I've already written a little something about it quite a while ago, but since my Tau Cross reviews keep getting clicks, I think it's time for a little update of how I feel about the band with Rob Miller being lost to conspiracy nutjobism.
First of all: I have double standards for these kind of things. Judging the art by the flaws of its creators is not always a simple task with universally valid rules.
We probably all have those double standards. For example everyone knows that Miles Davis or James Brown were pretty shitty persons, but it doesn't really affect the relevance of their musical legacy. Gary Glitter however has been completely canceled, which is not only the right thing to do, but also easy, because in his case the art just isn't that relevant.
So were do I stand with Tau Cross now?
I still think the name should be history and I still like to think that Miller's descend is a rather recent thing, so I can still enjoy the memories of two great shows of this band.
I still enjoy the music of the first two albums when a song pops up during shuffle play, but do I actively seek them out to listen to them? So far not. In fact I just sold my vinyl copies on Discogs.
The limited Roadburn 2016 poster, as great as it looks, was not something to look at daily anymore, so I replaced it with another Costin Chioreanu artwork for Grave Miasma with a similar colour palette.
Yeah, so that's it.
Still got that poster, if anyone's interested. It has been rolled up and is now folded, so it needs to be straightened, but overall it's in a decent condition.
Karkara's debut album "Crystal Gazer" had been one of my favorite psych releases of 2019, and I still feel a little bad not having bought it in any physical format yet.
But the French trio obviously didn't wait for me to catch up and already followed it up with their second work. This time I ordered a copy, in one of three limited cassette spices.
KARKARA - Nowhere Land (pumpkin orange cassette) (2020)
One thing's for sure: If you enjoyed the first album you most likely won't hate this one. Indeed most points in my description of Karkara's style still stand, as the main formula remains the mixture of fuzzy psychedelic rock with Arabic elements.
Especially in faster tempo this often (more often than on "Crystal Gazer") makes them sound like King Gizzard & The Lizard Wizard with straighter beats.
The combination of ferocity (this shit is raw!) and space still very much reminds me of Libido Fuzz, but even more of their other countrymen Slift's masterpiece "Ummon". I also still feel some connenctions to the sound of Bone Man, mostly during the grungy mid-tempo of the final track "Witch".
All in all "Nowhere Land" strays into fewer directions than its predecessor and seems a little more focussed in comparison. Which makes it less adventurous on first listen, but lets it grow into a just as pleasant banger.
No, there's no rocket science to unpack on this album. It's just a dirty, crunchy, ass-kicking Fuzzkraut Morgana.
The tape edition features a nice alternative artwork and looks beautiful as long as you don't try to read the credits, which might evoke headaches, since the font really is ridiculously small.
Other than that though everything is perfectly fine. Karkara has nailed it again!
Gestern war wieder einer dieser körperlich und seelisch zermürbenden Scheißtage, von denen es in den letzten Wochen schon zu viele gab, die ich aber in absehbarer Zukunft nicht weniger werden sehe. Ich erlebe gerade einen Scheißdreck, den ich mir vorher nur in schlechtem Fernsehen hätte vorstellen können.
Von daher war der gestrige Bandcamp-Freitag diesmal wirklich nur eine Randnotiz, mit der ich mich gar nicht weiter auseinandersetzen mochte.
Heute morgen (Zeitzonen und so) habe ich mir schließlich doch noch ein Album vorbestellt, auf welches ich jetzt gerade gar nicht so heiß bin, aber in ein paar Monaten, wenn es erscheint, hoffentlich doch wieder.
Davon abgesehen habe ich gestern Abend aber nur bei der mich emotional gerade eher abholenden Veröffentlichung von Kristin Hayter zugeschlagen:
LINGUA IGNOTA - The Caligula Demos (download) (2020)
Mit den "Caligula Demos" erhalten wir nun einen Einblick in die Evolution des Albums, hören frühe, hauptsächlich aus Klavier/Keyboard und Gesang bestehende Aufnahmen der Songs, bzw. der Ideen und Fragmente, die sich dazu entwickelt haben.
Dabei muss man feststellen, dass das meiste Material der Demos (gerade wenn man die Kenntnis des Albums mal ausklammert) in all seiner Rohheit durchaus schon sehr fertig arrangiert und vollwertig wirkt. Musikalisch sind einige Teile sofort wiederzuerkennen, andere wurden melodisch und textlich später in andere Richtungen gedrängt oder scheinen ganz verworfen worden zu sein.
Gesanglich geht Hayter hier noch nicht ganz so in die unbequemen, hässlichen Übertreibungen, ihre Stimme bleibt - abgesehen von den extremen quasi-blackmetallischen Passagen - klarer und "gefälliger", was angesichts der dargebrachten exzentrisch-expressiven Theatralik natürlich relativ zu verstehen ist.
Durch die größere Reduktion auf Tasten und Stimme erinnert mich ein großer Teil der Demos noch weitaus mehr an Amanda Palmer als es das Album tut.
Auf jeden Fall ist dies ziemlich interessantes bis großartiges Zeug, welches sich trotz der nahen Verwandtschaft deutlich genug vom späteren Album emanzipiert, um seine Veröffentlichung zu rechtfertigen.
Mit dem Download kommen neben den zwölf Tracks auch noch eine Reihe Portraits und Stillleben aus den Fotosessions zum Artwork von "Caligula".
End-of-the-year ranking season has begun, and as always I'm going to cover it in several installments. Which will probably take longer than usual, because many other pressing matters have taken priority over this hobby right now. And where at this time I used to have like 80 percent of my texts done in previous years, I barely have anything yet.
The first part however has already been sitting inside my drawer for a while. It obviously is the most 2020 one, as it is dedicated to live events which I was going to attend.
So here without further ado are my... *drumroll* ...
TOP 7 canceled live shows 2020:
CHELSEA WOLFE - Gruenspan, Hamburg
Chelsea Wolfe, who was hit by the shutdown in the middle of her European solo tour in March, wins this ranking, because it's the first completely canceled show of the lot, which never even had a rescheduled date in 2021.
SWANS - Uebel & Gefährlich, Hamburg
This took a couple of months longer than Chelsea to be completely canceled, since for a while there had been a new date in 2021. But now Micheal Gira has cleared his whole live schedule for the time being. Arguably this could also deserve the number one spot, since it's the only canceled show so far, where I actually already got my money back.
