltsamer Stoff mit lyrischem Witz, aber auch Tiefgang.

"K.G." ist ein Album, wie es nur eine Band auf diesem Planeten machen kann - und sicherlich eines der ausgefeilsten und besten in der ständig wie ein im Zeitraffer expandierendes eigenes Universum wachsenden Gizzard-Diskographie.

Gepresst auf recyceltem Vinyl - was wohl in der farbigen Variante durch die Zufallsauswahl noch etwas spannender ist - und in Papier statt Plastik verpackt, drückt der Tonträger die ja auch textlich immer wieder deutlich artikulierte umweltbewusste Haltung der Australier aus und ist dabei durchaus ein Hinkucker im Regal.

Hin- und zum Teil auch fast schon wieder Wegkucker (haha) sind auf jeden Fall auch immer die Videos dieser verrückten Truppe. Also: Alles anschauen und spätestens dann dieses Album zulegen!

Kam halt zu spät zu mir, hätte jedoch ganz klar in meine Lieblingsalben 2020 gehört!

AUTOPSY and VOIVOD live albums - Live in Chicago / The Lost Machine

 

I may be late to this game, but of course I didn't miss that two of my favorite metal bands of all time have released live albums last year. And fuck yeah, these are both rippers!

Both are also available on vinyl, but for budgetary and car compatibilty reasons I went for the CDs this time. And there's no reason not to recommend this format, because even in the smaller version these are still beautifully designed items.

AUTOPSY - Live In Chicago (CD) (2020)

For the gory death metal legends this is a first! Given the fact that they rarely cross the Atlantic and I've never seen them in the flesh, a live audio release (There has been the "Born Undead" DVD in 2012, but how often do you watch a DVD, seriously?) was highly overdue.

And it almost didn't happen, because... come on,  you know why. In fact Autopsy had planned a lot of shows in North America, from which they planned to use the best bits for this album, but ultimately they only got to play this one and only show.

Luckily the band as well as the enthusiastic audience made it a no-brainer to go with this recording. The setlist features both the old and the comeback albums, but has a very heavy overbalance towards songs from the 1989 debut "Severed Survival" - obviously in celebration of its 30th anniversary not too long before. Yet with short and sweet "Maggots In The Mirror" there's also a previously unreleased new track on the menu.

You can really feel that gurgler/drummer Chris Reifert and company are having a shitfun time here. The performance is spot-on - those Cutler/Coralles double leads are the finest in all of death metal -, but still wild as fuck and sick as petting the worms on a rotting rat in your kitchen sink.

Autopsy have always been and still are the ultimate definition of how to do happily stomach turning old school death metal for me. You need proof? Try "Live In Chicago"! 

VOIVOD - Lost Machine - Live (CD) (2020)

With Voivod the need for a live album wasn't nearly as urgent, because there already have been official releases like "Warriors Of Ice" and "Live at Roadburn" (both 2011) or the six  2018 tracks from the "The Wake" Deluxe Edition. And even more important the last decade - with the obvious exception of 2020 - was very kind to us European Voivodians, so I've got to see them almost regularily, even though I didn't even attend every tour.

With that in mind the release seemed like a not really essential luxury to me at first. But then there's the sheer quality of this!
Similar to Autopsy the Canadian sci-fi prog whatever thrashers had planned to compile various shows to a live album. And because this went down in 2019, no shows had to be canceled yet. But in this case their hometown performance in Quebec City was just so perfect that they used it as a whole. The band has an amazing energy and the clear and powerful production is without a doubt the best of any Voivod live recording yet.

Half of the setlist consists of recent stuff from "The Wake" and "Post Society", which has absolutely no problem to stand against the older classics like "Overreaction" or "Psychic Vacuum". As special nuggets this includes the "Nothingface" gem "Into My Hybercube" and of course "The Lost Machine" from "The Outer Limits". And even though I personally could enjoy just one Voivod concert without "Astronomy Domine" and "Voivod", I must admit that as the culmination of this insanely good record and with a lot of audience participation, those mandatory tracks still slay big time.

To be present at this event must have been en a par with the murderous show at the Logo in Hamburg 2018. And this release pairs up perfectly with the "The End Of Dormancy" EP, which contains two live performances (including one special jazz festival brass arrangement) of the other important 2019 Voivod concert in Quebec.

So even though SnakeChewyRockyAway still have to stay at home like the rest of us, they surely gave us some awesome reminders of why we can't wait for the time when live shows will finally be possible again.

DRUTURUM - Druturum VII: enigmAoFrelativitY

"Geil. Das Anhören dauert länger als das Spielen."

