SENYAWA - Alkisah (CN Version)

Dass das neue, dezentral auf zahlreichen unterschiedlichen Labels erschiene Album des indonesischen Duos Senyawa ein Knaller und bisher - nach wie vor - eines meiner absoluten Lieblingssalben des Jahres ist, habe ich ja schon zuvor in einer Rezension beschrieben.

Nur die Gestaltung der Vinylvariante von Les Albums Claus, welche nicht einmal ein Tracklisting beinhaltete, fand ich persönlich doch etwas sparsam.

Da konnte ich einfach unmöglich nein sagen, als ich die sehr viel opulentere Veröffentlichung des französisch-chinesischen Labels WV Sorcerer sah. Zwar habe ich leider gerade zwischen zwei sehr schönen (und natürlich noch viel limitierteren) Farbvinylpressungen bestellt, doch auch das schlicht schöne Schwarze hat es in sich, angefangen vom ansprechenden Coverartwork + Obi-Streifen...

SENYAWA - Alkisah (CN Version / LP+CD) (2021)

Nein, fetter lässt sich dieses tolle Album in dieser noch vertretbaren Preisklasse wohl nicht präsentieren: Gatefoldcover mit vollständigen Credits und Songtexten - man will ja auch mal ein wenig Indonesisch aufschnappen, dazu als Beigaben ein Poster und ein Umschlag mit einem Dutzend hochwertig bedruckten, matten Fotokarten rund um die Entstehung von "Alkisah". Für mich eines der geschmackvollsten Extrabeigaben, die ich bisher in Händen halten durfte.

Doch für den Hörer in mir ist natürlich die LP an sich wichtiger. Und hier gibt es zum Glück keinen Abzug.
Auch die Pressqualität kann mehr als die belgische Claus-Version, welche somit ab sofort auf Discogs den Daumen zum Trampen nach Irgendwo raushält.

Last, but auf keinen Fall least, ist auch noch eine Bonus-CD mit Remixen diverser Künstler aus Hong Kong und dem Rest Chinas dabei, welche zeigt, dass der rhythmische, schamanistische, dröhnende Charakter von Senyawas Musik sich extrem zur kreativen Fremdbearbeitung eignet.
Dann ob tanzbar, experimentell, einfach nur lärmend, was diese neun Extrastücke aufbieten, weiß mich durchweg zu überzeugen. Und ich bin wahrlich nicht der größte Superfan des Konzepts "Remix" an sich auf diesem Planeten.

Gesamturteil: Aaaaalter!

Ich kann mir kaum vorstellen, dass es noch eine Version von "Alkisah" gibt, die dieses absolut würdige, auf dreihundert handnummerierte Exemplare begrenzte Paket schlagen kann. Jetzt mal abgesehen von den erwähnten, eng verwandet Farbvarianten natürlich.

Nein, das Ding wird definitiv so schnell nicht ausgetauscht. Ein Traum.

ANARKHON - Phantasmagorical Personification Of The Death Temple

Okkulter lovecraftscher Old-School-Death Metal?

Ok, da ich momentan neben diversen Extremlärmspielarten eh recht viel Schwarz- und Todesgeballer höre, leihe ich dem Download, den mir Debemur Mortis Productions zu meiner Bestellung (u.a. neueste Vinylauflage des letztjährigen Ulcerate-Hammers "Stare Into Death And Be Still") beigelegt haben, doch gerne ein Ohr!

Und ja, dieses Album, welches ebenfalls sein Genre im Titel trägt, macht alles richtig!

ANARKHON - Phantasmagorical Personification Of The Death Temple (2021)

Wer die ersten Werke von Sepultura kennt, der weiß, dass gruftig verwaschener Sumpfhall zu den brasilianischen Extremmetal-Urtraditionen gehört. Und wo, außer vielleicht im Funeral Doom,  kommt ist so ein aus der Tiefsee zu gurgeln scheinender Gesangssound besser zur Geltung als in einem fett, aber dennoch natürlich roh produzierten Weltuntergangsdeathmetalinferno?

Ganz so apokalyptisch und technisch herausragend wie bei den deutschen Lovecraftianern Sulphur Aeon geht es hier zwar nicht zu, doch das heißt natürlich nicht allzu viel, außer in erster Linie, dass der Anteil an gradlinig stumpfscheppernden Frühneunzigerdeathmetalriffs, die zwischen den Blastattacken und frickeligeren Parts durch die atmosphärisch erstaunlich dichte Suppe bollern, hier im Vergleich deutlich höher ist.

Und das ist auch gut so. Mit "Phantasmagorical Personification Of The Death Temple" haben Anarkhon nämlich eine verdammt abgründige, todespartytaugliche Dampfwalze des Bösen aus der Unterwelt auf uns losgelassen.

Von meiner musikalischen Sozialisation her, ist das Ding hier im Prinzip nostalgisch machendes Komfortzonenfutter, doch es stecken genügend über reine Garstigkeit hinausgehende Kreativtät und Abenteuerlust in diesem Album, um es auch im jetzigen Jahrzehnt relevant zu machen, vor allem als Gegenpol zum klinisch keimfreien Teil der permanenten Veröffentlichungsflut.

DER BLUTHARSCH AND THE INFINITE CHURCH OF THE LEADING HAND - Rejoice

Ein neues Blutharsch-Album war in der Post, und ich hatte mir sogleich zwei Vorsätze für die Rezension gemacht:

1. keine flachwitzigen Wortspiele mit dem überlangen Bandnamen
2. das Ding schnell und spontan nach ein paar Durchläufen von der Leber schreiben


Punkt 1 kann noch was werden, aber an Punkt 2 bin ich gnadenlos gescheitert: Hier keine Zeit, da gerade keine Lust, dort was anderes vorgeschoben. Zwischendurch hatte ich im Grunde schon den halben Text im Kopf, doch dann auch wieder irgendwann vergessen.

Die gute Nachricht ist aber, dass ich "Rejoice" nun schon viel häufiger gehört habe als erwartet. Und ich leide noch nicht an Ermüdungserscheinungen.

DER BLUTHARSCH AND THE INFINITE CHURCH OF THE LEADING HAND - Rejoice (CD) (2021)

Dabei geben sich Tastenmann Albin Julius, Sängerin Marthynna und der Rest der unendlichen Kirchenbande durchaus Mühe, einen zu zermürben, bestehen die meisten der sechs Tracks noch vor allem aus Spannungsaufbau, aus dem Warten darauf, dass endlich irgendeine Form von Auf- und Erlösung kommt.
Doch stattdessen hören die Stücke irgendwann einen in der Luft hängen lassend auf und das Spiel beginnt mit der nächsten Nummer erneut.