ROADBURN FESTIVAL - Tilburg
Of course Roadburn Festival being canceled just weeks before it should have happened, was brutal for many fans. For me personally it didn't hurt at the time, because I could have never gone there anyway due to my personal health. So the festival being postponed to 2021 gave me the chance to not miss it. Or so I believed at the time...
BJÖRK - Waldbühne, Berlin
Bucket list material! Being a Björk fan for decades I finally got myself a ticket to see her perform live - even with an orchestra. The show has been moved to 2021, but at the moment I don't expect an event this big to happen at that new date yet. And if it does, do I feel safe going there?
LOUISE LEMÓN - Nochtwache, Hamburg
Ok, this doesn't really belong on this list, because I didn't have a ticket for the show yet. I was 90+% determined to go there though.
BOHREN & DER CLUB OF GORE - Kampnagel, Hamburg
On a ranking of canceled shows the doomjazz pioneers don't have a chance to win, because even though it would have probably been safer to cancel it, this was actually among the last shows still happening before the pandemic hit.
I was hospitalzed at the time though, so I couldn't attend and gave my ticket away to my brother.
This show on February 1st naturally is the taillight of this list, because not only did it happen, but I was also there, making it my first and last and only concert of 2020. At least it was fucking good! But damn, this already feels like ten years ago.
Hey, ihr ambitionierten Nachwuchsfilmregisseure im Bereich des phantasmagorischen Horrors!
Ihr träumt davon ein in Malaysia spielendes Remake von "The Blairwitch Project" mit der Ästhetik von "Mandy" zu drehen? Ihr habt Glück, denn in Polen hockt ein Klangkünstler, der euch genau dafür bereits den maßgeschneiderten Soundtrack geschustert hat!
SAMUTEK - Omamy (Tape) (2020)
Glocken, Gongs, Flöten, field recordings, Klanginstallationen. Dark Ambient und Dröhnen. Wehklagen und Geisterstimmen. Jóhann Jóhannson in sternenloser Dschungelnacht. Die Elemente im Sog des Paranormalen.
Samuteks "Omany" ist ein faszinierendes Spiel mit der Schönheit des Grauens, welches atmosphärisch dichter nicht sein könnte. Zutiefst ungemütlich und doch hypnotisch wunderbar.
Von Costin Chioreanus "The Quest For A Morning Star" über die düsterste Laibach-Ursuppe bis zur Kooperation von Senyawa und Stephen O'Malley, von Glenn Danzigs "Black Aria" zu Avantgarde und Doomjazz - dieses Album appelliert an weitaus mehr meiner musikalischen Vorlieben, als ich hier spontan aufzählen könnte.
Und die auf 100 Stück limitierte physische Version in Kassettenform macht mit schmucker Banderole und mich an Kamasi Washingtons "Harmony Of Difference" erinnerndes Miniaturbooklet mit Kunstwerken zu jedem Track auf jeden Fall auch was her.
Großartige Veröffentlichung - und garantiert komplett 2020-kompatibel.
Yet at the same time it has never been of more profound importance.
What could be a general statement about the state of music and art in light of the colossally fucked year 2020, very much also applies to my personal life, which during the previous weeks (and still ongoing with absolutely unknown open end) has been shaken by an unprecedented and exhausting terror, which I would have only deemed possible in bad movies until now.
In a time when both your intertwined work and family lifes are overflowing with stress (I lost several kilos of weight because of that) and an ever-growing mountain of work and problems beyond comprehension, it is easy to dismiss the role of music, especially since I don't even remotely find the time and peace for it like I used to. But I do find it, because I have to. Worrying all day without distractions and at least some moments of catharsis is definitely not healthy and even when the horizon seems to overflow with work from one end to the other, you just have to stop when you are physically and mentally too drained to do it without mistakes.
In light of this I have never found rehearsing with my band (which is the duo of my brother and me) more therapeutic than now. And even in shuffling through my music collection on random I feel the vital healing power of sound in all its shapes to be something I cannot for the life of me imagine to miss.
And just like the last time a personal crisis (which continued to plague me for several months but seems dwarfish in comparison now) caused me to stay absent from writing on this blog in March, I now return with a review of a certain A.A. Williams, an artist whose output so far couldn't embody the quality of being soul-soothing more.
A.A. WILLIAMS - Forever Blue (silver vinyl LP) (2020)
After her collaborative EP with Japanese post rock masters Mono and her first self-titled solo EP "Forever Blue" now finds the singer and multi-instrumentalist delivering a debut album which almost sounds too grown and mature to be just that. And it's hard to judge whether the artist even had to sweat much to achieve that.
I'm not implying that she doesn't work on her craft, hell no, but boy, some people just have that natural artistic gift within them, and A.A. Williams unmistakingly sparkles with it.
This album just grabs you by the feels on all levels, the most obvious being her voice. Not only is there a very distinct calm in it as she sings about overcoming self-doubt and pain, but also an amazing steadiness and precision in her pronounciation. No matter how slow she sings, she doesn't fall into the common habit of free vocalizing to bridge syllables and words, but always stays exactly on her lyrics, which very effectivly amplifies their meaning.
But apart from those lyrics an their representation let's not forget that A.A. Williams is also responsible for the whole songwriting and arrangement of this album, which includes her playing piano, keyboards, guitars and cello - or to put it shorter: everything except bass and drums.
"Forever Blue" at its peaks is definitely a heavier release then the preceding EP and underlines that the collaboration with Mono has been no coincidence. Because basically the formula of her music is playing singer/songwriter ballads with the tools of epic post rock. And that includes all the dynamics from ambient breathers during which you can hear a needle drop to the big heavy crescendos, most notably on the track "Fearless", which turns into a duet with the harsh screams of Johannes Persson from Cult Of Luna.
There are two more tracks featuring guest vocalists, yet in those she utilizes them in a more traditional way as smooth lower backdrops behind her own voice.
I could go into some more specifics of the eight tracks, but unfortunately I still have work to do on this Sunday night. And also: What is the point? At the end of the day everything on this album is beautifully written, crafted with attention to every detail and pouring with emotion. It's strong, it's vulnerable, it's an album not only I, but surely many of us need right now.
If I try really hard to find something to grouse about, it would be that the vinyl version "Forever Blue", despite being only one LP, comes in one of those unnecessary gatefolds, which isn't justified by the artwork. It looks good (as does the silver vinyl), but it could also have been done with a regular slim sleeve.
You see, I'm trying hard. This album is wonderful.