(mein Bruder beim ersten Hören von "Druturum VII")

Ja, das erste Album im Jahr 2021 erschienene Album, über das ich hier schreibe, ist tatsächlich nur wenige Wochen nach "Druturum VI: Tightrope Walkers on the Junction of Memory, Dream and Oblivion" eine neue - wie immer rein digitale - Veröffentlichung meines eigenen Projekts DruturuM!

Der Kompositionsaufwand war diesmal ähm... leicht geringer als sonst. Wir haben Montag Abend einfach eine Stunde lang improvisiert, woraus ich dann nachher sechs Tracks extrahiert habe. Und für "druturum VII-IV" habe ich Dienstag noch ein paar Minuten zusätzliches Bildmaterial für die Videoversion gedreht.)

Das Setup bestand aus einem Tisch, einer Bassdrum, Glockenspiel, Klangschalen, WahWah-Tube und Glöckchen. Nein, das ist definitiv kein Metal, besitzt aber seinen eigenen speziellen Charme, hat atmosphärische Passagen und überraschende Action, sowie hör- und sichtbaren Spaß zu bieten.

Ob "Druturum VIII" noch reduzierter und improvisierter ausfallen oder aus noch mehr Tracks bestehen wird? Das wissen wir noch nicht. Aber da Konzerte ja noch längere Zeit illusorisch bleiben dürften, ist bühnenuntauglichst experimentellen Eskapaden natürlich Tür und Tor geöffnet. Ich mache ich hier allerdings keine Versprechungen bzw. Androhungen. ;)


Alle sechs Tracks von "Druturum VII: enigmAoFrelativitY" kannst Du dir hier auf YouTube anschauen:




Und wie immer gibt's das Ganze natürlich auch auf Bandcamp zum Streamen und Downloaden:

OVERLORD MAN JESU ! (4 album reviews)

Well, I still got a couple of 2020 releases I want to review. So here's the first bunch of those:

PHARAOH OVERLORD - 6 (snakebite yellow vinyl) (2020)

As the title suggests this band from Finland already has several albums under its belly. It's in fact even a couple more than five releases since the year 2020. Shame on me that they weren't on my radar until now!
Of course I cannot dive into their whole discography now, but just peeking here and there it's obvious that their sound went through many transformations, beginning with a mixture of stoner, space and psychedelic rock / metal.

"6" is something totally different though. While all of the album's five tracks contain metal guitars, the sound is dominated by Moog synthesizers and groovy electronic midtempo beats. In its core this highly danceable synthwave. And also very sinister! That's not only because of some spooky sounds and melodies in the instrumentals, but due to the extremely upfront growl vocals, which immediately felt familiar on first hearing. Yet only when I received the LP I realized that the guttural organ belongs to none other than Isis' / Sumac's Aaron Turner.

Super sick shit. Party music somewhere between Carpenter Brut, "Spectre" Laibach and pure joyful evil.

OLD MAN GLOOM - Seminar VIII: Light of Meaning (LP) (2020) / Seminar IX: Darkness of Being (LP) (2020)

Speaking of Aaron Turner, the man's also active in a certain little group called Old Man Gloom which released not one, but two albums last year, thankfully (and unlike the infamous "The Ape of God") not bearing the identical title.

But even though these are two seperate releases I find it hard not to view them as one double album, because they complement each other way too good. Both are obviously dealing with themes of death and love under the influence of the passing of former friend and band member Caleb Scofield, who still as writing credits on the music of several tracks. His successor is the always busy Stephen Brodsky, who was also Scofield's partner in his other band Cave In.

Old Man Gloom's ultra heavy post hardcore sludge doom... or whatever you fancy to call it is quite a special blend. It's abrasiveness and the couple of minutes of pure noise sprinkled here and there over both albums make sure that many casual listeners will soon flee for their life and probably miss that beyond the brutal repetitive nature reminiscent of Neurosis and Swans both works actually have a very honest beautiful soul, which even shows glimpses of itself in the music and lyricism of songs like "Calling You Home", "Death Rhymes" or "Love Is Bravery".

"You are agrain of sand
You are a drop of rain

A particle of light

And you can never end

You are a grain of sand

You are a drop of rain

So insignificant

And also everything"

What an epitaph!

Even though most songs are built around simple ideas and the prevalence of thick heaviness is almost constantly pummeling you into the ground, listening to both albums is a remarkably diverse journey, not only due to rotation between Turner, Brodsky and Nate Newton as lead vocalists, but also because of the sheer chops, creativity and intensity everyone brings to the table.

I won't tell you which of these seminars is better, because frankly I could never decide. Just get them both, they rule. 

JESU - Terminus (LP) (2020)

With the return of Godflesh and many other projects going on anyway it has been a while since Justin K. Broadrick graced us with a full length release of Jesu. "Every Day I Get Closer To The Light From Which I Came" came out way back in 2013.