Dabei bedienen sich DBATICOTLH durchaus in jedem neuen Anlauf einer anderen Klangfarbe ihres über die Jahre aufgebauten Repertoires.
Der Opener "Coming" (ja, wann kommt es denn? aaargh!) wird von neoklassischen, beinahe marschierenden  Streichersounds dominiert.

"Fear" ist von Toms, dumpf dröhnenden Rhythmus- und jaulenden Leadgitarren getrieber Psych Rock.
"Darkness +" mischt einen behäbig schleppenden Beat der neuen Swans-Generation mit morriconescher Westerngitarre, lynchig entrücktem Flüstern und einem Hauch Flöte. Das Ding könnte ich mir so ähnlich auch von SQÜRL vorstellen.

"Darkness ++" führt das Swans worshipping dann etwas treibender und auch gesanglich fort, ehe im Titeltrack "Rejoice" dann endlich das große Aufatmen angesagt ist.

Ein flotter, gerade durch die ständig über allem herumträllernde Querflöte für Blutharsch-Verhältnisse schon beinahe fröhlicher Krautrockjam, welcher mich rhythmisch an Bowies "Beauty And The Beast" erinnert. Hallelujah! Das Album hat wirklich auf diesen verdienten Moment hingearbeitet.

Danach folgt mit dem Abschluss "Burn" noch der längste Track, der einen Teil der hoffungsvollen Energie von "Rejoice" weiterträgt und mit der bedrohlicheren Ästhetik der Albummitte ringen lässt.
Auch hier wird wieder vor allem Spannung gehortet, bis die Musik irgendwann zerfällt und sich per Sample Satan verschrieben wird.

Das war also das Ziel der ganzen Reise? Ok.


"Rejoice" ist ein schlau aufgebautes Album, dessen Einzelbausteine vor allem dem Ganzen dienen, für sich alleine allerdings auch durchgehend stark sind.

Der Blutharsch And The Infinite Church Of The Leading Hand sind natürlich wie immer irgendwie etwas kauzig und speziell, doch wenn man ihren Sound grundsätzlich mag, dann wird man auf "Rejoice" erstklassig bedient.

Gar kein BANDCAMP DAY diesen Monat?

Doch, klar.

Allerdings habe ich diesmal keine reinen Digitalveröffentlichungen, sondern "nur" vier Tapes abgeerntet, die alle einen langen Überseeweg vor sich haben.

Und da ich mir tendenziell angewöhne, in bestellte Tonträger erst richtig einzutauchen, wenn ich sie in der Hand habe (auch wenn bereits ein Download verfügbar ist), widme ich ihnen hier entsprechend später ein Segment. 

DEAD NEANDERTHALS - Rat Licker

Patience is a virtue.

And boy, I had some patience with Dead Neanderthals!

Bought digital EPs, CDs, cassettes, LPs, even checked out numerous other projects in which Rene Aquarius and/or Otto Kokke were involved, all in the naive belief, that one day the Dutch disaster duo might possibly come around, embrace its inherent talents and finally deliver some decent, listenable music.

And now with this seven inch bearing the romantic title "Rat Licker" that day has finally arrived.

Fans of catchy, poppin', swinging (but still moderately performed - so the children can sleep in the next room) barbershop tunes, rejoice!

DEAD NEANDERTHALS - Rat Licker (7" album) (2021)

Nah, I probably had licked on those rodents too long.

So seriously:

On this album, which is disguised as a single (or is it the other way around?), Dead Neanderthals go back to the roots of their own journey and also to the influental classics of the grind jazz genre.

On twelve tracks with lengths from eleven to one hundred and twenty seconds, just sporting drums and saxophone, they pay loving homage to John Zorn's legendary extreme bands, in which he either let jazz musicians play grindcore (Naked City's "Torture Garden") or the pioneer grind drummer Mick Harris of Napalm Death play jazz (PainKiller's "Guts Of A Virgin" and "Buried Secrets").

And what can I say? Even though Dead Neanderthal's instrumentation is a little more stripped down in comparison and they don't even try to get into the ten-genres-in-five-seconds complexity of peak insane Naked City, "Rat Licker" is just pure brazen and unhinged filthy fun.

Ironically this might actually still be one the easiest listenings for anyone who wants to get acquainted with the godfathers of the New Wave of Dutch Heavy Jazz.
For a group which usually tries to stretch minimal concepts to maximum effect, often resulting in monolithic, challenging long tracks, there is quite a lot of changes and shit happening in the snaplike run of this fast little fucker.

Delicious!

"Rat Licker" has been released last Friday by the band plus eight record labels simultanously. So if it's sold out at one source - which it probably already is - maaaybe there's still a chance to find it in another place.

NAOKO SAKATA - Dancing Spirits

Anna von Hausswolff knows best.

My suggestion is that you just take that as a given fact and trust her when her label Pomperipossa Records releases an album of pure piano improvisations. It's not that have too many enlightening words to say about what Naoko Sakata does on this record anyway.

NAOKO SAKATA - Dancing Spirits (golden vinyl LP) (2021)

During the first two (of seven) improvisations which the Japanese musician performed inside a church in Gothenburg I sometimes find myself waiting for Tori Amos' vocals to kick in, which in itself is already one of the biggest compliments I can give to a piano player.
There are indeed a lot of similarities to Tori in tone and melody surfacing everywhere in the highly dramatic flow of the free-form pieces.

Later a more eerie darkness creeps into the movements, partly akin to Anna's droning organ atmospheres, but delivered with the nightmarish touch of Diamanda Galas and the brutal attacks of Sašo Vollmaier on his "Kind of Laibach", combined or alternating with ever present light speed arpeggios sparkling into every conceivable direction.

Naoko Sakata is without a doubt a wunderkind with a mind-melting technique, who can immediately express every thought and feeling she has with her fingertips in a way which lets average mortal spectators drop their jaws on the floor.
Her background is obviously classical, but it's pretty sure to assume that she is no stranger to keys in jazz, rock or whatever. The genre-defying nature of her performance at least strongly suggests that.

Yet even though she has - and uses - major league technical chops, Sakata seems less concerned with showing off than other (both amazing, don't get me wrong!) contemporary players like Hiromi Uehara or Jordan Rudess tend to do from time to time.
The virtuosity just seems to be something that happens on the way, while a feeling or story is explored. In the end she really puts her everything into the emotion. This can't be proven better than by the utter stunning beauty of "Improvisation 7", which gives me vibes of Miles Davis' "Kind of Blue" era quintet, above all makes me want to start the whole wonderful experience of immersing in this album again.

The only thing about this release which leaves something to be desired is the pressing quality of the hand-numbered golden vinyl edition. It looks great, but it really could use a bit less surface noises. Not the first Pomperipossa release where I had issues with that...

You can't kill the magic of the music though.