Uuuund es war schon wieder Bandcamp-Freitag! Abgesehen von einem physischen Tonträger, den ich später gesondert besprechen werde, war es für mich diesmal ganz klar ein Helloween-Special, da alle drei folgenden Veröffentlichungen zu jenem Anlass erschienen sind:
NITELIGHT - Zombie Ritual (download) (2020)
Déjà vu! Die italienischen Synthwaver Nitelight spielen schon wieder Chuck Schuldiner. Diesmal ist es allerdings kein komplettes Death-Album, das gecovert wird, sondern allein der Track "Zombie Ritual".
Das fetzt allerdings genauso großartig (und helloweenbedingt mit deutlich mehr Anleihen an Horrorfilmgespenstigkeit) wie die Neuinterpretation von "Symbolic" und gehört für mich deshalb als Bonustrack unbedingt dazu.
ZOMBI - Evans City (download) (2020)
Vom Zombieritual ist es nicht weit zum nächsten Synthwave-Duo namens Zombi, welche uns hier die teils auf dem Score zu "Night Of The Living Dead" basierende Musik für eine Live-Skriptlesung eben jenes Films präsentieren. Im Vergleich zum metallischeren Album "2020" sind die Herren Moore und Pattera hier wieder sehr viel oldschooliger unterwegs und ganz auf bedrohlichen Synthiehorrorsoundtrack gebügelt.
Merkwürdig dicht am Puls der Zeit sind sie dennoch unterwegs, liegt "Evans City" doch genau wie Pittsburgh, die Heimat des Duos, ausgerechnet im den Sack gegen 45 dicht machenden Staat Pennsylvania. Und jene Grusellesung war eine Benefizveranstaltung für den Wahlkampf von Biden und Harris. Hui, da hat der Lasst-die-Politik-aus-der-Musik-raus-Mob ja wieder Grund zum Heulen.
Und wer geradeaus denken kann und zudem auf carpentersche Soundtrackmusik steht, der hat besseres zu tun und genießt einfach aus vollem Herzen diese sieben Instrumemtaltracks.
ESOCTRILIHUM - F'htansg (download) (2020)
Für Musiker, die sich ohnehin den ganzen Tag vollkommen alleine in ihrer kalten Gruft verkriechen, um menschenfeindlichen, Advantgardeschwarzmetall mit zehn Hirnkollapsen pro Track aus der Hölle aus jenseitigen Dämonensphären heraufzubeschwören, ist das Pandemiescheißdreckjahr 2020 vielleicht gar nicht dramatisch anders als der übliche Tag im Büro.
Fast schon wundert man sich eher, dass der Franzose Asthâghul aka Esoctrilihum nach den überwältigenden Brocken "The Telluric Ashes Of The Ö Vrth Immemorial Gods" und "Eternity Of Shaog" hier tatsächlich nur eine Drei-Track-EP von knapp über zwanzig Minuten in unsere sterblichen Gehörgänge jagt.
Doch keine Sorge, in dieser Zeit passiert auf die bekannt überfordernd überbordende Art wieder so viel, dass man tatsächlich glaubt, es mit einem sehr viel längeren Album zu tun zu haben. Der gute alte "Altars Of Madness"-Effekt halt. Tatsächlich steckt in dem super garstigen, kratzigen, rauschenden Black Metal und insbesondere im letzten Stück "Lugalugkuh" eine Menge Morbid Angel drin. Mit Keyboards könnte man wohl auch Nocturnus sagen. Daneben blitzen natürlich zahlreiche andere Stilmerkmale auf. Besonders aus dem dauerbösen Fratzengeballer herausstechend ist der Schluss von "Sustutgrielh L'ays", bei dem das Geblaste plötzlich sphärisch schwebt wie bei Botanist.
Insgesamt ist "F'htansg" ein herrliches Inferno und vielleicht gerade für traditioneller orientierte Schwarz- und Todesbleifans ein etwas einfacherer Einstieg in den esoctrilihumschenKosmos als die einschüchternd riesigen Alben.
Shortly after (or in my case purchased together with) the Martin Rude & Jakob Skøtt Duo's wild melange of jazz, kraut rock, folk and electro on "The Discipline Of Assent"El Paraiso Records follows up with another session recording, which is absolutely on fire.
It's a rather short affair spinning on 45 rpm, but fuck yeah, what a jam...
FRA DET ONDE - feat. the Legendary Emil Nikolaisen (LP) (2020)
At first it seems almost unbelievable that aforementioned fire was lit surrounded by a truly Norwegian outer temperature of minus sixteen degrees Celsius. On the other hand thinking about it a little bit longer, the need to shake off the bone-chilling cold could be a critical explanation for the relentless drive of this recording.
But don't let yourself be fooled by the powerful rawness of the drums and the thickly snarling Rickenbacker bass sound into believing that this EP has a rock music ratio even remotely comparable to the Rude / Skøtt release!
No, at it's core ninety percent of this is pure jazz! Or electric free jazz, if you want to be more specific.
And the trio of Olaf Olsen (drums), Rune Nergaard (bass) and trumpeter Erik Kimestad Pedersen plays it hard and fast and passionate, but without stepping over into hard rock territory, even though the musical backgrounds to pull that off are there. Fra Det Onde however stay very much true to the spirit of the later, "harder accessible" works of the John Coltrane Quartet and its music-historical spawn.
The production is extremely hands-on in openly affecting the music through excentric mixing choices and tickling the equipment to resound and moan. It's hard to grasp what exactly is happening here, but it is of such important that producer Emil Nikolaisen's name is in the freaking title of the EP.
The overall result at the same time exudes a traditional familiarity and an adventurous modern excitement. I can easily see myself spinning this gem back to back with the likes of Miles' "Dark Magus" oder Trane's "Meditations" without being let down in the slightest.
Or in other words: This free jazz fusion blizzard is a complete ripper!
Jazzjazzjazzjazz... Ich habe immer noch das Gefühl, dass zwischen der Häufigkeit dieses Begriffs in diesem Blog und meiner tatsächlichen Fachkompetenz eine grandcanyonale Lücke klafft. Anderseits wächst meine Jazzsammlung durchaus ständig. So habe ich gerade zum Spottpreis von nicht einmal drei Euro fünfzig pro neuem(!) Tonträger ein überraschend amtlich gepresstes Vinyl-Überraschungspaket bekommen, zu dem u.a. Hammer wie Eric Dolphys "Out To Lunch", Art Blakeys "Drum Suite", Wayne Shorters "Speak No Evil" und Duke Ellingtons "Money Jungle" gehören. Glücklicherweise waren tatsächlich nur zwei Alben dabei, welche ich bereits vorher besaß. Wäre ich YouTuber, dann hätte es sicherlich ein schlimmes Haul-Video gegeben.