Just like said album this new one is not one of Broadrick's most brutal or heavy works (Godflesh and JK Flesh have that aspect covered I guess), but mostly consists of slow and atmospheric shoegaze, which shows some affinity to doom and post rock, but also allows itself to bathe in dream pop sweetness.

While all eight songs are filled with longing and melancholy, they sound distinct enough from each other to keep the album interesting, which some being focussed on the slightly disharmonic guitar, while others are mostly dominated by electronic sounds. As always almost all instruments were played and programmed by Broadrick, except for the drums on a couple of tracks that demanded a more naturalistic feel and were performed by long-time collaborator Ted Parsons.

Especially with the title track and "Sleeping In" I maybe love the first half of "Terminus" a little bit more, but the songwriting and feeling is excellent throughout the whole album.

The most difficult track to get used to is the effect-laden "Consciousness", which is closest to the extreme experimentalism of the "Never" EP which was also released last year. But other than that EP which I skipped, because I just  couldn't get into it so far, I really dig this track. And it's followed up by even stronger material (what a majestic build-up in "Don't Wake Me Up" - and that sweet-sour final instrumental "Give Up"...), so my overall rating of the whole record should be no surprise:

"Terminus" clearly belongs to those Jesu releases I absolutely adore and is my favorite Jesu album since "Inifinity". (The cover artwork is even more minimalistic now than back in 2009.)

Praise the overlord!

OUR OCEANS - While Time Disappears

Full disclosure: I may have delayed  writing his review a bit longer than necessary, because had I done it earlier, there would have been less excuse for having left this album out of my favourite albums of 2020 post. Yeah, I know what you're saying: why not just include it there? Well, it either just very slightly didn't make the cut - or there was no fitting category to put it into.

But that's all yesterday's concern now anyway. I'd probably evaluate my favorites different in a couple of months, so you shouldn't take them too serious either. Generally just check out everything I'm recommending, no matter if it gets an extra list treatment or not, right?

OUR OCEANS - While Time Disappears (LP) (2020)

Five years after their self-titled debut here comes the sophomore album of Our Oceans, the Dutch former quartet / now trio featuring members of the ex-instrumental-jazz/metal fusion band Exivious, who of course also received acclaim as post reunion members of Cynic.

Speaking of the latter, 2020 has been an especially sad year for Cynic fans, since it began with the passing of drum legend Sean Reinert and ended with the death of  original bassist Sean Malone. "While Time Disappears" is dedicated to Reinert, while Malone is of course naturally honoured in a way, because I can hardly imagine any bass player being influenced stronger by his unique style than Our Oceans' Robin Zielhorst, who played Malone's original lines as his Cynic successor for years.

Yet while there's no denying that Cynic will always be an integral part of their DNA Our Oceans has formed a very distinct identy beyond it. On the debut their style could shortly be described as emotional singer/songwriter compositions with a musical backbone of post rock with prog and ambient influences. While the playfulness was definitely still there in the execution, in the arrangements a lot of the jazz fusion and prog metal complexity sported by Exivious was cut back in favor of the greater focus on vocals and lyrics, and thus an overall easier accessibility.

In all of these regards "While Time Disappears" is a bit different. And I would attribute most of the changes to Tymon Kruidinier's grown confidence in his singing abilities and the charisma of his performance. This feels a lot like ok, I got this, this will still work if we dial shit up.
As a result this album is a lot heavier and edgier, while at the same time a lot of the instrumental Exivious craze is allowed to flow back into the music. Of course there's also time for the occasional all-around awesome guitar solo.

And while the vocals take a step back when they need to, their importance is still never overpowered. And honestly, how could they be? Tymon's performance is so emotionally upfront and in your face that you just cannot escape it - even if you want to. And I'm sure that his high mars volta-style wailings and the occasional desperately primal screams are not everybody's cup of tea.

No, what he does here is definitely less plain beautiful and at times a lot more demanding for the listener. This whole album feels like a man going through all the motions and the music following them consequently through all extremes.
For sure it's no coincidence that this album has been released by Long Branch Records, the same label which is home to The Hirsch Effekt, who often just use another toolbox of influences to connect honest feelings with complex musical ideas.

However the central takeway while listening to Our Oceans is always the great songwriting which very fluidly takes you through a great musical spectrum.
I especially like how by the end of A side this album makes you think that you know the band's range by now, but then in the second half they just keep proving that you knew nothing with each track, be it the stylistically outstanding hypnotic "Your Night, My Dawn", the almost too uncomfortably honest "You Take" or the extra smooth fusion finale of "With Hands Torn Open".

But ultimately each and every one of the nine songs is worth being singled out. This goes right in the feels, yet also tickles the brain. Just extra-ordinarily well crafted stuff.