So overall "Dancing Spirits" still earns my full recommendation. It's just amazing. 

cassette craze chronicles II (feat. A/LPACA, ANGEL OLSEN, DHIDALAH, HIERONYMUS DREAM, LANA DEL REY, SOW DISCORD and THROWING BRICKS)

 

Still nothing to see here. Just a bunch of recently bought tapes, including some purchases from last Bandcamp Friday.

But let's start this with an emotional double whammy of my almost-namesake Angel Olsen:

ANGEL OLSEN - All Mirrors (2019)

I've had this one on my long I-should-get-this-one-day-list since it came out in 2019. Since that was before I started using this medium again, I surely wouldn't have bought it on tape. But now with a song titled "New Love Cassette" did I even have a different choice anymore?

Having released several works between the realms of reduced, almost folky singer/songwriter material and equally guitar-centered indie rock, "All Mirrors" was the album, where Olsen dialed up bombast and production to the maximum. The larger than life big sounds and strings could almost wash a lesser artist's performance away, but Angel Olsen sits in it very comfortably and uses especially the epic vintage arrangements to her full advantage to create a sparkling experience which channels the emotional integrity of Emma Ruth Rundle through the lens of Shirley Bassey.
Sincere, cinematic, huge!

ANGEL OLSEN - Whole New Mess (2020)

As big, shiny and glamourous "All Mirrors" had been, the album never fully relied on its fassade, but was rather an experiment in how far Angel Olsen could takes the songs, which were initially written just with her voice and guitar, into this aesthetic direction without "losing" them.

The raw and intimate "Whole New Mess" seems like the radical counterdraft. A break-up album, recorded inside a church, using the room's acoustics to create distorted, dirty echoes. Even though it's technically a rather stripped-down recording of mostly the same songs with slightly altered titles, the sonic imperfections and underlying depressive tone make it feel much heavier than "All Mirrors".

In fact the recording of "Whole New Mess" predates the previously released work, so you could view this as a demo version. The term could be misinterpreted as diminishing though. Which would be a shame, because this is in no way a "lesser" version. Just a very intense, different take. I think I might actually even like this a little more. Both albums are great, no question.

A/LPACA - Make It Better (2021)

There's also no question that the debut album from these punky Italian krautsters ist great, because d'oh, I just reviewed it two weeks ago. I broke my promise to order it on violet vinyl though. You know why. If you dig Karkara, Slift and the "Nonagon Infinity" direction of King Gizzard & The Lizard Wizard, do yourself a favour and through this into your tapedeck!

DHIDALAH - No Water (2017)

The five year old tape from the Japanese power trio Dhidalah, which I was lucky to find an affordable copy of in the Discogs shop of Burning World Records, feels familiar for different reasons, as these two heavy stoner doom metal spacerock crossover jams refresh the memories of a killer Roadburn show in 2018. Ripper!

THROWING BRICKS - What Will Be Lost (2020)

And now lets get just a megaton angrier with a release I ordered on last  Bandcamp Friday from the leading tape label in my young collection, Tartarus Records.

The sludgy, droning blackened post hardcore doom quintet Throwing Bricks proves that Dutch shit smells the nastiest. The nine tracks of "What Will Be Lost" are a journey through everything distorted and oppressive. Oathbreaker, Cult Of Luna, Mizmor, Sunn O))), Vattnet Viskar, their label mates Farer and in their melodic moments also Alcest are all names this multi-faceted ferocious beast brings to mind. Crushing, noisy, desperate, overwhelming. A punch into the face which disintegrates it like the one on the cover artwork.

SOW DISCORD - Quiet Earth (2021)

Continuing with the punishing art of discomfort, the list of bands from which the industrial black noise project Sow Discord recruits its guest musicians on the dystopian (or probably rather realistic/pragmatic) stocktaking "Quiet Earth", already reads like the promise of a world of pain: The Body, Primitive Man, My Disco. Fuck!
Somewhere in the sweet easy listening spot between JK Flesh, Merzbow and early Laibach vibes, yet with its own variation of dark spoken words vocals, this album wants you to rightfully hate humanity and does a pretty good job at it. But come on, David Coen, the man behind the rusty spikey curtain, is also the electronics guy of Australian doom steamrollers Whitehorse. So what else can you really expect but brilliant bleakness!

HIERONYMUS DREAM - Clairvoyance (2020)

Too much oppression now? Need someone to lift you up again?

Just when I thought I had already spend enough money on Bandcamp Friday and the week before, here come the sodding Psych Lovers on facebook guiding my attention to a special super-limited re-release of last year's debut EP "Clairvoyance" from the Greek instrumental band Hieronymus Dream, which included not only the "Weird Beard Tapes" strip for braggers, a beer mat and a nice t-shirt with a depiction of said beer mat, but above all with "Second Trail Of Alcyone" a new 13 minute bonus track on the B-Side.

What made me immediately buy this however is the sweet crystal-clear and warm sound. This floyd-fueled kraut engine runs so smoothly... you just tie yourself to its rear with a yarn thread and float in its wind like a happy kite in love. "Dream" in the band's name approved!

And while we're already up in the air now...

LANA DEL REY - Chemtrails Over The Country Club (2021)

Damn, eight tapes is a lot to talk about for such a little collective review. And after all that experimental and krauty and noisy mainstream stuff, I'm glad to finally support the underdogs once more and close this post with the new tape of a promising young American singer, who I really believe will one day be selling her albums also on CDs and vinyl all over the world.

It's a new Lana Del Rey album, so the expectations are pretty much set - and met. "Chemtrails Over The Country Club" starts close to where "Norman Fucking Rockwell" left off, with Del Rey's hightened pop persona equally ripened to a state that expertly balances the naiveté of her ex-lolita image and her typical piling of pop culture references with a healthy dose of cynicism - and above all a flawless vocal performance and damn good instrumental arrangements, which leave nothing to be desired and feel even more like one consistent band throughout the whole album this time.

The "features", which were a mixed bag on "Lust For Life" are back again, but this time Lana's three singer/songwriter sisters Nikki Lane, Weyes Blood and Zella Day, who join her on "Breaking Up Slowly" and even close the album on the Joni Mitchell cover "For Free", fit right into the organic, dreamy, nostalgic folk ballad appeal of this once again perfect summation of how great pop music can actually be.

There are brutal earworm battles being fought between Lana and Angel Olsen in my head right now for sure.

SATURNIA - Stranded In The Green

Nachdem das Debüt von A/lpaca ja gerade derbe ruppig absliftete, präsentiert Sulatron Records auf dem neuen Werk von Saturnia nun mal wieder eher den entspannten Gegenpol aus beträumt verkiffter Hippiemusik.

Das führt durchaus hier und da zu einzelnen mir etwas zu marihuanasüßlichen Momenten, ist in seiner Gesamtheit allerdings verdammt gut gemacht.