Bei so viel legendärer Old-School-Beschallung muss ich glatt aufpassen, dass ich die kontemporären Neueingänge nicht vernachlässige. Zu jenen gehört ein Album aus dem Stall von El Paraiso, welches sich stilistisch wohl zu jeweils einem Drittel in Jazz, Psychedelic Rock und "sonstiges" einteilt. Eine Mischung, der ich aus diesem Hause immer schwer widerstehen kann.
Dass ich damit nicht alleine bin, bewies sich, als ich trotz Vorbestellung kein Exemplar der Erstpressung abbekommen konnte und auf die unmittelbar hinterhergeschobene Zweitpressung auf transparentem Vinyl warten musste. Jede unterscheidet sich auch durch einen Promo-Streifen, den ich allerdings noch gar nicht genauer unter die Lupe genommen habe, weil ich es meistens vermeide, Reviews zu lesen, bevor ich meinen eigenen Senf formuliert habe.
MARTIN RUDE & JAKOB SKØTT DUO - The Discipline Of Assent (milky white vinyl LP) (2020)
"The Discipline Of Assent" basiert auf einer Session von Causa Sui-Drummer Jakob Skøtt mit Bassist/Gitarrist Martin Rude. Das spontan improvisierte Rohmaterial wurde später editiert und um einige elektronische Finessen erweitert.
Die stilistischen Schwerpunkte der neun Tracks scheinen sich dabei vor allem durch die Wahl des Saiteninstruments ergeben zu haben.
Die jazzigsten Stücke sind jene, bei denen Rude zum zumeist sehr rhythmisch gespielten Kontrabass greift. Im Grunde klingt das Duo hier oftmals beinahe wie ein ganz traditionelles Jazztrio. Da für ein solches natürlich das Leadinstrument fehlt, geben die Drums umso mehr Gas. Skøtt zollt hier ganz klar dem energetischen Spiel von Elvin Jones und den Größen aus Fusion (einschließlich der elektrischen Phase von Miles Davis) und Spiritual Jazz Tribut. Allerdings setzt er auch mal gerade im Zusammenhang mit den später hinzugefügten Synthies beinahe breakbeathafte Akzente. Und der vierte Track "Setenta y Tres" strahlt so starke Jazz/Hip Hop-Crossover-Vibes aus, dass ich es mir tatsächlich gut mit einem darüber freestylenden Rapper vorstellen könnte.
Dem Gegenüber stehen die ebenso stark vertretenen Bariton-Gitarren-Stücke, welche eher in die ganz labeltypisch schwebende Psychedelic-Rock-Richtung gehen.
Das schon durch seine elfminütige Länge klar herausstechende Finale "Mountain Montage" bringt schließlich noch die akustische Gitarre und mit ihren einen starken Folkeinfluss (sowohl Western als auch Eastern) ins Spiel.
Dies alles passiert sehr natürlich und bewahrt sich trotz nachträglicher Optimierung seinen spontanen Charme, was die instrumentale Chemie nur noch beeindruckender erscheinen lässt.
"The Discipline Of Assent" ist ein spannendes, abwechslungsreiches, sehr kurzweiliges und mit erfrischender Leichtigkeit auf Kategorisierungen scheißendes Kleinod, welches die El Paraiso-Sektion meines Plattenregals in jeder Form enorm bereichert. Und dafür kann man die eingangs erwähnten überlebensgroßen Klassiker auch durchaus mal auf spätere Rotation vertrösten.
Dieses Album - so viel gleich vorweg - war wohl schon lange überfällig.
Nicht, dass es an Gelegenheiten mangeln würde, für das Schaffen Sun Ras Geld auszugeben, erscheint doch ständig rares und neu aufgelegtes Material aus der genauso gigantischen wie unübersichtlichen Diskographie des Jazz- und Afrofuturismus-Vorreiters.
Nun hat allerdings der Meister selbst diesen Planeten ja bereits 1993 verlassen, und Marshall Allan zwei Jahre danach die Leitung desSun Ra Arkestraübernommen. Und aus jener langen Zeit, die der Saxophonist nun schon dem Repertoire mit seinen Arrangements seinen Stempel aufdrückt, existiert bislang kein Studioalbum.
Diesem Mangel wird offiziell morgen (30. Oktober) mit "Swirling" ein Ende bereitet.
SUN RA ARKESTRA - Swirling (clear vinyl 2LP) (2020)
Der Titeltrack des Doppelalbums ist ein von Marshall komponierter, im Herzen leichter, aber durch die typisch schräge Vielstimmigkeit der Big Band doch unverkennbar in der Sun Ra-Tradition verhafteter Swing.
Der komplette Rest von "Swirling" besteht allerdings aus aktuellen Inkarnationen bekannter Stücke, eine gesunde Mischung aus greatest hits und deeper cuts.
"Braucht man das wirklich?" mag der eine oder andere vielleicht jetzt noch einmal nachfragen, und meine Antwort ist ganz klar: auf jeden Fall!
Ob es die instrumentalen und gesanglichen Performances der die Liveband über die letzten Jahre prägenden Mitglieder sind (von denen insbesondere Sängerin Tara Middleton und natürlich das schrille Saxophon und die spacigen Eskapaden Marshall Allans auf dem elektrischen Windinstrument hervorstechen), oder die großartige, den Livesound der Gruppe perfekt einfangende Produktion - diese Veröffentlichung rechtfertigt sich auf allen Ebenen.
Letztendlich - und diese Wahrheit darf man bei einem Ensemble, dem mehrere aktive Mitglieder bereits seit den 1950er Jahren angehören, ruhig aussprechen - wird "Swirling" auch ein zentrales Vermächtnis für alle Hörer sein, die in den letzten drei Jahrzehnten zum Arkestra gefunden haben. Und vielen, die bisher keine Berührung mit der advantgardistischen Jazzlegende hatten, mag es in Zukunft auch einen sinnvollen Einstieg in den Kosmos Sun Ras bieten.
Marshall Allan & Sun Ra Arkestra, Überjazz 2019
Selbst ohne Pandemie musste man ja schon für jedes Jahr dankbar sein, welches die Veteranen um den mittlerweile sechsundneunzigjährigen Bandleader auf den Livebühnen dieser Welt sah. Ich habe das Privileg genossen, sie sowohl 2018als auch 2019 erleben zu dürfen, und beide Shows waren genauso unglaublich wie horizonterweiternd und inspirierend. Eine Band, die es so nur einmal geben kann.
Und wer kann angesichts der Weltlage voraussagen, ob das Arkestra je wieder zusammen auf Tour gehen kann? Mehr als ein paar besonders gesicherte und begrenzte Einzelshows kann ich mir auch für 2021 jetzt noch nicht vorstellen. Vor allem bei einer derart buchstäblichen Risikogruppe.
Mit Perkussionist Stanley "Atakatune" Morgan und Saxophonist/Flötist Danny Ray Thompson sind zwei der an diesen Aufnahmen beteiligten Musiker indes schon nicht mehr hier und betrachten gemeinsam mit Sun Ra und ehemaligen Erdreisenden wie June Tyson und John Gilmore unser Treiben aus der galaktischen Ferne.
Was auch immer die Zukunft bereit hält - und ich wünsche ja der ganzen Truppe, noch fitte 107 Jahre zu werden, wie es Trommelpionierin Viola Smithjüngst geschafft hat -, genau jetzt sind wir zu Hause und haben dieses Album.
Vom knapp an traditionellen Konventionen Vorbeischrammenden, irgendwie schon immer Vertrauten (denn das Arkestra war ja gefühlt schon immer da und hat seinen kreativen Einfluss weit gestreut) zum immer noch überraschend Abgefahrenen, von Afrobeat und Vocal Jazz, zu experimenteller Trickfilmsoundtrackmusik stellt "Swirling" eine umfang- und abwechslungsreiche Werkschau dar - und gleichzeitig ein in sich stimmiges und für sich alleine bestehendes Album.
Keine Frage: Wer irgendwie an Jazz, Black Music und generell saugutem, nicht alltäglichem Scheiß interessiert ist, der sollte das Sun Ra Arkestra dieses Jahr unbedingt auf dem Schirm haben.
Während die Musik für mich über jeden Zweifel erhaben ist, gibt es doch zwei Kritikpunkte an der Veröffentlichung:
1. Zwar sieht die LP (erhältlich in schwarz, gold oder exklusiv über HHV transparent) super aus, doch lesen kann die winzigen Credits ohne Lupe doch niemand! Und das ist kein Spruch, sondern ich habe tatsächlich eine Lupe zur Hand genommen. Da wäre noch genügend Platz gewesen, um den Schriftgrad erheblich zu erhöhen.
2. Mit "Unmask The Batman" und "Space Loneliness" fehlen auf der Doppel-LP zwei Tracks der digitalen Version, und trotz Präsenz auf Bandcamp liegt kein Downloadcode bei, was zusätzlich enttäuscht, wenn dies bei einer anderen LP des Labels, welche man gerade bekommen hat, machbar gewesen ist.
Das ist dann wohl ein Argument, sich die Schallplatte direkt über Bandcamp (dort allerdings nur in klassisch schwarz) zu ordern.
Hey, es gibt keine Vorschrift, die es einem untersagt, mehr als eine heiße Scheibe, die das Feuer sogar im Titel trägt, pro Einkauf abzugreifen!
Deswegen habe ich auch keine Gewissensbisse, mir zusammen mit Painted Dolls "How To Draw Fire" ein letztes Jahr veröffentlichtes Album vom Sure Fire Soul Ensemble gegönnt zu haben. Und ich muss zugeben, dass der "Beikauf" in diesem Fall sogar noch eine Nummer mehr fetzt.
THE SURE FIRE SOUL ENSEMBLE - Build Bridges (LP) (2019)
Ich bin ja nach wie vor keine riesengroßer Cineast, doch dass das Blaxploitation-Genre einige der funkigsten Soundtracks aller Zeiten auf die Welt losgelassen hat, ist an mir nicht vorbeigegangen. Und ein paar Pam Grier-Filme jenseits von "Jackie Brown" stehen bei mir sogar im DVD-Regal, einer davon "Coffy".
Doch ich schweife ab, bevor ich überhaupt begonnen habe. Dass The Sure Fire Soul Ensemble sein Album gleich mit einem fett produzierten Cover von Roy Alders' "Aragon" aus eben jenem Film eröffnet, ist jedenfalls ein selbstbewusstes Statement und eine Messlatte für den Funk und die 70er-Disco-Kompatibilität der folgenden neun Eigenkompositionen.
Mit traditionellem Trompete/Posaune/Saxophon-Bläsersatz, mehreren Perkussionisten und um die größte Sexyness wetteifernden Licks von Gitarre, Bass und Keyboards haut die neunköpfige Instrumentalformation aus San Diego einen Hit nach dem nächsten raus.
Alle Stücken strotzen nur so vor explosiv groovender Tanzbarkeit, jazziger Finesse und breit grinsender Seele. Insbesondere im letzten Track "Step Up" gesellt sich auch ganz klar filmische Library Music zum Repertoire der stilistischen Einflüsse.
Dass die Band einen glasklaren Sound á la Snarky Puppy auffährt und die Produktion auf eine sehr hochwertige Vinylpressung trifft, schadet dem Gesamteindruck natürlich auch nicht.
Ganz klar einer meiner aktuellen Lieblings-Jams, wenn mir der Sinn mal nicht nach düsterem Gedröhne, Elegie und Extremmetalexzentrik steht.
Authentisch, abgehend, überzeugend, dieses fette Funkbrett.
Zwei Jahre nach ihrem selbstbetitelten Debüt sagen sich Fuchs und Hase (=Dave Hill und Chris Reifert) erneut nicht gute Nacht, sondern machen durch, um eine Psych-Rock-Party zu schmeißen.
PAINTED DOLL - How To Draw Fire (purple vinyl LP) (2020)
Es lässt sich wohl mit Sicherheit sagen, dass Autopsy-Drummer/Sänger Reifert nicht zu der Sorte Künstler gehört, die das Konzept ihrer Projekte mit jedem Output radikal neu erfinden. Und so ist auch das zweite Album von Painted Doll eine direkte Fortsetzung dessen, was schon den Vorgänger bestimmt hat:
Mit beiden Musikern an Bass und Gitarre, Reifert an Drums, und Hill noch an Keyboards und natürlich Mikrofon, geht es beiden vor allem darum, sich ihre persönliche Hommage an die von ihnen verehrten Psychedelic Rock-Klassiker vom Herzen zu spielen. Das fällt mal poppig-leichter, mal punkig-rotziger aus, geht aber immer mit melodischen Feel-Good-Attitüde eingängig nach vorne.