SATURNIA - Stranded In The Green (2021)

Hinter neunundneunzigkommaneunneun Prozent der Musik auf diesem Album steht der portugiesische Multiinstrumentalist Luis Simões, der uns neben klassischen Rockkwerkzeugen auch ordentlich Sitar, Glockengedöns und analoge Orgeln, Synthies und Pianos durch die benebelten Sinne pustet.

Nach dem maximal esoterischen Intro "Pan Arrives" geht Saturnia mit dem fast schon archetypischen Psychrockgroove von "Keep It Long" im Grunde auf Nummer sicher. Die Sitar lullt den Genrejunkie unwiderstehlich ein, während die von einem Gastmusiker beigesteuerte Djembe-Trommel für die interessante Absetzung von der offensichtlichen Beatles-Blaupause sorgt.

Die "Fibonacci Numbers" unterlegen dann Floyd-Vibes mit Blues-Shuffle und einer subtilen, zwischen den an Tönen schwebenden Unruhe.

"Smoking In The Sun" ist ein spacig-proggiges (letztere Assoziation kommt mir vielleicht, weil mich das Ding an irgendwas von RPWL erinnert), in seiner schleppend stampfenden Rhythmik durchaus auch gefühlt leicht doomiges Instrumental, welches das Album in tief(sinnig)ere Gewässer führt, die im knapp viertelstündigen Kernstück "Super Natural" dann noch gründlicher erkundet werden.

Dieser sich sanft aufbauende Epos voller harmonisch umeinander tanzender Keyboard- und Saitensounds könnte gerade während der Strophen glatt von Steven Wilsons "The Raven That Refused To Sing"-Album gerutscht sein. Doch auch da, wo dies nicht zwingend der Fall ist, beweist Simões meisterhaftes Gespür für geschickt gelayerte Atmosphäre. Alleine dieses herrliche, am Soul- und Jazznerv tippende Rhodes-Klavier! Mjamm!

In "When I'm High" sind darauf folgend neben der Leadgitarre Klavier und Mellotron die Stars. Trotzdem ist eher kleine Stück nach "Super Natural" wohl naturgemäß der einzige leichte Spannungsabfall des Albums.

Meine Rezension folgt der Trackreihenfolge der digitalen/CD-Version von "Stranded In The Green".

Die in der ersten Pressung grüne LP ist aus Zeitgründen etwas anders aufgeteilt, und mit dem meditativen (teilweise rückwärts abgespielten, oder?) "Perfectly Lonely", sowie dem dem orientalisch europäischen Jam "Just Let Yourself Go" fehlen zwei Instrumentalhighlights auf der Vinylvariante leider komplett. Da hätte ich doch lieber für zumindest einen der beiden Tracks auf "When I'm High" verzichtet.

Aber was soll's - die Stücke existieren ja allesamt da draußen - und haben will ich diese LP dennoch auf jeden Fall. Allein schon, weil mich interessiert, wie sich diese Meine-neun-beliebtesten-Posts-auf-Instagram-Ästhetik des Covers in tatsächlich gedruckter Form macht.

Zuletzt sei noch der je nach Medium letzte/vorletzte Song "Butterfly Collector" erwähnt, der anfangs zwar Gezirpe antäuscht, um mich abzuschütteln (ok, so schlimm wie die Grillen damals bei Quad ist es nicht , haha), was sich allerdings als Synthiespielerei herausstellt. Außerdem bin ich dank dem Morgenkonzert der nur eine Deckenluke von meinem Bett entfernt lebenden Dohlenkolonie wohl eh aktuell ausreichend abgehärtet, was ornithologische Einsprengsel in meinen Musikgenuss angeht, so dass dieser Vergrämungstrick ohnehin nicht funktionieren würde. Ansonsten ruft Saturnia hier nämlich alle vorher schon bewiesenen kosmisch entrückten Qualitäten erneut ab und fügt sie zu einem erneut einfach guten, runden Song zusammen.

"Stranded In The Green" kommt mir insgesamt zwar ein paar Millimeter konventioneller vor, trifft bei mir jedoch einen ganz ähnlichen Nerv wie letztes Jahr das tolle "Cosmic Comics" von Permanent Clear Light.

Mag ich.

EDIT: Das grüne Gold ist inzwischen gelandet, und gut sieht es aus:

NOKTI - Cockschmerzen

Sechs Tracks in vierzehn Minuten und das Ding heißt "Cockschmerzen".

Worum es inhaltlich auf dieser EP geht, das weiß ich mangels Fremdsprachenkenntnis nicht, doch musikalisch hat es mit krudem Porngrind erstmal nichts zu tun. Also kein Cock And Ball Torture-Tribut-Act, sondern einfach ein Wortspiel.

NOKTI - Cockschmerzen (CD) (2021)

Eine gewisse spirituelle Nähe zu Teilen der Grindcoreszene kann man Nokti anderseits auch nicht absprechen, schon weil hier auch viel derbes Zeug in kurzer Zeit untergebracht wird. Und da auch ein Saxophon zum Ensemble gehört, ist der Weg zur Assoziation mit John Zorns Naked City und in diese Richtung weitergedacht Mr. Bungle (aber nicht deren relativ gesehen fast schon biedere, jetzt reaktivierte Osterhasenphase) natürlich nicht weit.

Die ersten Vergleiche, die mir beim Hören dieses herrlich bekloppten, aber durchaus mit Substanz daherkommenden Blitzachterbahnfahrt in den Sinn kamen, waren jedoch eine ganze Ecke obskurer. Die entfernte Ähnlichkeit des Coverartworks und die Tatsache, dass ich Nokti, von denen ich zuvor noch nie gehört hatte, geographisch ähnlich verortete, ließen mich schnell an das Anfang des Jahrtausends von der ungarischen Progmetalgruppe Varso veröffentlichte Album "Finding Deaf Ears" denken, obwohl sich bis auf die Vorliebe zum Grenztonalen und einige beinahe funky schräge Licks musikalisch an sich nicht all zu viele Überschneidungen finden. Außer dass das alles im durchweg guten Sinne sehr artsy und abgefahren ist natürlich.
Nicht zuletzt der (hier zwar nicht rekordreif, jedoch immer noch einigermaßen derbe) knarzende Bass brachte mich dann auch schnell auf das belgische Doomnoisejazztrio Gura. Vielleicht auch, weil ich gerade deren vor anderthalb Jahren auf der MS Stubnitz abgeerntetes T-Shirt trug.