Dass das eine oder Riff oder Lick einem bekannt vorkommen mag, kümmert weniger als die Liebe zum Genre, die hier ausgedrückt wird. Qualitativ tun sich beide Alben nicht viel, da könnte ich mich jetzt noch nicht für einen Favoriten festlegen. Das Debüt hat halt aktuell noch den längeren Ohrwurmvorlauf. Ich habe allerdings schon den Eindruck, dass gerade die Saiteninstrumente auf "How To Draw Fire" etwas tiefer ins Detail gehen.
Zwar sind und bleiben Painted Doll eine vorsätzlich unkomplizierte Band, doch auf der B-Seite sind mir mit "Get You High Tonight" und "Dollhouse Rock" zwei Stücke dann doch etwas zu songwritingfaul und eher Füllmaterial. Bei insgesamt zwölf Tracks können einen diese knapp fünf Minuten allerdings auch nicht den Spaß verderben. Und da im letztgenannten Song auch die beiden Live-Bandmitglieder Erika Osterhout und Tom Beaujour zum Zuge kommen, seien Ihnen dieses Tonträger-Cameo gegönnt.
Nein, das hier ist schon eine sympathische Gruppe. Nichts Überlebensgroßes für die Ewigkeit vielleicht, dafür aber umso mehr für den Moment.
Auch das von Dave Hill wieder selbst gezeichnete Cover bleibt sich stilistisch treu und ist schön bunt und überladen geraten. Ebenso korrespondiert die Vinylfarbe erneut schick mit der Farbwahl des Bandlogos.
Das kann man ästhetisch gerne noch für mehr Alben so fortführen.
Ok... So is this cover artwork safely sharable on social media?
Not sure, but good that I have Mom to help me out here.
MRS. PISS - Self-Surgery (CD) (2020)
Have you ever thought to yourself: What if someone took the rawness of Chelsea Wolfe's debut, the dark electronics of "Pain Is Beauty" and "Abyss" and the sludgy heavy doom of "Hiss Spun", mixed it with punk and noise rock and distilled it into eight short filthy, dirty and above all seriously pissed tracks for a nasty, panicky, but also very distinct and memorable twenty minutes EP?
Yes, that's a rather specific idea to have. And sorry, Chelsea and her equally as awesome drummer Jess Gowrie already had it themselves.
Mrs. Piss is a hundred percent their angry child, with the two being responsible for all vocal and instrumental performances. And while several passages could very well be imagined on a "regular" Chelsea Wolfe record, with the two bandmates exploring their musical chemistry on equal eye level the dynamics here are obviously different and justify this seperate new band. The vibe of Mrs. Piss' debut EPtotally sheds Wolfe's usual mysterious aura and goes much more for the rightful female rage and disgust of Kristeen Young - and it has a lot of cathartic fun on the way.
While "Self-Surgery" is available on vinyl (piss yellow splatter anyone?), I decided for the CD version, mostly because it just isn't that much music and the only one-sided record is still pricy enough.
But whatever medium you choose, I'm sure it will be worth it. Because this is one of those EPs you'll just find yourself starting again immediately after it finishes.
So I guess the song title "Nobody Wants To Party With Us" is either a huge misassessment or a blunt lie.
Wenn wir schon beim Thema "Black Metaller, die sich nicht an die vngeschriebenen Trveness-Statvten halten" sind, darf die neue EP eines der aktuell berüchtigsten Vertreter dieser schlimmen Freidenkerschule natürlich nicht fehlen.
ZEAL AND ARDOR - Wake Of A Nation (clear vinyl 12" EP) (2020)
Unter dem Eindruck von Covid-19-Opfern im eigenen Familienkreis und in direkter Bezugnahme auf den Mord an George Floyd macht Manuel Gagneux mit "Wake Of A Nation" ernst.
Oder besser gesagt: noch ernster als sonst. Denn auch wenn das im Großteil des bisherigen Zeal And Ardor-Schaffens vorherrschende, in Black Music und Black Metal reflektierte Gedankenspiel "Was, wenn die Sklaven in den Südstaaten sich im Namen Satans gegen ihre Unterdrückung aufgelehnt hätten?" einen sehr spielerischen Umgang damit darstellt, war das Kernthema sowohl auf "Devil Is Fine" als auch auf "Stranger Fruit" selbstverständlich immer schwarze Identität und Ermächtigung gegen Rassismus.
Diesmal gibt es schon wenige Sekunden nach Beginn des Openers "Vigil" kein Entrinnen vor der ohne fiktiven Überbau präsentierten Realität: "I can’t breathe, it’s a cellphone, please don’t shoot, I need to get home, I’m on my knees begging please" bittet Gagneux stellvertretend für unzählige Opfer rassistischer Polizeigewalt, ehe er die bittere Frage stellt: "How many more will it last? Why not just take all of us?"
Doch nicht nur die brandaktuelle Lage der insbesondere in Zeiten von Trumps MAGA-Kult so wichtigen Black Lives Matter-Bewegung findet Eingang. Schon der an den extrem ku-klux-klan-freundlichen ersten großen Kinofilm "Birth Of A Nation" anklingende Titel der EP deutet ja auf eine Lektion in schwarzer Geschichte hin. Und diese bekommt man vor allem in "Tuskegee", welches sich mit den Opfern der von den 1930ern bis 70er Jahren in Alabama durchgeführten Syphilis-Studie auseinandersetzt, in der arme afroamerikanische Teilnehmer ohne Aufklärung und Einwilligung als Versuchskaninchen missbraucht wurden, selbst nachdem bereits wirksame Medikamente erhältlich waren. Abgründe...
Musikalisch kümmern sich Zeal And Ardor wie gewohnt nicht darum, dass jedes der hier sechs Stücke nach schwarzmodrigem Reinheitsgebot überhaupt irgendwie als Metal klassifizierbar sein muss. So erinnert der Opener eher an eine Archive-Ballade/Hymne, ist "I Can't Breathe" ein von Samples bestimmtes Industrial-Interlude und der Titeltrack "Wake Of A Nation" eine fast rein perkussive Stomp-and-Chant-Nummer mit Elektroanleihen. (Dass hier auch mal wieder ein paar deutsche Zeilen einfließen, dürfte gegenüber dem nicht teutonischen oder helvetischen Teil der Menschheit sicherlich helfen, die kryptische Unzuordbarkeit der Band zu wahren.)