Dabei sind andere Referenzen viel offensichtlicher. Gleich die allerersten Takte des Openers "Pijan Od Krvi" könnte unmöglich noch mehr nach Oranssi Pazuzu klingen. Und ist einem diese Ähnlichkeit erst einmal aufgefallen, bleibt sie auch für die nächsten beiden Stücke im Kopf hängen, bevor sich die EP in der zweiten Hälfte noch weiter öffnet und mehr als ein Mal die manische Seite von The Mars Volta und in parolenhaften Passagen ein bisschen auch System Of A Down beschwört. Dazwischen gibt es mit "Igrice" allerdings noch ein Old-School-Laibach-Zwischenspiel. Alles klar so weit?

Ja, dieses kleine Ding ist schon ein verrücktes Huhn von einer CD.

Als ich mich schließlich auf Discogs schlau machen wollte, woher diese in Österreich veröffentlichte, handwerklich ausgezeichnete Avantgardeplosion denn tatsächlich stammte, war ich nicht wirklich erstaunt, dass die Gruppe nicht in Ungarn, sondern in Kroatien beheimatet ist, und gleich mehrere Bandmitglieder auch in der ähnlich anstrengenden aber geilen, schwarzmetallisch angestrichenen Postmetalband Hesperian Death Horse zocken.

Ja, das passt alles.

Und in der Zeit, in der Du dies alles gelesen hast, kann man sich "Cockschmerzen" auch genauso gut vollständig auf Bandcamp reinpfeifen - oder zumindest die Videos auf YouTube anschauen, haha.

SENYAWA - Alkisah

Im Review zum Debütalbum von A/lpaca behauptete ich ja gerade ganz dreist, die Band sei eine Außenstelle / globale Dezentralisierungsmaßnahme von King Gizzard & The Lizard Wizard.
Dabei unterschlug ich natürlich, dass König Gizzard mit einer ganzen Reihe von für alle willigen Labels zur Veröffentlichung freigegebenen "offiziellen Bootlegs" tatsächlich im musikkulturellen Outsourcing ganz vorne mitspielen.

Einen ähnlichen Weg geht nun auch das indonesische Experimentalmusikduo Senyawa mit seinem neuen Album "Alkisah", welches gleich ein paar Dutzend Labels in verschiedenen Versionen mit underschiedlichen Covern und z.T. auch Bonusmaterial anbieten.
Und auch wenn man den großen Anteil asiatischer und transatlantischer Varianten wegen hoher Versandkosten abzieht, bleibt für den Mitteleuropäer so immer noch eine ganz ordentliche Auswahl übrig, unter denen ich mich zunächst (Spoiler: bei einer Version wird es für mich nicht bleiben.) für die des belgischen Labels Les Albums Claus entschieden habe.

SENYAWA - Alkisah (Les Albums Claus LP) (2021)

Senyawa, das sind Wukir Suryadi an selbstgebauten Saiten-, Rhythmus- und sonstigen Instrumenten, und Rully Shabara, Meister der tausend urkraftvoll theatralischen  und mystisch brutalen Stimmen, ein komplett eigenständiger Ausnahmevokalist.

Wie gewohnt existiert der Sound der Gruppe in einer singulären Parallelwelt, welche kaum hinreichende Vergleiche mit irgendetwas anderem zulässt.
Ganz eindeutig ist, dass Senyawa trotz weltmusikalischer Tendenzen und schamanistischer Atmosphäre, niemals in esoterisch verträumte Höhen entschweben, sondern immer sehr direkt bleiben, als stünden sie direkt neben dir.

Dicke Dronewände spielen hier teilweise zwar immer noch eine Rolle, doch verglichen mit dem Vorgänger "Sujud" und vor allem der Kooperation mit Sunn O)))s Stephen O'Malley, "Bima Sakti", geht es auf "Alkisah" weitaus rhythmusorientierter zu.
Viele perkussive Sounds erinnern dabei an Einstürzende Neubauten, als deren prä-zivilisatorische Fernostvariante  sich Senyawa also gewissermaßen präsentieren.

Diese Musik ist frisch und überraschend, dabei auf ganz eigene Weise irgendwie auch erstaunlich heavy. Extrem spannendes Zeug und bisher ganz klar eines meiner Lieblingsalben des noch jungen Jahres.

Die Vinyledition von Les Albums Claus ist mir allerdings ein wenig zu lieblos geraten. Das Cover ist zwar ok und die Pressung lässt auch keine Wünsche offen - wer nur darauf Wert legt, kommt mit dieser Veröffentlichung sicher klar -, doch allein, wenn die Credits einen der acht Tracks speziell erwähnen und man feststellt, dass sich auf der Hülle ja nirgends eine Tracklist befindet, merkt man, dass mehr möglich gewesen wäre.

Eine ganze Ecke mehr verspricht da die "CN Edition" von WV Sorcerer Productions, auf deren Ankunft ich allerdings noch warte. Eine Kurzrezension dazu liefere ich also später noch nach.

A/LPACA - Make It Better

In diesen Zeiten eingeschränkter Reisefreiheit und unsicherer Aussichten für Livemusik ist Dezentralisierung für global operierende Bands vielleicht gar keine schlechte Strategie. Die immerhin in ihrer Heimat ja schon wieder auftrittsfähigen Aussis King Gizzard & The Lizard Wizard scheinen zumindest diesbezüglich bereits zu experimentieren und in Italien die Eröffnung einer europäischen Filiale vorzubereiten.

A/LPACA - Make It Better (2021)

Das könnte man beim Hören von A/lpacas auf Sulatron Records erschienen Debüt zumindest oft denken. Das ständige Uptempo im "Nonagon"-Drive und der durch den Effektwolf gedrehte, sehr an Stu MacKenzie erinnernde Gesang sind nur die offensichtlichsten Merkmale dieser stilistischen Affinität. Insgesamt könnte man diese deutliche Nähe wohl am ehesten als starken Kritikpunkt an "Make It Better" werten, doch ähnlich wie bei den Franzosen Karkara gilt hier entschuldigend: Warum meckern, wenn es doch so viel Spaß macht?

Es ist ja auch keine freche Kopie, wenn das Erbe von Hawkwind, Can und allem, was irgendwo zwischen der offensivsten Form von Krautrock und ungestümem (Post) Punk liegt, auf ähnliche Weise verarbeitet wird. Ok, in einzelnen Passagen wie z.B. dem Refrain von "Citadel" ist die Anlehnung schon sehr deutlich.

Doch wie gesagt: Drauf geschissen, denn was hier in erster Linie zählt, ist mein allererster Eindruck, als ich das Album morgens im Auto durch die Speaker geblasen habe und der Opening Track "Beat Club" mich zwingen wollte, aufs Gaspedal zu treten: Diese Mucke macht einfach Bock! Und daran hat sich auch nach weiteren Durchläufen nichts geändert.

A/lpaca klingen sehr roh produziert, die Saiteninstrumente sollen bis auf einige spacigere Momente vor allem fetzen, die Snaredrum scheint geradezu zu übersteuern, aber das ist alles nicht nur offensichtlich gewollt, sondern unterstreicht auch gerade diese ungezügelte Energie des Quartetts. Wirklich clean sind eigentlich nur die meisten Keyboards, welche als psychedelisch tiefenwirksamer Kontrapunkt maßgeblich die eigene Note der Gruppe  definieren.

Ich muss nicht mehr betonen, Freunde welcher Gruppen hier zugreifen sollten. Persönlich lasse ich es hier auf jeden Fall nicht bei der Promo, sondern werde mir auch das lila Vinyl ins Regal stellen.

Was muss, das muss.

ÅRABROT - Norwegian Gothic / ÅRABROT - The World Must Be Destroyed

Wie bei so vielen guten Künstlern in den letzten Jahren war es die Ankündigung eines Roadburn-Lineups, welches die Band, deren Name wie der skandinavische Teil meines Frühstücks klingt, erstmals auf meinen Radar gerückt hat.

Lichterloh gezündet haben Årabrot allerdings nicht auf Anhieb, weshalb ich sie damals auch nicht live gesehen habe. Der zweite Anlauf mit ihrer Unplugged-Performance im Rahmen des Chaos Theory Livestreams hat mein Interesse an der Gruppe mit dem komischen Hut später deutlich stärker entfacht.

Und als schließlich die Promo für das neue Album im Elektrobriefkasten landete, brauchte es nur wenige Songs, ehe klar war, dass ich mir das Ding zusammen mit Monos neuem Livealbum bestellen würde.

ÅRABROT - Norwegian Gothic ("Feel It On" vinyl 2LP) (2021)

Den Kern von Årabrot bilden Sänger/Prediger/Gitarrist Kjetil Nernes und Karin Park. Das norwegische Paar lebt mit seinen Kindern in einer alten Kirche auf dem schwedischen Land. "Rock'n'roll is their religion" sagt der Pressetext. So eine Kirche ist indes nicht nur praktisch zum Wohnen, sondern taugt auch als Aufnahmestudio und Fotolocation fürs Albumcover-Shooting.

Für ihre Touren und Alben umgeben die beiden sich mit wechselnden Kollaborateuren, und allein ein Blick darauf, wer auf "Norwegian Gothic" musikalisch mitwirkt, verspricht hier einiges: Motorpsycho-Drummer Tomas Järmyr, Zu-Bassist Massimo Pupillo, Cellistin Jo Quail, Jaga Jazzist-Multiinstrumentalist Lars Horntveth und Anders Møller von Ulver sind schon für hochwertiges Handwerk stehende Hausnummern.

Nach Abzug einiger kurzer Zwischenspiele besteht "Norwegian Gothic" aus zwölf Song, die jeder auf seine Weise dieses Versprechen voll einlösen. Gothic ist dabei wohl eher Haltung als Genre, lässt sich punktuell aber durchaus auch als Stilbeschreibung anwenden, wenn sich Årabrot zwischen Postpunk, Noise Rock und Spuren von Folk bewegen. Insgesamt verhält es sich mit der Band aber ähnlich wie bei Motorpsycho so, dass der stilistische Bogen so weit gespannt wird, dass einem am Ende tatsächlich einfach nur übergreifend Rock als aus allem destillierte Definition einfällt.

Rock, der alleine durch die Rhythmussektion enorm heavy daherkommt und noch dazu ständig von einer Düsternis umwoben ist, die an Killing Joke, die ideale Fitness von Danzig, vor allem durch Nernes' oft geradezu schneidenden und beißenden Gesang an die Intensität Michael Giras und dessen Swans erinnert.
Und dass "Norwegian Gothic" dabei von unentrinnbaren, hartnäckigen Ohrwürmern geradezu überbevölkert ist, löst diese Dunkelheit keinesfalls auf, sondern steigert nur ihre Vehemenz.

Gefühlt könnten noch ein oder zwei Tracks mehr den Leadgesang von Karin Park gebrauchen, doch vielleicht ist das Verhältnis auch gerade richtig, um ihr orchestrales "Hallucinational" als Gegenpol zur groovenden und stampfenden Teufelsmusik besonders glänzen zu lassen.

Die zahlreichen überraschenden Details, die dieses Album bereithält, will ich hier gar nicht erst zu spoilern versuchen, doch wer das eine oder andere Review von mir gelesen hat, der weiß, dass ich das Finale "The Moon Is Dead" unmöglich unerwähnt lassen kann. Hier brechen Årabrot nämlich aus ihrer sonst eher kompakten Songlänge aus und lassen Streicher und Jazzsaxophon um eine eopchal dröhnende Swans-Ballade eskalieren. Großartig!

Um das Urteil geht hier kein Weg vorbei: "Norwegian Gothic" ist ein gnadenlos mitreißendes, dabei aber nie seinen künstlerischen Anspruch verratendes Rockalbum, ein gewaltiges kreatives Statement. Meisterwerk nennt man so etwas, glaube ich.

Definitiv das ultimative Indoktrinierungsmaterial für diese Kirche!

Während "Norwegian Gothic" am Freitag, den 9. April erscheint, ist bereits seit Ende Januar eine EP zum Aufwärmen zu haben: 

ÅRABROT - The World Must Be Destroyed ("Feel It On" vinyl 12" EP) (2021)

"The World Must Be Destroyed" präsentiert die Band in einer dem Titel entsprechend rauheren, destruktiveren Form. Mehr Sludge, mehr Melvins, ein zwar klar verwandter, doch ebenso deutlich anderer Sound.
Das kommt nicht von ungefähr, da es sich hier eigentlich nicht um einen Appetizer auf das kommende Album handelt, sondern um bisher unveröffentlichte Stücke aus den Sessions zu Vorgängerwerk "Who Do You Love". Zum Personal gehörten hier u.a. Andrew Liles (Current 93) und Insekt Ark-Chefin Dana Schechter.

Kurz und heftig. Für sich sicher nicht so ein Pflichtkauf wie das kommende Album, doch durchaus auch schon sehr gutes Zeug.

Da Pelagic Records EP und Album im Bündel auf mehrfarbigem "Feel It On"-Vinyl anbietet, habe ich auch hier zugeschlagen. Hoffe dann mal, dass die Welt bis dahin doch noch einigermaßen heile bleibt und bin gespannt, wie es sich anfühlt.

[EDIT 17. Juli 2021 - Da ich anscheinend ein altes Bankkonto gespeichert hatte, wurde meine Bestellung ein biiiiischen später als erwartet bearbeitet. Aber heute habe ich die Tonträger endlichendlichendlich bekommen. Und sie sehen sensationell aus!]

BANDCAMP DAY März 2021 mit KUKANGENDAI und ... ähm...