Wenn allerdings in "Tuskegee", "At The Seams" und "Trust No One" der Black Metal losgelassen wird, dann aber auch fetter und finsterer denn je. Auch Gagneuxs Krächzstimme hat sich hier abermals gesteigert. Und die eher souligen und gospeligen Passagen sitzen ja eh, sind allerdings auf dieser EP besonders emotional.
Es ist toll zu sehen, wie Zeal And Ardor ästhetisch und konzeptionell stabil bleibt, dabei aber inhaltlich und songwriterisch mit jedem Release noch eine Schippe draufpackt. Und so ist auch "Wake Of A Nation", wenn auch sehr knapp bemessen, wieder äußerst gut und relevant.
Das transparente Vinyl (45rpm) war bei meinem Exemplar am Rand ziemlich ähm... wild geschnitten, klingt aber in Ordnung und sieht natürlich immer so klasse oder scheiße aus, wie was auch immer sich gerade unter ihm befindet.
Ich habe Fragen. Ok, vor allem habe ich eine Frage: Warum benennt ein Brasilianer, den gewiss seine Eltern auf den den bürgerlichen Namen Serafim getauft haben, sein advantgardistisches Black-Metal-Soloprojekt nach einem Käse?
Oder bedeutet Bríi etwas anderes? Mein Portugiesisch (in dem hier auch die Texte verfasst sind) ist ein wenig eingerostet. Davon abgesehen deutet ja schon das ungewöhnliche Coverartwork an, dass auf diesem Album einiges anders als gewohnt läuft.
BRÍI - Entre Tudo que é Visto e Oculto (Tape) (2020)
Zunächst einmal sollte ich vielleicht zum Begriff Advantgarde Black Metal schleunigst noch weitere Stilmerkmale ergänzen. Denn auch wenn in allen vier fünfzehn bis einundzwanzig Minuten langen Tracks von "Entre Tudo que é Visto e Oculto" der schwarzmetallische Anteil für die meisten Hörer entscheidend dafür sein wird, ob sie dieser Musik überhaupt eine Chance geben möchten oder nicht, stehen hier doch - teilweise über sehr lange Strecken - auch andere Merkmale im Vordergrund.
So wird das vielfältige harsche Geschrammel (Serafim wirft ähnlich viele Ideen an die Wand wie sein französischer Geistesbruder Asthâghul aka Esoctrilihum) durch sanft wabernde Ambient-Synthiesounds balanciert, zu denen sich auch entrückte Meditationsroboterstimmen der Marke Cynic gesellen können. Die elektronischen Elemente hören da aber noch längst nicht auf, sondern steigern sich von Tangerine Dream-Kraut zu modernen Trance-Club-Beats und über der sägenden Gitarre polternden Industrialsounds.
Die Blastbeats sind ziemlich weit in den Hintergrund gemischt, was den interessanten Nebeneffekt hat, dass die brutalen Metalparts eine viel entrücktere Qualität haben als der eigentlich auf diese Wirkung ausgerichtete Teil der Musik. Und das ist gar nicht schlecht, entstehen hier doch sehr interessante Dynamiken.
Dafür dass das grundsätzliche Konzept viertelstündiger Ambient-Elekro-Black-Metal-Monolithen ja nicht gerade auf Rotation im Hitradio angelegt ist, bleiben hier auch sehr viele gute Ideen im Ohr hängen.
Zu haben ist das Longplayer-Debüt von Bríi digital über Bandcamp, oder auf Kassette, die mir als Medium für diese Veröffentlichung absolut prädestiniert scheint.
Ok, dann wollen wir mal das aktuell überfälligste Review in meiner Warteschlange abfrühstücken!
Apropos Mahlzeit: Wer auf konventionellere - oder gar leichtere - Metalkost steht, der sollte vielleicht davon absehen, sich Imperial Triumphants "Alphaville" schon am frühen Morgen aufs Sandwich zu schmieren - dieser irre Aufstrich kann Dir nämlich leicht aus allen Körperöffnungen wieder herausschießen!
Wer sich hingegen eh schon regelmäßig von sperrig unbequemem Avantgarde Black Metal und Jazz ernährt, der kann und sollte hier jederzeit reinhauen. Gerne auch nachts um drei, wenn's sein muss.
Der Vorgänger "Vile Luxury" war ja schon ein garstiges, irrsinniges Brett (und die komplette Livedarbietung des Albums eine meiner Lieblingsshows 2019), doch wenn die drei goldmaskierten Avantgardeextremisten aus New York eines können, dann ist es, den ohne hin schon auf elf gedrehten zerebralen Overkill noch weiter auf zwölf hochzukurbeln.
Am einfachsten ist die Entwicklung zwischen den Alben wohl zu beschreiben, wenn man sagt, dass es von allem mehr gibt. Auch wenn das technisch natürlich nicht ganz akkurat ist, wenn man gewisse Details wie die Bläserensembles von "Vile Luxury" betrachtet, die hier nicht wiederkehren. Dafür hinterlässt allerdings die Solo-Posaune in "Transmission To Mercury" umso mehr Eindruck.
Dies gilt überhaupt für alle jazzigeren Passagen. Den Vorgänger hatte ich ja noch als Emulation eines Free Jazz-Albums mit den Mitteln des Black Metal verstanden, doch hier machen sich diese Einflüsse abgesehen vom ständig jazzgeladenen Bassspiel insgesamt etwas rarer. Wenn sie jedoch kommen, hauen Imperial Triumphant und diverse Gastmusiker noch sehr viel mehr auf den Putz. Die bereits erwähnte "Transmission" oder auch das Klavier in "City Swine" sind Paradebeispiele dafür.
Doch auch der Metalanteil geht noch viel mehr auf Steroiden steil als zuvor. Der Black Metal ist psychotischer, die Riffs und Rhythmen sind wilder und schräger. Sowohl Voivod als auch Atheist kommen immer wieder als Einfluss in den Sinn. Und wer Oranssi Pazuzu, insbesondere deren urbanere Werke wie "Mestarin Kynsi" oder das Debüt "Muukalainen Puhuu" mag, der wird auch reichlich bedient. Imperial Triumphant sind allerdings weniger für lange hypnotische Build-Ups zu haben als die Finnen, und springen sehr viel unberechenbarer umher.
Ob sich dabei dreizehneckige Riffmonster und unförmiger Krach abwechseln, ob cineastische Chöre, Barbershop-Gesang, Klassikeinflüsse, japanische Teiko-Trommeln für Abwechslung sorgen oder ob wir mitten im Song einfach mal wartend am Flughafen stehengelassen werden; "Alphaville" ist immer fordernd und anstrengend und übertrieben.