Ok, ich bin heute schreib- und auch etwas hörfaul. Deswegen werde ich den größten Teil meines Bandcamp Friday-Einkauf zu einem späteren Zeitpunkt in einem neuen Segment der "Cassette Craze Chronicles" behandeln, wenn die Dinger bei mir eingetroffen sind.

Rein digitale Veröffentlichung habe ich diesmal nicht von meiner Merkliste getilgt. Bleibt also als Thema hier und heute nur noch eine LP übrig, die erstmals vorletztes Jahr auf Stephen O'Malleys Label Ideologic Organ erschien. 

KUKANGENDAI - Palm (LP) (2019)

Die japanische Band mag mit Gitarre, Bass und Schlagzeug vielleicht wie ein klassisches Rock-Powertrio aufgestellt sein, doch da hört der einfach erklärbare Teil auch schon auf.

Kukangendai schaffen es irgendwie, polyrhythmisch anspruchsvoller als die professionell verkopftesten Jazz- und Progrockkapellen zu klingen und dabei doch nur peripher in beiden Sparten verortbar zu sein.

Der extrem experimentelle Rocksound mit starker Funk und Dub-Schlagseite ist in seinem kontrolliertem Chaos niemals wirklich nachvollziehbar, bleibt durch die beinahe schon entspannte Performance jedoch paradoxerweise erstaunlich leicht hörbar.

Ok, das ist wie so oft eine sehr relative Aussage, aber ernsthaft: Wenn man nicht gerade beim ersten Hören versucht, Hirnverknoter wie "Hi-Vision" zu dechiffrieren und die absolut irren Arrangements einfach als den eigenen Musikverstand übersteigend hinnimmt, ist es einfach nur ein irre cooler, irgendwie ursprünglicher und in seiner Einzigartigkeit faszinierender Sound, mit dem Kukangendai einen hier umspülen.

Am ehesten kann ich hier punktuell den Einfluss von King Crimson und mehr noch Blind Idiot God erkennen. Ein bisschen Khruangbin, Postrock, einige ganz subtile Japanismen kann man sich auch noch hineinhören, doch im Großen und ganzen ist "Palm" eine fernab aller gewohnten Normen und Konventionen stattfindende, in sich selbst stimmig geschlossene Erfahrung.

Dieses Album ist ganz klar ein rarer musikalischer Schatz, und ich kann es kaum erwarten, diesen auf schwarzem Gold drehen zu lassen.

MAJAK - Rippe's Restless Rehearsal Rumble

Montag Abend, ich bin schon viel zu früh müde. Aber hey, ein spontanes Review rauszuhauen, das wird ja wohl noch drin sein!

Ich hocke nun schließlich bereits seit ein paar Wochen tatenlos auf dieser digitalen EP. Und das ausdrücklich nicht, weil ich keinen Bock drauf hätte, sondern einfach, weil ich auf einen besonders für Gekloppe empfänglichen Moment gewartet habe, um mir diese drei neuen Tracks der Neufinsteraner Majak zu Gemüte zu führen.

Jetzt, wo ich diesen Absatz beende, habe ich das eine Dreiviertelstunde kurze Ding auch schon das erste Mal durch die Lautsprecher gejagt.
Die doppelte gute Nachricht ist, dass mir 1. (noch?) keine schlechte Nachricht einfällt und ich 2. durchaus Bock drauf habe, mich noch zwei, drei Mal von dem Zeug durchblasten zu lassen. Was die Chancen, diese Kritik tatsächlich heute noch zu veröffentlichen und folglich den Anfang nicht ändern zu müssen, natürlich erheblich verbessert.

So much winning!

MAJAK - Rippe's Restless Rehearsal Rumble (download) (2021)

An der bereits auf dem Debütalbum "The Herald" fest etablierten Prämisse hat sich im Grunde nichts geändert. Majak haben sich also weiterhin dem okkulten Underground-Ethos verschrieben und spielen einen super direkten Metal, der vergleichbar mit Bands wie Bütcher oder Hellripper zumindest im ersten Eindruck aus der Zeit zu stammen scheint, als Speed Metal, europäischer Thrash, die erste Blackmetal-Welle und räudiger Röck'n'Roll im Wesentliche eine einzige gemeinsame Szene bildeten. (Wenn es stimmt, was die Metal-Altvorderen sagen, zumindest.)

In technischer Detailbetrachtung kommen schon einige Riffs, Blasts und Grooves hinzu, die eher die Sprache der Neunziger sprechen, doch diese Elemente sind allesamt stimmig in den böse brüllenden Achtzigerspirit eingebettet. Was Majak für mich ja am meisten ausmacht, ist dass bei aller rhythmischen Präzision und trotz soliden Heavy-Metal-Gitarrengefrickels ein großer Teil der Heaviness einer gut kultivierten Rest-Rumpeligkeit zu entspringen scheint. Eine Mischung, wie sie ähnlich z.B. einige der feinsten Momente von Kreator definiert.
Da passt dann auch der kehlige Brüllgesang, den man sicher nicht lieben muss, der aber unbestreitbar die unverblümt grobe Seite der Band exzellent unterstreicht.

Das beste an der EP - auch im Vergleich zu "The Herald" - ist allerdings, dass es sich bei dieser Vorschau auf das nächste Studiowerk um eine Live-Session handelt. Ansonsten wäre der Titel ja auch reichlich bekloppt.
Und fuck, Rippes Rasselbande rippt! Pack diese Performance in einen Laubbläser, und die Blätter trauen sich zukünftig gar nicht mehr, überhaupt vom Baum zu fallen.

Jetzt lasst uns nur schnell dieses scheiß Virus so weit in die Ecke prügeln, dass der Metalfön auch endlich wieder von einer echten Bühne aus pusten darf! Majak haben offensichtlich ganz klar Bock.

Resterampe 2020 (mit BLUES PILLS, JESU und MIZMOR)

Ok, die Überschrift klingt jetzt ein wenig despektierlich. Ist aber gar nicht so gemeint. Hier frühstücke ich einfach noch ein paar Musikveröffentlichungen des letzten Jahres ab, die erst kürzlich in meine Sammlung eingegangen sind.

Den Anfang macht ein Bündel aus vier Wiederveröffentlichungen des Black/Sludge/Funeral Doom- Metal-Projekts Mizmor:

MIZMOR - Mizmor (Tape) (2012/2020)

MIZMOR - Mishlei (Tape) (2018/2020)

MIZMOR - Yodh (Tape) (2016/2020)

MIZMOR - Cairn (Tape) (2019/2020)

Das überwiegend auf Kassetten spezialisierte Label Tartarus Records hat letztes Jahr alle drei Studioalben von Mizmor in luxuriös anzuschauenden Versionen im schwarzen Karton inklusive Booklet mit Texten und Artwork neu herausgebracht. Dazu kommt die erstmals 2018 erschienene Compilation "Mishlei", welche alle Tracks der Split-Releases zwischen Debüt und "Yodh" vereint und faktisch auch ein vollwertiges Album darstellt.

Alle vier zusammen gibt es mit Rabatt und inklusive Logo-Patch als Set. Und weil mein bisher einziger Mizmor-Tonträger die "Yodh: Live at Roadburn 2018"-CD gewesen ist, war der Versuchung, hier zuzuschlagen, einfach unmöglich zu widerstehen. Zum Glück!

Denn diese räudig mächtig epochale, musikalisch so bösartige, aber inhaltlich durchaus sehr ernsthaft durchdachte Diskographie, hat einfach keinen Schwachpunkt. "Cairn" ist ganz klar das krönende Meisterwerk, doch alles davor zeigt schon sehr deutlich den Weg dahin.

Wer sich in Black Metal getunkte Yob, Conan und Bell Witch vorstellen mag, auf Longtracks und auf extreme Vocals mit Wiedererkennungswert steht (diese aus einem hohlen Baumstamm zu kriechen scheinenden Growls klingen, wie das ikonenhafte Cover von "Yodh" aussieht), der bekommt mit Mizmor eine wunschlos beglückende Vollbedienung.

Und dieses Tape-Quartett ist natürlich ein Juwel in meiner jungen Sammlung.

JESU - Never (blue in white vinyl 12" EP) (2020)

Neulich im Review des neuesten Jesu-Albums "Terminus" hatte ich ja noch zu Protokoll gegeben, die vorangegangene Comeback-EP des Justin-Broadrick-Projekt ausgelassen zu haben, da es mir zu effektüberladen experimentell war und ich mich einfach noch nicht hineinhören konnte.

Inzwischen habe ich mich dann doch mal getraut, das immer noch in Farbvarianten erhältliche Vinyl zu bestellen. Anders als die als Beikauf mitgenommene Final-CD "Reading All The Right Symbols Wrong" von 2009, die mich auf Anhieb abholte, bleibe ich auch dabei, dass es sich bei "Never" zumindest für mich um das vielleicht bislang schwierigste Werk Broadricks (in meiner Sammlung; ich bin weit davon entfernt, Komplettist zu sein) handelt. Das Ding musste ich mir schon relativ mühsam erarbeiten.

Nicht, dass es sich hier um besonders komplizierte Musik handelt. Allerdings wurde die an sich auch emotional sehr direkte und eingängige Basis der vier Stücke dermaßen durch den Pixelschieberfleischwolf gedreht, dass der Mix aus Shoegaze und Elektro schon einen sehr fragmentarischen und künstlich distanzierten Eindruck macht.

Jetzt, da der Knoten geplatzt ist, kann ich den surreal träumerischen Charakter von "Never" auch voll genießen. Für Newbies, die nicht eh schon Fans sind, halte ich die EP allerdings für sehr herausfordernd. Da erschließt sich das stilistisch deutlich geerdetere Full-Length-Album mit Sicherheit trotz des langsameren Durchschnittstempos schneller.

BLUES PILLS - Holy Moly! (2CD Digibook) (2020)

Zum Abschluss nun noch ganz andere Töne. Die Gemeinsamkeit zu Jesu ist, dass ich auch hier zunächst skeptisch war und lange mit dem Kauf (bzw. dem Hinzufügen auf meine Geburtstagswunschliste) zögerte.

Blues Pills ohne die naturtalentiere Wundergitarre von Dorian Sorriaux? Fehlt da nicht eines der wichtigsten Markenzeichen?
Dazu kommt die Neigung der Band, sich als erste Single gerne Stücke auszusuchen, die sehr formelhaft und on the nose sind und mich für sich erst einmal nicht allzu mächtig umhauen.

Letztendlich waren hier aber alle Sorgen müßig.

Der seit jeher für die zeitgeistige Authentizität verantwortliche Musiknerd und Hauptsongwriter Zack Anderson wechselt vom Viersaiter auf die Gitarre, was natürlich - in gar nicht so dramatischen Ausmaß - nicht mehr ganz so filigran und brilliant daherkommt, allerdings u.a. durch mehr direkten Dampf ausgeglichen wird. Sehr schnell wird klar, dass "Holy Moly!" das bisher am stärksten rockende Album der Band geworden ist.

Die von mir so hochgeschätzten Motown/Soul/Gospel-Elemente von "Lady In Gold" sind allerdings nicht verloren, sondern blitzen hier und da weiterhin hervor. Und wie!
Elin Larsson wird ja gewohnheitsmäßig von Album zu Album (und wenn live gespielt werden darf auf den Touren dazwischen) immer besser, und das gilt hier besonders für die hohen Soul-Schreie wie in "California", einem der Songs, die aus dem vorherrschenden Powertrio-Uptempo ausbrechen.
Zu jenen gehören auch das dunkle "Dust", das bittersüße "Wish I'd Known", der mit Piano und Streichern zu unerwarteter Größe wachsende "Song From A Morning Dove" und die abschließende Bluesballade "Longest Lasting Friend".

Moment! Habe ich da etwa tatsächlich "Trio" geschrieben? 

Technisch ist das für "Holy Moly!" korrekt, denn Neu-Bassist Kristoffer Schander posiert bisher nur auf Bandfotos und in Videos. Bis auf die überschaubaren, aber stets umso wirkungsvolleren Gastmusikereinsätze hören wir hier also tatsächlich das Trio LarssonAndersonKvarnström.

Vermutlich war es für die Band auch wichtig, im kleinen Kreis an diesem Ding zu werkeln. Das Resultat zeigt auf jeden Fall eine eng zusammengeschweißte und gewachsene Gruppe. Das Wunderkinder-Image früherer Tage ist komplett abgestreift und weiterer Souveränität und Songwritingqualität gewichen.

Ein großartiges Album. Vielleicht sogar das beste der Blues Pills. Allerdings  müsste man die Songs wohl live erleben, um diesen Eindruck zu verifizieren.

Eine deutliche Steigerung zur Debüt-EP "Bliss" von 2012 ist "Holy Moly!" ohne Frage. Komische Aussage, ich weiß. Darauf komme ich auch nur, weil eben jenes vergriffene Teil der Digibook-CD-Version des Albums als Bonus beiliegt.

Angesichts der vielen Neuaufnahmen und Liveversionen der hier vertretenen Hits "Bliss", "Astral Plane", "Devil Man" und "Little Sun" halte ich das Ding nicht zwingend für den allerheiligsten Gral, aber es ist halt wie es ist: Auch wenn man ein Blues Pills-Song schon neunundneunzig mal gehört hat, ist er halt beim hundertsten Durchlauf noch super.

Ok, "Devil Man" war mir in der Vergangenheit durchaus schon mal über, haha.