Und genau das macht dieses Album so hirnfickend gut.
New York, insbesondere Brooklyn hat ja durchaus eine von John Zorn begründete Tradition der extremen Metal und Freejazz einschließenden, scheuklappenfreien Krachfusion. Toby Driver muss hier natürlich als prominenter Vertreter gewürdigt werden. Und Imperial Triumphant fühlen sich in dieser musikhistorischen Gesellschaft ganz offensichtlich sauwohl. Dass Mr. Bungles Trey Spruance als Produzent und Gastmusiker an "Alphaville" beteiligt ist, erscheint da mehr als nur folgerichtig.
Doch nicht nur musikalisch, sondern auch inhaltlich und ästhetisch bleiben Imperial Triumphant tief in ihrer Heimatstadt verwurzelt. Schon die retrofuturitische, erneut mit "Metropolis"-Anklängen nicht geizende Covergestaltung lässt keinen Zweifel daran, dass dieses Album wohl nur in New York entstanden sein kann.
Das kräftige Blau der "Broadway Blues"-Edition ist eine sehr ansprechende Vinylfarbe. Im Nachhinein kann ich mir jedenfalls gut einreden, dafür gerne unnötigerweise über einen Monat zu lang auf das Doppelalbum gewartet zu haben.
Ok, das war jetzt gelogen.
Neben dem nicht nur gut aussehenenden Vinyl und dem beiliegenden Poster des Artworks, ist aber vor allem Seite D erwähnenswert, die mit der in meiner Sammlung bisher noch nicht vertretenen Kuriosität von zwei parallelen Rillen aufwartet. D.h. je nachdem, wo man die Nadel am Anfang aufsetzt, wird ein anderer, exakt vier Minuten und achtundvierzig Sekunden langer Song gespielt.
Es handelt sich bei den Stücken um zwei Coverversionen, die passender kaum sein könnten, da beide nicht nur als Einfluss auf dem gesamten Album präsent sind, sondern auch gekonnt adaptiert und in das imperiale Chaos überführt wurden.
"Happy Home" von den Residents ist schon im Original höchst schrägkünstlerisch und experimentell. Dass Imperial Triumphant die manischen Qualitäten des Stücks u.a. durch Blastbeats des auf dem gesamten Album komplett außerirdisch performenden Drummers noch mehr herausstellen, ist zweifellos der richtige Ansatz. Herrlich kranker Scheiß!
Das andere Cover wird mit einem der ikonischsten Thrash-Riffs aller Zeiten eröffnet. Besser als das Original kann man Voivods "Experiment" natürlich nicht spielen, doch in seiner gleichzeitig kruden wie präzisen Höllenschlundigkeit inklusive vollkommen übertrieben staubsaugiger Interpretation von Gastgrunzer Phlegeton (Wormed), stellt Imperial Triumphants Version auch hier eine komplette stilistische Einverleibung dar. Beide Stücke machen somit bereits für sich Freude, ergeben jedoch besonders im Zusammenhang des kompletten Albums Sinn.
Und jenes überzeugt mich schon ohne die Bonustracks von vorne ("Rotted Futures") bis hinten ("The Greater Good") komplett. Da kann ich mir höchstens minimale Detailkritik aus den Fingern saugen, wie z.B. dass ich die Taiko-Drums wohl gerne einen Tick lauter und mächtiger gemixt hätte. Kleinkram also.
Nein, das hier ist wunderbar gnadenlose, kakophonische Dystopie in Perfektion. "Alphaville" ist ganz klar eines der besten und wichtigsten Metalalben des Jahres.
Nothing to see here! Just some tapes of albums, which I I have already covered in previous reviews. Plus some bonus stuff.
I've already told René Aquarius that half of my new stuff since getting into tapes again will probably consist of his misanthropic shit, so here we go...
Initially I had been content with the digital version of the Dead Neanderthals death crust sludge metal monstrosity "Blood Rite", but when after a while the very last copies were still available, I couldn't resist and add this tape to my collection. The artwork really nails the 90s underground death metal aesthetics and thus makes it a good companion to some of the old rancid stuff in my shelf from bands like Stillbirth or Sanity's Dawn.
As a bonus purchase I got myself the more traditional Dead Neanderthals classic "Prime", which sees René (drums), Otto Kokke (sax) and Colin Webster (sax) going berserk through one insane fourty minutes free heavy jazz cataclysm. Glorious!
This one I ordered on Bandcamp Friday August. First I was a little disappointed that the cassette artwork of Phurpa's "Hyms Of Gyer"is different from the digital release, but this cover has an eerie quality to it, which also fits the unreal otherworldliness of the group's overwhelming a cappella drone.
On Bandcamp Friday SeptemberI ordered "The Engine Of Night" by Rat Abbay, the instrumental drone/ambient/post rock solo spawn of Thomas Fisher from Esben And The Witch.
The artwork of the tape packaging and additional postcard features a painting by Fisher himself and is done with much love. Still would like to put this beauty into a fitting tray though.
Another Bandcamp Friday, another tape. Well, two actually, but the other one's not on its way yet.
The Raw Deal / Jah Cuzzi split is totally made for this format in every way. Dig it.
And just in case the tape in the envelope wouldn't be enough for me, Stoned To Death records were very generous with free download cards for other (in physical form already partly sold out) stuff.
"Půl Litru Země" is a great punkish, but at times also quite epic psych ride from Pacino, released in 2017. I especially dig the raw emotional vocals.
And finally there were two recent releases from this year:
JASNOVIDEC - Jasnovidec (2020)
How many drone duos are out there? Well, here's another one, featuring a member of Raw Deal.
Six tracks of pure buzzing, whirring, flickering. Here meditative, there drowned in whooshing noise. You won't find great melodies or even songs here. This is primal textural ambient and drone. And even though it's not mindblowing or super innovative, Jasnovidec are quite good at it.
SUNBURNED HAND OF THE MAN - Covered In Mud (2020)
While there isn't much seriously not to like about the arrangements of the raw psych tunes on here, the production of this jammy psych rock album is rather low-fi, and especially those passages where a way too loud overdriven voice talks over the rest are as good (or bad) as unlistenable.
But then maybe that's just befitting, given song titles like "Mid-Grade Sandpaper" or "Sexpiss". And of course there's also the cover, which might very well be one of the greatest of all times. At least for an album which sounds as dirty as this one. The last track "Hot Lickity Lazy Day" is astonishigly chill though. Weird shit.
